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Colaboradores

NABUCCO, DE GIUSEPPE VERDI

VERSION DE CONCIERTO
DIRECCION MARIO BENZECRY
SINFONICA JUVENIL NACIONAL JOSE DE SAN MARTIN
CORO CARLOS LOPEZ BUCHARDO
CORO DEL INSTITUTO MUNICIPAL DE MUSICA DE AVELLANEDA
(CCK) - SALA SINFONICA (BALLENA AZUL )

Espléndido concierto con la bella e intensa obra de Verdi joven en el marco deslumbrante de la elegante y espaciosa sala sinfónica del Centro, decididamente uno de los espacios teatrales más monumentales de la Capital.
Ejemplar desempeño de los jóvenes músicos de la Orquesta, que son toda una garantía de futuro de Argentina en el plano musical,y un sólido desempeño de los dos coros fusionados que fueron convocados para esta tarea.
Buena dirección del Maestro Benzecry, quien no dirige habitualmente ópera, que mantuvo el ritmo, la coordinación y la intensidad dramática de la ejecución. A nuestro juicio exageró todo el tiempo con el volumen de la orquesta que toco FORTISSIMO durante toda la sesión. Felizmente tenía voces que podían afrontarlo. Pero por ejemplo su renuencia a incluir momentos de mayor lirismo, acabó conspirando contra la muy buena ejecución del VA PENSIERO que cantado a viva voz y sin matices perdió parte de su encanto tan especial, que lleva a ovaciones del público y repeticiones forzadas que aquí faltaron con aviso.
Excepcional trabajo de LEONARDO LOPEZ LINARES (QUE VOZ ¡QUE FRASEO ¡QUE INTENSIDAD ¡ ) que no de balde es convocado anualmente por la ARENA DE VERONA para cantar este y otros papeles. Linares cantó la difícil parte con absoluto dominio de la partitura casi como si fuera un juego de niños , y llegó al final de la función con la voz sin el menor indicio de fatiga, casi esperando un DA CAPO del Maestro para deslumbrarnos a todos de nuevo. Cantó con un caudal y extensión de voz que son impactantes y que hablan de una depurada técnica pero también de una generosidad de la naturaleza, ya que su voz no es de las que se aprenden sino de las que se tienen o no se tienen. Y vaya si él la tiene ¡! Fue además un intérprete intenso, alcanzando previsiblemente el top de su interpretación en el dúo con Abigail y la soberbia aria DIO DI GIUDA, desgarradora como corresponde, seguida por la caballeta rematada por un agudo que pareció querer prolongarse todo el resto de la tarde, y retardar nuestro almuerzo.
MARIO DE SALVO tuvo a su cargo el difícil papel de ZACCARIA que canta tanto o más que Nabucco y Abigail y que tiene dificultades no inferiores a estos papeles. Por ello debió ser incluido en el programa junto a los protagonistas y debió publicarse su biografía como se hizo con estos. De Salvo es la rara avis de un bajo barítono que tiene todas las notas graves que el papel pide pero llega con facilidad a los agudos igualmente demandantes. Cantó con la absoluta musicalidad siempre esperable en él, seguridad en ambos extremos y fuerza expresiva. Lo único que se le podría reprochar es ajeno a su voluntad: el timbre de voz que suena demasiado claro para un papel que para nosotros requiere una voz más oscura y estaríamos tentados de pedir un bajo profundo metiéndonos en problemas por las exigencias de la partitura en el extremo agudo.
ANABELLA CARNEVALLI desplegó una voz de un seductor timbre acontraltado, un impresionante volumen vocal y un registro agudo impactante, que la hacen una clara candidata a cantar algunos papeles que están en la frontera de la división soprano/mezzo como LADY MACBETH que tenemos entendido está analizando abordar. Pareció algo cansada en el aria final, impecablemente cantada pero sin el mismo grado de apabullante brillantez del resto de su actuación. Hilando fino le haríamos la crítica de que su Fenena fue demasiado potente, demasiado fuerte para lo que es el personaje. Un lujo oírla, pero algo a contrapelo de la obra.
Bonita voz la del tenor CRISTIAN TALEB, con un seductor timbre oscuro y buenos agudos, a quien no lo oímos más porque eliminaron su aria y porque el volumen orquestal se ensañó con él.
Sorprendió la fuerza vocal de la para nosotros desconocida soprano ADRIANA BENSUSAN que sobresalió en sus intervenciones junto al coro.
Nos vamos a excusar de comentar en detalle la actuación de HAYDEE DABUSTI por carecer de la distancia objetiva imprescindible para hacerlo. Haydee desde su retorno a la actividad luego de una prolongada interrupción de su carrera, hizo, entre otros, dos papeles particularmente difíciles como NORMA y este NABUCCO sus caballitos de batalla, cantándolos con frecuencia y en diferentes versiones, perfeccionándolos en cada reposición e incorporando a su técnica de emisión de pianísimos de los cuales hace un muy buen uso expresivo. Pese a sus tremendas exigencias el papel le queda más cómodo vocalmente que su reciente BALLO IN MASCHERA. En sus mejores interpretaciones de la parte siempre supo exhibir un incisivo registro agudo, graves, adecuada sonoridad y una notable sangre fría para manejar las bruscas transiciones de un extremo a otro, que Verdi cruelmente ha pedido., amén de una fuerza expresiva total. Buena parte de esos recursos estuvieron presentes esta tarde, especialmente en su muy logrado segundo acto, incluyendo dos fragmentos bellamente cantados y sentidos: el dúo con el barítono y la conmovedora aria final.
Tanto ella como LOPEZ LINARES demostraron su intimidad con la obra, cantando sus partes de memoria, sin leer la partitura.
QUEREMOS MAS CONCIERTOS DE ESTE TIPO, QUE PUEDEN SER UNA BUENA SALIDA PARA OFRECER TITULOS IMPOSIBLES DE MONTAR ESCENICAMENTE POR RAZONES DE COSTOS

DR.ALBERTO LEAL / LUIS G.BAIETTI (escrito en colaboración)

EL CONSUL
DE GIANCARLO MENOTTI SOBRE LIBRETTO PROPIO

DIRECCION MUSICAL – MARTIN JORGE
DIRECCION ESCENICA – SERGIO LUJAN
ILUMINACION LAURA LEIFERT
SOLISTAS Y ORQUESTA FILARMONICA DE MONTEVIDEO
TEATRO SOLIS

Giancarlo Menotti, italiano de nacimiento, pero educado y residente en los EEUU, fue un raro caso de compositor moderno ( entendiendo por tales a los posteriores a RICHARD STRAUSS ) que logró gozar de una cierta popularidad entre el público, si bien   no tanto frente a la crítica que siempre tendió a menospreciarlo como una suerte de sub Puccini por su uso intensivo de la melodía que es precisamente lo que le granjeó los favores del público que nunca logró sentirse muy consustanciado con los estilos más rupturistas  e intelectualizados que abrazaron otros compositores más festejados por la crítica.
Su primer Opera, un amable entretenimiento llamado AMELIA AL BALLO tuvo gran éxito cuando su estreno y fue un título representado, en general como integrante de un doble programa lírico por su brevedad, con relativa asiduidad durante las temporadas de la época de oro del SODRE en la mítica sala consumida por el fuego que estaba en el local donde hoy se levanta el majestuoso AUDITORIO ADELA RETA. Sus otras dos obras más conocidas son THE TELEPHONE  y THE MEDIUM, ambas óperas breves en un acto y MARIA GOLOVIN  al final de su carrera compuso dos obras de larga duración JUANA LA LOCA y GOYA , escrita especialmente para PLACIDO DOMINGO.
EL CONSUL fue su obra de mayor ambición y – descubro ahora- peor tratada en las representaciones, donde se hizo hábito privilegiar a buenos actores cantantes que no siempre le hicieron justicia a su partitura que tiene momentos  de gran exigencia vocal.
Es lo que descubro ahora en la excelente versión que ha ofrecido el TEATRO SOLIS DE MONTEVIDEO en sociedad con la ORQUESTA FILARMONCA DE MONTEVIDEO, que apoyado en un sólido conjunto de voces encabezado por una deslumbrante EIKO SENDA, dio una visión cabal de la riqueza musical del texto.
Hubo un gran trabajo musical del joven maestro MARTIN JORGE  al frente de la estupenda Filarmónica local en una de sus mejores noches. Y un elenco vocal y actoral sin fisuras. Con un conjunto regional de intérpretes de muy alto nivel, comenzando por el excelente tenor brasileño LEONARDO NEIVA con un atrayente timbre vocal y gran fuerza expresiva, la estupenda  mezzo uruguaya STEPAHANIE HOLM en el mejor trabajo de su carrera, una sutil creación del argentino LEONARDO ESTEVEZ muy exigido actoralmente en esta versión en que debe componer a un agente policial siniestro a quien el regisseur decidió vestir de clown acentuando aún más su papel siniestro, un muy sutil trabajo e ANDRES BARBERY cantado con  todo el doble sentido del personaje y con una voz que ha crecido notablemente en extensión y volumen y que es una pena no sea utilizada en papeles protagónicos en lugar de traer desconocidos tenores mediocres del continente europeo, la impactante labor de la soprano uruguaya radicada en Europa SOFIA MARA con una bellísima y potente voz de soprano lírica y gran fuerza expresiva,  , el asombroso rendimiento vocal del veterano maestro de canto de tantos intérpretes más jóvenes Fernando Barabino  que parece haber firmado el célebre pacto de Fausto, , las impecables actuaciones de las mezzos JULIA BREGSTEIN y CLEMENTINE MOREIRA y el muy auspicioso cuasi debut del joven barítono JULIO REOLON dueño de una voz de muy bello timbre y un sólido volumen. Pero las grandes heroínas de la noche, por la complejidad de sus papeles fueron ADRIANA MASTRANGELO y      EIKO SENDA.  Mastrángelo, que está pasando por un gran momento en su carrera y viene de obtener un resonante éxito cantando JULIO CESAR  en el COLON volvió a deslumbrar con potente, hermosa voz de mezzo aguda y con su fuerte presencia de actriz dramática en un papel muy exigido porque es la contracara que se opone a la protagonista que de no contar con una oponente de este calibre vería muy perjudicada su actuación.
Y un trabajo absolutamente deslumbrante de EIKO SENDA, que logra superar aún a su reciente TOSCA  del TEATRO COLON  que levantó ovaciones en el Primer Coliseo argentino. Un trabajo agotador en lo vocal, que rescató la belleza y la fuerza de la partitura de Menotti con varios momentos de gran despliegue vocal y una interpretación actoral que figura por derecho propio entre las más  grandes composiciones teatrales que he visto en mi vida, en el Teatro que sea.
Eiko que es japonesa de origen, radicada luego en Brasil y finalmente establecida en Uruguay por obra y gracia de un Cupido baritonal local, es como yo suelo decir entonces una soprano “ oriental por partida doble “ y ha sufrido en los últimos años una asombrosa transformación que la ha llevado de ser una cantante impecable vocalmente con una expresividad demasiado contenida, a la poderosa  extrovertida , súper latina intérprete que es hoy y que ha demostrado cabalmente en sus recientes TOSCA, LADY MACTBETH y esta MAGDA SOREL. La escena previa al cuadro final, donde Magda ya más muerta por dentro que viva, habiendo perdido a la madre de su marido y a su niñito, es una sombra de sí misma que mal se mantiene en pie y que lleva en su rostro pintada la muerte que abrazará voluntaria y lúcidamente en el último cuadro, es uno de los momentos más conmovedores que me haya sido presenciar en cualquier teatro de Opera.
El Maestro SERGIO LUJAN que ya se había hecho notar con una versión de LA FLAUTA MAGICA  con elementos juveniles en un teatro del off uruguayo , había preocupado al medio con sus declaraciones de que haría una versión performática que se liberara de las ataduras al libretto y a la partitura. Felizmente nada de eso. El director se atuvo fielmente a la temática de la obra y a su música en una composición con algunas osadías, no todas ellas muy compartibles como la de hacer desfilar prisioneros en paños muy menores por los pasillos del Teatro en los intervalos, pero que en general se caracterizó por la gran intensidad que le dio al drama, y por la marcación atenta y profunda de cada personaje. En una obra que trata fundamentalmente de la angustia de la persecución política por parte de un régimen dictatorial y la insensibilidad burocrática de los consulados al otorgar el refugio a los que huyen  ( y no puedo aquí olvidar a los millones de judíos que pudieron salvar sus vidas  si los países de Occidente no se hubieran demostrado tan restrictivos al otorgar visas ) supo encontrar referencias más modernas y locales, con un punto culminante en la escena en que irrumpen el escenario parientes de detenidos-desaparecidos durante la dictadura militar uruguaya , personificados por los propios protagonistas en la vida real de esta tragedia, portando un cartel contra la impunidad, y saludados con una lluvia de panfletos con el nombre edad y fecha de desaparición de cada uno de los uruguayos faltantes, escena que provocó un minuto de silencio angustiado seguido de una prolongada ovación
Es una pena que esta obra quede ahora en los archivos del Teatro Solís esperando una improbable reposición. Debiera viajar. Ser vista en el interior de Uruguay, Argentina , Brasil y en Buenos Aires  o en otros países latinoamericanos como por ejemplo México que tanto entiende de exiliados porque fue el país que con más generosidad y cariño albergó a los refugiados sudamericanos en su hora de máxima necesidad y dolor.

LUIS G BAIETTI
ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD

LA TRAVIATA
ELENCO DE EXTRAORDINARIAS

Un elenco de calidad excepcional como el de las funciones de Abono merecía un elenco de calidad comparable y eso fue precisamente lo que el Colón le dio al público de Extraordinarias.
Gran heroína de la noche  JAQUELINA LIVIERI, con justicia ovacionada al punto de quebrarse  en el saludo final. Jaquelina ha tenido una remarcable evolución desde su ya muy buena TRAVIATA  de ROSARIO (ciudad que continúa teniendo un olfato envidiable para presentar valores en sus comienzos, como ocurriera con la célebre ULRICA de Anabella Carnevalli que veremos en los próximos días en el Avenida y como está ocurriendo en estos días con LA BOHEME con una de las sopranos jóvenes más promisorias de la lírica argentina)
El centro de su voz ha adquirido mayor fuerza y ha reforzado un timbre oscuro que suena hermoso y se une parejamente y sin quiebres al de su zona aguda, que continúa siendo impecable. Su coloratura y sus pianísimos son de asombrar y conmover. Y como actriz ha tenido una enorme evolución presentando una intensa conmovedora  versión de Violetta, respecto de  la cual hay que remarcar que no es una repetición o una imitación de lo que hace su colega del elenco titular, sino que es una creación personal totalmente autónoma, más allá de que se trata de la misma marcación. Tampoco ella interpoló el MI BEMOL en el final del primer acto.
LEONARDO LOPEZ LINARES Y DARIO SCHMUNCK  tienen cada uno de ellos carreras europeas comparables a las de los otros integrantes del elenco principal y dieron cabal muestra de ello. Leonardo tiene una voz avasalladora, especialmente en la zona del agudo, por algo muy demandada en la ARENA DE VERONA. Fue un Germont de lujo como era dable esperar. Comparado con Veloz se lo vio algo más suelto en sus movimientos pero no menos epidérmico, evidentemente poco provocado por una regie que no halló gran cosa en el personaje. (QUE LUJO PARA UN TEATRO PODER PRESENTAR EN DIAS SEGUIDOS DOS BARITONOS DE ESTA ESTATURA Y QUE AMBOS SEAN NACIONALES)
Y ya que mencioné a STEFANO TRESPIDI en general me pareció muy acertado en sus marcaciones aunque es imposible saber cuánto de su tarea de repositor es en realidad creación propia en la medida en que no creo que por la edad haya visto o participado de la creación original en Roma.
Darío tiene un fraseo digno del belcantista que ha sido a lo largo de su extensa carrera europea. Con momentos de exquisita sonoridad, y con un registro central que ha cobrado una fuerza que antes no tenía. Tuvo el buen tino que le faltó a su colega de no agregar el do en el final de la caballeta ahorrándose así quizá un dolor de cabeza como el que tuvo el otro. Menos dotado físicamente para la parte que Pirgú, se lo vio sin embargo juvenil y apasionado como cuadra al personaje que vertió con total convicción.
Del elenco de comprimarios cabe destacar los excelentes trabajos de MARIANA REWERSKI como Flora y de MARIANA CARNOVALI como Annina, dos intérpretes acostumbradas a interpretar papeles protagónicos (Carmen en el caso de Rewerski) (Norma y Traviata en el caso de Carnovali) y que se valieron de su experiencia para enriquecer dos personajes menores pero importantes.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

LA TRAVIATA

OPERA DE GIUSEPPE VERDI
LIBRETTO DE FRANCESCO MA PIAVE
BASADO EN LA OBRA DE ALEJANDRO DUMAS  LA DAMA DE LAS CAMELIAS
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL COLON
DIRECCION MUSICAL EVELINO PIDÓ
PUESTA EN ESCENA ORIGINAL DE FRANCO ZEFFIRELLI
REPUESTA POR STEFANO TRESPIDI
TEATRO COLON

Si hay una Opera en el repertorio lírico que atrae la entusiasta  adhesión del gran público que cultiva el género  y que provoca cuando rodeada de un mínimo de garantías de calidad, un lleno total de los Teatros donde se representa, esa fue y continúa siendo LA TRAVIATA, algo que volvió a ocurrir en el Teatro Colón en estas últimas representaciones con localidades prácticamente agotadas  (  tanto que resucitó aquel  antipático cartel antes tan usual de  UNICAMENTE LOCALIDADES ALTAS LATERALES Y DE PIE)
Esta popularidad puede transformarse en un peligro a la hora de montar una versión Es que el público en general ha visto tantas veces la obra , en tan diferentes  versiones y la conoce tanto que cualquier defecto, limitación o alteración es inmediatamente percibido y condenado. Irónicamente es más fácil montar títulos en tesis más complejos como , por citar ejemplos recientes, DIE SOLDATEN, MAHAGONNY LE GRANND MACABRE, que son muy poco familiares para el público que seguramente los verá una única vez en su vida y donde por consiguiente cualquier limitación de la versión será difícilmente percibida salvo por una minoría de eruditos.
Pero montar  LA TRAVIATA implica afrontar otro riesgo de proporciones. Es que la obra descansa de manera abrumadora en la calidad de la protagonista, algo que por ejemplo también se da en otras Operas como MADAMA BUTTERFLY. Una versión de LA TRAVIATA  que no cuente con una soprano principal de alto vuelo difícilmente pueda ser salvada por los restantes miembros del elenco, por la dirección u otros elementos de la producción. Los dos papeles coprotagónicos que son los del tenor y del barítono son lo suficientemente importantes como para arruinar una versión si son malos. Pero decididamente no pueden ni soñar en salvarla si la soprano no cumple con cierto grado de brillantez  con su parte.
Felizmente no hubo tal riesgo en esta versión en la que el Colón contrató una gran protagonista, y felizmente ella vino y trabajó intensamente en la preparación y permitió apreciar el porque de la alta estima con que se la tiene en Europa donde ha sido la Violeta obligada en varios grandes Teatros que ahora han pasado a disputarse su CIO CIO SAN.
ERMONELA JAHO  no es una soprano perfecta. Algunas zonas centrales de su voz tienen un sonido al que hay que acostumbrarse y que para mi reflejan el esfuerzo por oscurecer una voz que es más lírica que lo que la intérprete quisiera que fuera. Pero en compensación todo el registro agudo es de excepcional calidad y seguridad, así como su coloratura y muy especialmente sus pianísimos de los cuales hace generoso y emotivo uso. Grande en el primer acto con una SEMPRE LIBERA sin portamentos para llegar a los agudos, y una absoluta seguridad en las ornamentaciones, no interpoló el MI BEMOL final como no lo han hecho varias grandes sopranos de voces más pesadas (CABALLE, TEBALDI, PONSELLE)  que las lírico ligeras que introdujeron la costumbre
En el segundo acto su interpretación y la conmovedora belleza de su canto elevaron la temperatura de la representación colocando al público al borde de las lágrimas que inevitablemente corrieron con su desgarradora escena final del tercer acto. En suma una gran interpretación que fue un privilegio presenciar y oír.
Felizmente ni el tenor ni el barítono arruinaron la función sino que muy por el contrario la valorizaron con canto y actuación de categoría internacional. SAIMIR PIRGU tiene para comenzar la pinta del papel, un joven adolescente híper apasionado, de reacciones descontroladas y un timbre vocal que no desmiente esta apariencia, alternando momentos de gran fuerza vocal con delicados pianísimos muy oportunamente colocados. No tiene un fraseo 100% perfecto y algunos sonidos fueron menos agradables que otros. Cometió además el error de querer interpolar el do agudo final de la caballeta que estuvo muy próximo de jugarle una mala pasada, que supo esquivar a pura técnica y sangre fría.
FABIAN VELOZ está ya para empresas mayores que este Germont que es un personaje árido, con poca carne para roer, y al cual la regie no pareció encontrarle ningún aspecto que le rindiera un interés interpretativo mayor. Fue con todo un placer oír su poderosa y segura voz explayarse en las bellas melodías que le escribió Verdi, y una buena contribución a la escena con su sólida, elegante, contenida actuación que más bien lució como una competente rutina. Hubo un momento en que prometió no ser así: la intensa  entrada a escena con su profunda desconfianza mezclada con temor, que parecieron ser el preludio a una creación más intensa en lo actoral que no se concretó.
Yo siempre digo que hay una enorme diferencia entre un Teatro de Segunda Línea que de repente se ve agraciado por una buena partida presupuestal o una donación extra  y puede salir a contratar un par de figuras de primer nivel y un  verdadero GRAN TEATRO DE OPERA, y está dada por sus elementos estables: el coro, la orquesta, los comprimarios, hasta los técnicos escenográficos.
Fantásticamente dirigidos por EVELINO PIDO que es uno de los grandes directores del momento en Europa, el CORO y la ORQUESTA ESTABLES del Colón mostraron con creces su valía y nos permitieron respirar aliviados constatando una vez más que aún en crisis EL COLON SIGUE SIENDO UN GRAN TEATRO digno de ser comparado aunque en las presentes circunstancias pierda con los grandes teatros líricos del mundo. UN BRAVO entusiasmado y emocionado  a todos los maestros que componen el impecable elenco de ambos conjuntos, y muy en especial al primer violín con su conmovedora ejecución del motivo central de la obertura del tercer acto, un gran momento de la noche.
PIDO ES UN director de gran valía, atento a los detalles, que consigue estar en todo  presente marcando entradas, ritmo, indicando la necesidad de un mayor volumen o de reducirlo y constantemente atento a lo que ocurre en el escenario (algo que muchos muy buenos directores tienden a olvidar) casi como si los cantantes lo dirigieran a él y no a la inversa, lo cual por cierto está lejos de ser la realidad. Ojalá vuelva con frecuencia.
El elenco de comprimarios exhibió un nivel de absoluta calidad, con especial destaque al sobrio pero intenso Dr. Grenvil de MARIO DI SALVO y a las poderosas encarnaciones de  MARIA VICTORIA GAETA  como Flora y DANIELA RATTI como Annina.
NO TODO SIN EMBARGO FUE PERFECTO. Tal como ha venido ocurriendo en las dos últimas temporadas, el Colón tuvo un peligroso accidente de per curso cuando supo sobre la fecha que se caía (por motivos no divulgados) la contratada puesta de SOFIA COPPOLA y tuvo que salir a buscar in extremis una puesta para alquilar. Algo que nunca hubiera ocurrido cuando el Colón tenía sus talleres a pleno funcionamiento y podía hacer sus propias escenografías. Las autoridades artísticas se movieron con rapidez y buenos contactos y consiguieron identificar un Teatro que podía alquilar una puesta  : LA OPERA DE ROMA que tenía en su acervo una puesta algo antigua de nada menos que FRANCO ZEFFIRELLI  que así con su nombre contribuiría a cubrir el bache del contrato no cumplido.
Todos conocemos a FRANCO ZEFFIRELLI y sus puestas brillantes (a menudo DEMASIADO brillantes)  Puestas como las de LA TRAVIATA, LA BOHEME, TOSCA, AIDA, TURANDOT para el Met, que han sido vistas por doquier gracias a las trasmisiones de HDTV y a los DVDs, donde predominan el lujo, el buen gusto, y la lógica teatral, junto con un cierto too much en la espectacularidad.
Pero este no es un Zeffirelli de primera marca sino un Zeffirelli light  que ha tenido que adaptarse a las restricciones presupuestarias de un Teatro como el de Roma que no figura por cierto a la cabeza de los principales Teatros líricos del mundo. Es una puesta minimalista para ser de Zeffirellli basada en cortinados y un bellísimo mobiliario, pero que visualmente pareció ajada, descolorida por el paso del tiempo .Y con un feo lunar en la escena de la casa de Flora, que no parece de Zeffirelli  al punto que uno se atrevería a aventurar la opinión de que al abrir el conteiner descubrieron que había elementos faltantes o arruinados y tuvieron que salir a complementarla con compras rápidas de último momento en alguna tienda de telas y de plásticos local de algún  barrio muy  comercial de Buenos Aires  que no voy a mencionar por su nombre  porque no soy tan cáustico como el amigo que lo dijo... Cuesta creer que ZEFFIRELLI, un hombre caracterizado por su exquisito buen gusto haya podido montar una escena como esta, donde aún si el propósito haya sido exhibir el carácter kistch de lo que Flora, al fin de cuentas una mantenida y no una dama, cree que es el lujo, dudo mucho que  hubiese resistido a la tentación de crear lo que yo llamaría  un paradójico kistch elegante.
Un título en suma a ser tenido muy en cuenta al elegir el mejor espectáculo del año-

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

"Turandot", de Giacomo Puccini
JUVENTUS LYRICA

Libreto: Giuseppe Adami y Renato Simone
Elenco: Svetlana Volosenko, Justo Rodríguez Sánchez, Ivana Ledesma, Felipe Cudina Begovic, Fernando Grassi, Jerónimo Vargas Gómez, Pablo Urban, Nor berto Lara y otros
Coro de Juventus Lyrica - Director del Coro: Antonio María Russo
Coro de Niños - Directora del Coro de Niños: Rosana Bravo 
Orquesta de Juventus Lyrica - Director de Orquesta: Antonio María Russ
Escenografía: Ana D'Anna y Constanza Pérez Maurice
Iluminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: María Jaunarena
Régie: Ana D'Anna

Realmente es casi una hazaña que una Compañía privada planee para sus dos primeros títulos operas como “Norma” y “Turandot”. La apertura con “Norma” fue realmente un espectáculo de excelencia. No se llegó al mismo nivel en Turandot, pero esto no quita notables méritos.
No es fácil imaginarse una función de “Turandot” en un Teatro como el Avenida, cuyo escenario no es ni suficientemente ancho ni profundo. La versión elegida fue la de Enrico Minaglia, de la cual existen muchos comentarios, en la mayoría que fue creada para una función para niños.
La versión  - con una orquesta más para Rossini que para Puccini –perdió un elemento fundamental del el título, el volumen orquestal, sobre todo al final de algunos actos. Pero con total objetividad creo que era la única posibilidad para un foso y un grupo de cantantes que no poseen las voces más indicadas. Para una versión tradicional solo el teatro Colón o el Argentino – si estuviera activo – podrían hacerlo.
Ana D’Anna y Constanza Pérez Maurice plantearon una escenografía despojada, pero práctica para los movimientos del Coros y los solistas, que se vio muy enriquecida con el excelente vestuario de María Jaunarena.
La Directora de Escena movió, como nos tiene habituados, con pericia tanto a los solistas como al Coro y el hecho de agregar una pasarela delante de la orquesta generó otras posibilidades que la Sra. D´Anna supo aprovechar muy bien.
Magnífico el trabajo del Maestro Antonio Russo. Al frente del Coro – que cantó y actuó con nivel de excelencia, lo mismo que la orquesta, que aunque considerablemente reducida tuvo momentos  plenos de matices, aunque, como hemos dicho la falta de volumen orquestal nunca dejó de sentirse.
Svetlana Volosenko, a quien había visto hace varios años atrás en
 “Trovador”, volvió a mostrar un timbre no de los más agradables, pero coherente para el personaje. No tuvo problemas técnicos, manteniendo una buena línea de canto y volumen suficiente para un Teatro como el Avenida. Algo elemental como actriz, no logró mostrar cambio alguno en el último acto. Pero es un elemento valioso para algunos personajes. Su comienzo fue dubitativo con un vibrato poco prometedor, pero lo fue superando durante el resto de la función.
Justo Rodríguez Sánchez es un tenor lírico de hermoso timbre y canta con una muy buena línea. Lamentablemente su voz carece de armónicos suficiente,  lo que produjo que no se lo escuchara en algunos pasajes. Cantó en excelente forma el aria “Nessun dorma”. Es un elemento valioso que sería interesante verlo en un rol más afín a su registro de lírico. No mostró mucho como actor, pero su rendimiento en general fue bueno.
La estrella de la función fue sin dudas la Soprano Ivana Ledesma como Liu. Con una voz de excelente volumen, gran facilidad para matizar su canto y conmovedora como actriz, su Liu seguramente le abrirá las puertas para otros títulos en el futuro. Con total merecimiento recibió la mayor ovación de la noche.
Del resto del elenco cabe señalar al bajo Felipe Cudina Begovic, conmovedor a pesar de su juventud para el rol y sobre todo a Fernando Grassi con un memorable PING, aunque el trío lució por momentos algo sobreactuado.
Es de destacar que no fue un acierto ubicar al “HIJO DEL CIELO” al total alcance del pueblo y no a la distancia que marca Puccini, lo mismo que el dúo donde Turandot es asediada por Calaf. Estos “errores” fueron corregidos en los actos siguientes.
El Teatro Colón no pone “Turandot” desde hace 11 años y las funciones fueron en el Luna Park. Creo que es una excelente oportunidad para ver una ópera amado por todos los melómanos.

Dr. Alberto Leal

ASCENSION Y CAIDA DE LA CIUDAD DE MAHAGONNY
(AUFSTIEG UND FALL DER STADT MAHAGONNY)
DE KURT WEIL

LIBRETTO DE BERTOLD BRTECHT
DIRECCION MUSICAL DAVID SYRUS
DIRECCION DE ESCENA: MARCELO LOMBARDERO
ESCENOGRAFIA: DIEGO SICILOIANO
VESTUARIO: LUCIANA GUTMAN
ILUMINACION: JOSE LUIS FIORRUCCIO
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO COLON
COPRODUCCION CON EL TEATRO MUNICIPAL DE SANTIAGO DE CHILE Y EL TEATRO MAYOR DE BOGOTA
TEATRO COLON

KURT WEIL y BERTOLD BRECHT colaboraron en varias obras, siendo las más famosas LA OPERA DE DOS CENTAVOS y este MAHAGONNY, que ahora presenta el Teatro Colón por cuarta vez desde su estreno en 1987 (si bien la segunda vez fue en el LUNA PARK)
En ambas obras el foco temático, fiel a las ideas comunistas de Brecht, es la crítica en un modo más bien burlón de la decadencia de la sociedad capitalista, consumida por el ansia irrefrenable del lucro.
Para ello crea la historia de tres delincuente prófugos que sufren un accidente automovilístico y deciden crear una ciudad en el lugar donde han quedado varados, próximo a las excavaciones en busca de Oro-
La ciudad pronto crece vertiginosamente atrayendo aventureros de todas partes y prostitutas que vienen a atenderlos profesionalmente. Sufre una amenaza de destrucción por el pasaje de un huracán, hasta que finalmente luego de un período de caos la ciudad restablece el orden y se vuelve al business as usual con que se cierra el título. En realidad la línea argumental así como los personajes son secundarios, ya que lo que cuenta es la trasmisión de la idea política central.
Weil y Brecht se separarían después cuando el primero intentó liberarse de las restricciones al papel de la música que imponía el segundo, que además presentaba su ideal teatral como el TEATRO EPICO que debía apelar al intelecto del espectador por oposición al TEATRO DRAMATICO que apela a sus sentimientos.
De allí que en buena medida estamos en MAHAGONNY en las antípodas de los que en la época de los grandes títulos líricos se entendió como Opera.
La música de Weil tiene momentos y momentos. En algunos la música levanta vuelo (principalmente en los actos 2 y 3 que aquí se representan juntos). En otros cede a la concepción de su autor y es más teatro hablado que cantado.
La versión que nos ofrece el Colón es una auténtica súper producción donde no se han escatimado recursos y donde se han aunado los esfuerzos de 3 Teatros de OPERA del continente americano para dividir costos.
Preside la misma, dueño y señor de la puesta MARCELO LOMBARDERO que en uno de sus mejores trabajos logra una versión de altísimo impacto donde pone en juego todo lo que conoce de las artes escénicas, que por cierto no es poco. Y nuevamente logra grandes efectos con la fusión de la imagen filmada con la acción teatral, como en las escenas del comienzo con la huída en auto de los delincuentes y el espectacular accidente de auto que sufren, o en el segundo Acto con la irrupción del huracán. Un trabajo memorable que de por sí justifica la reposición.
Pero se han reunido además toda una serie de elementos de calidad, comenzando por escenógrafo, vestuarista, iluminador y técnico de artes audiovisuales.
Hubo además un excelente director musical con una amplia carrera en el Covent Garden, el rendimiento de gran calidad bajo su batuta de la Orquesta Estable y el del Coro bajo la dirección de MIGUEL MARTINEZ con varios momentos de destaque, en particular de los tenores, en la segunda parte de la Opera.
Y un elenco de primerísimo nivel encabezado por NIKOLAI SCHUKOFF y NICOLA BELLER CARBONE. Ambos son estupendos actores. El un tenor con una poderosa y extensa voz muy bien administrada que con justicia está teniendo éxito en Europa como DON JOSE, ERIK (NAVIO FANTASMA) Y POLLIONE (NORMA). Ella una lírico ligera con fáciles agudos pero una voz potente en el centro y graves.
Se lucieron además IRIS VERMILLION, mezzo, como LEOKADIA BEGBICK, PEDRO ESPINOZA como Fatty, en varios momentos una torre sonora, y los locales LUCIANO GARAY (QUE BONITO TIMBRE DE VOZ TIENE ¡!) IVAN GARCIA GONZALO ARAYA PEREIRA Y naturalmente HERNAN ITURRALDE que como Moses vuelve a dar una decantada aprueba de su arte.
En suma un espectáculo memorable, pese a un texto que no lo es tanto.

LUIS G BAIETTI
ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD

LA BOHEME- BUENOS AIRES LIRICA

LA BOHEME
DE GIACOMO PUCCINI- LIBRETTO DE LUIGI ILLICA Y GIUSEPPE GIACOSA
DIRECCION MUSICAL- MARIO PERUSSO
REGIE Y ESCENOGRAFIA –MARCELO PERUSSO
VESTUARIO-SORREQUIETA
CORO DE BUENOS AIRES LIRICA  DIRIGIDO POR JUAN CASASBELLAS
ORQUESTA ACADEMICA DE BUENOS AIRES
CORO DE NIÑOS PETITS COEURS DIRIGIDO POR ROSANA BRAVO

BUENOS AIRES LIRICA
TEATRO AVENIDA

Con esta magnífica puesta, por momentos deslumbrante del clásico pucciniano, BUENOS AIRES LIRICA llega a lo que seguramente será el punto culminante de una temporada que exigió mucho de la imaginación y el pragmatismo de sus  conductores, habida cuenta de las restricciones presupuestales y los costos en incesante ascenso.
La puesta de LA BOHEME, inteligentemente compartida con la OPERA DE ROSARIO una Compañía que año tras año viene dando muestras de un gran sentido de la oportunidad para con escasos recursos llevar al público rosarino espectáculos de gran calidad, la puesta hace gala de un vestuario de primer nivel y de una planta escénica donde la imaginación, el buen gusto y la madurez artística han reemplazado con total éxito al despliegue de costosos elementos.
Pero el éxito de la versión, que adelanto es una de las mejores BOHEMES  que se han visto en los últimos años por estos lares y que en muchos detalles superó a las recientes versiones del COLON, EL ARGENTINO DE LA PLATA Y EL SODRE, se debió fundamentalmente a la gran labor de un terceto de directores que supieron llevar a los elementos bajo su comando al más alto nivel que podían entregar.
MARIO PERUSSO es un verdadero experto en Puccini y cada vez que se enfrenta a una partitura del  gran maestro de Lucca, logra ejecuciones de calidad musical e impacto emocional. Sabe además donde debe la orquesta explayarse en toda su potencia, y donde debe desaparecer y ocupar el segundo plano frente a la voz de los cantantes. Algunos desajustes siempre esperables en las primeras escenas del primer acto para nada invalidan esta opinión.
Hace mucho tiempo que sabemos que MARCELO PERUSSO  es un gran director teatral, con un gran dominio de todas las técnicas requeridas, gran capacidad de estimular a un elenco y hacerlo vibrar con su texto, y capaz de cuidar hasta el mínimo detalle de la representación sin descuidar las contra escenas.  Marcelo suele ser su propio enemigo y en el afán de parecer moderno incurre a veces en soluciones estrambóticas que colisionan con el texto. Nada de eso en esta BOHEME donde se ciñó rigurosamente al bellísimo texto de Puccini y sus libretistas y logró un espectáculo por momentos visualmente cautivante pero en general por sobre todas las cosas de gran emotividad. Ojalá persista en esta línea.
JUAN CASASBELLAS  ha logrado integrar un espléndido coro, que además de cantar actúa con desenvoltura y que hasta se permite sutilezas como la voz ruda de los trabajadores de la nieve en el acto 3. Y tuvo la suerte de contar con el excelente coro infantil PETITS COEURS  muy bien dirigido por ROSANA BRAVO con un gran desempeño vocal y escénico.

Y qué elenco ¡! Para empezar dos de los recién ganadores del CONCURSO ALEJANDRO CORDERO: LUIS LOAIZA ISLER  Y  MARIA BELEN RIVAROLA. El como Schaunard exhibiendo una rica voz de barítono de  generosa extensión y volumen y una impecable línea de canto, que no sorprende haya impactado al Jurado del Concurso con su excelente ejecución del aria de IL TROVATORE que es lo que una voz así de importante realmente pide. Ella con una MUSETTA  impecable vocalmente y de gran despliegue escénico. No debe haber muchas sopranos en el mundo que tengan en su repertorio simultáneamente la Mussetta de  BOHEME y la   LEONORA DE IL TROVATORE  ambas cantadas con absoluta solvencia vocal.
Walter SCHWARTZ que suele ser un puntal de todas las representaciones operísticas en el Avenida, luce aquí una bellísima voz que despliega emocionantes pianísimos en el aria VECCHIA ZIMARRA  cantada con la cuota justa de emoción, redondeando uno de los grandes momentos de la noche.
SERGIO CARLEVARIS  estuvo excelente en el doble papel de BENOIT y ALCINDORO aunque yo hubiera hecho el primero menos amanerado.
ERNESTO BAUER  es un placer irrestricto al oído con su bellamente timbrada voz, que parece estar pasando por un gran momento. Fue además un intérprete muy compenetrado con el drama logrando un momento realmente desgarrador en la escena final donde su CORAGGIO!  Fue absolutamente conmovedor.
NAZARETH AUFE  está aquí más a sus anchas que en los papeles de spinto que por fuerza de las circunstancias se ha visto obligado a cantar ( y como lamento no haber oído su Edgardo en HASTA TRILCE, ya que canceló la función a la que asistí )- Su voz esencialmente lírica si no lírico ligera se explaya con naturalidad y belleza en toda la zona aguda especialmente los pianísimos, y si bien suena absolutamente segura en el centro y grave , en esas zonas el timbre ya no es tan grato, quizás producto del esfuerzo por ensancharlos para enfrentar el repertorio atípico que ha venido cantando. Actoralmente está casi irreconocible. Ha incrementado  tremendamente su bagaje actoral y logró una versión en todo momento convincente y emocionante de su bohemio, al que algunas torpezas muy ocasionales  de desplazamiento o gesticulaciones algo descontroladas no le quedan de todo mal dada la juventud del personaje.
No tengo palabras suficientes para describir el logro total y absoluto de MONSERRAT MALDONADO  en una Mimi absolutamente soñada. Mucho más a sus anchas que en ERNANI o NORMA  papeles que seguramente serán su dieta diaria de aquí a unos 10 años, con un bello timbre oscuro, generoso volumen, pianísimos que evocan a la CABALLE acariciando más que cantando las notas, y un desempeño escénico conmovedor es imposible pensar en una Mimi más brillante. Conviene apresurarse a verla porque no creo que se  quede mucho tiempo en el país.
POR TODO LO EXPUESTO RECOMIENDO A QUIENES LEAN ESTA NOTA QUE NO DEJEN PASAR LA OPORTUNIDAD DE ASISTIR A LAS 2 REPRESENTACIONES QUE AÚN QUEDAN DE LA OBRA LOS DÍAS 17 Y 19 PRÓXIMOS.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

CRITICA CONCIERTO DEL TENOR JAVIER CAMARENA

ESPECTACULAR PRESENTACIÓN DEL TENOR JAVIER CAMARENA

Hace mucho tiempo que el Colón no brinda un Concierto de la calidad del efectuado el 27 pasado.
Llevo toda una vida en el mundo de la Opera – y son muchos años – creo que contadas veces o tal vez nunca viví una experiencia como la del mencionado Concierto.
JAVIER CAMARENA es de los mejores tenores de la actualidad y seguramente de los mejores que he visto en vivo. Es un cantante que además de su depurada técnica tiene condiciones naturales que no son para nada normales. Con él cualquier adjetivo parece quedar pequeño.
Además, su simpatía, su humildad y don de gente lo hacen sin dudas un caso único y justifica totalmente el éxito que está obteniendo en los teatros del mundo.
Con una voz de importante volumen, con un timbre más cercano a un lírico que a un lírico ligero, una extensión impresionante, soberbia línea de canto, notable facilidad para las coloraturas, es de lo más cercano a la perfección técnica que he escuchado.
Deslumbrante su apabullante línea de canto en las arias de “Romeo y Julieta” y “Pescadores de Perlas”, con fantásticos agudos en pianísimo, además de un increíble fiato.
Absolutamente esplendida su versión de “Si, ritrovarla io giuro” de la Cenerentola, con espectacular re o mi sobreagudo (estamos en discusión) interpolado a tan difícil aria. Y su cierre de la primera parte con su ya conocida magnífica versión de “La hija del Regimiento”, cantada con total facilidad. Delirio del público que colmaba la sala y no era para menos.
La segunda parte comenzó con dos espléndidas versiones de Donizetti, “Lucía” y “Don Pasquale”. Luego VERDI, una espectacular versión del aria y caballeta de “Traviata” y “La donna e mobile”.
Delirio del público asistente que aplaudió de parado la maravilla que había escuchado.
Luego llegaron tres bises, “Alma Mía”, “Granada” (delirio total del público) y “El día que me quieras”.
No menos importante para el logro de esta fantástica velada fue la intervención del MAESTRO ENRIQUE ARTURO DIEMECKE. Excelencia en todo su trabajo, con una orquesta que le respondió todo el tiempo. Magnífico acompañante y soberbia su versión de la obertura de “La Forza del Destino”. Bravo
Una noche inolvidable con un tenor fuera de serie, hay que juntar todos los adjetivos posibles para poder definirlo.
Luego de la muy buen versión de “El Caballero de la Rosa” y este súper Concierto siento que el Teatro Colón está volviendo por su gloria. Hay tratativas de traer a Camarena para una ópera el próximo año, pero no resulta fácil por su agenda.
Este Concierto fue un regalo de corazón para todos los que amamos a la Opera!

Foto: Arnaldo Colombaroli.

EXCELENTE VERSION DE “El  Caballero de la rosa”

Ópera de Richard Strauss y Hugo Von Hofmannsthal
Dirección musical: Alejo Pérez
Dirección de escena:Robert Carsen
Director repositor: Bruno Ravella
Diseño de escenografía: Paul Steinberg
Papeles principales: 
Manuela Uhl (Mariscala)
Kurt Rydl (Barón Ochs)
Jennifer Holloway (Octavio)
Oriana Favaro (Sophie)
John Hancock (Herr von Faninal)
Darío Schmunck (Cantante italiano)
En el Teatro Colón 
Viernes 21 de julio 2017

Luego de componer óperas como  Salomé (1905) y Elektra (1909), con una notable impronta de atonalidad, Strauss decidió escribir una comedia al estilo de Mozart, tal vez inspirado en “Las bodas de Fígaro” y ambientada en el siglo XVIII, basado en un argumento creado por Hugo Von Hofmannsthal, el logro final fue mucho más que una comedia simplista. El fin de una era y el tema del paso de los años convierten a esta comedia en una comedia con fuerte esencia sentimental.
Ausente de nuestro primer Coliseo en los últimos 19 años, siempre fue una favorita de nuestro público y sobre todo cuando se da en una versión de excelencia como la presentada.
Desde el punto de vista visual, no parece ser una puesta sumamente cara como para ser compartida por varios teatros. Luego de un deslumbrante y rococó primer acto, el segundo minimalista y con detalle de dudoso gusto, como el cañón, a un tercero ambientado en el siglo XIX, totalmente fuera de lo que pide Strauss, quitan coherencia a la obra como un todo. Tal vez Carsen jugó un poco con el mismo anacronismo que realizó Strauss al ambientar una historia del siglo XVII, pero estrenada en 1911… Excelente la iluminación del mismo Carsen.
La excelencia brilló desde el punto de visto musical y vocal.
El Maestro Alejo Pérez dirigió en estilo y cuidando la relación foso y escenario, teniendo siempre presente la capacidad vocal de los cantantes. La orquesta tuvo algunos momentos no muy felices, pero la versión musical en si fue muy buena.
Muy buen trabajo de ambos coros.
El elenco nunca bajó de un nivel de excelencia.
Kurt Rydl con 69 años y más de 230 presentaciones en el rol brindó un magnífico Barón Ochs. Con una voz que mantiene un interesante timbre, importante volumen y grandes condiciones de actor, fue el centro de atracción en cada una de las escenas en las que participó. Gran trabajo.
Manuela Uhl, soprano que en principio no parece la voz más adecuada para la Mariscala, ya que frecuenta Wagner y los Strauss dramáticos, fue una espléndida Mariscala. Redujo su volumen hasta hacerlo perfecto para el rol, cantó con gran línea y hermosos pianísimos. Su monólogo del final del primer acto fue absolutamente conmovedor. Ella tiene la edad, el físico y las condiciones vocales y actorales que la hacen perfecta para el rol.
Jennifer Holloway como Octavian, con una voz que fluctúa entre soprano y mezzo, realizó un fantástico trabajo. Perfecta en lo vocal, con un importante caudal de voz y un físico más que adecuado para la parte, brindó con gran habilidad la masculinidad que el rol exige. Excelente trabajo.
Oriana Favaro como Sophie, aquí en un rol mucho más adecuado a sus medios que su reciente Lucia en el Teatro Argentino, lució su grata presencia, muy desenvuelta como actriz y lució su hermoso timbre, pero por momentos fue tapada por la orquesta, sobre todo en el sector central y grave.
John Hancock fue un correcto Faninal. Darío Schmunck brindo una brillante prestación como el Tenor italiano, con notable línea de canto, refinamiento y la arrogancia necesaria para el personaje.
El resto del amplio elenco cumplió en forma satisfactoria. Para destacar, el dúo de intrigantes de Sergio Spina y María Luisa Merino, y la notable caracterización de Fernando Chalabe.
Luego de esta función, con el nivel que merece el Teatro Colón, seguirá igual?….de todas formas disfrutemos de este “Caballero” de lo mejor de la temporada y algo mas...

Dr. Alberto Leal

DER ROSENKAVALIER
TEATRO COLON
ELENCO DE EXTRAORDINARIAS

Corresponde decir de entrada de que al menos esta vez no volvió a darse el caso bastante frecuente en temporadas recientes de que el elenco “ local “ superase en nivel al del elenco importado pagado( y cobrado ) mayor generosidad y con mayor tiempo de ensayos . Y no fue así porque se hicieron bien los deberes de casa y se contrataron figuras idóneas en el campo internacional con dos expertos en sus partes como JENNIFER HOLLOWAY y sobretodo KURT RYDL a los que se sumó un muy logrado rol debut de MANUELA UHL, una descollante Mariscala.
Fue en verdad una suerte que así fuera porque el elenco local tuvo todas las cualidades necesarias como para repetir la hazaña de los elencos locales de, por citar ejemplos, CARMEN DON CARLO o MADAMA BUTTERFLY.
Tres magníficas cantantes locales tuvieron actuaciones descollantes en sus difíciles partes. CARLA FILIPCIC HOLM, una deslumbrante Mariscala, con un arrobador uso de la mezza voce y un bien dosificado sensualismo.
GUADALUPE BARRIENTOS descomunal actoralmente con una desbordante virilidad y un disfrute del juego de transformarse en mujer adoptando poses aparatosas, burlonas, amén de un deslumbrante desempeño vocal. MARINA SILVA con arrobadores y certeros pianísimos en los agudos y un sólido centro y grave de la voz que sobrepasó sin dificultades cuando requerido la espesa orquestación de STRAUSS.
Curiosamente los puntos débiles de este elenco fueron los dos únicos cantantes importados (y no lo digo por falso patriotismo sino porque fue así) JULIAN CLOSE y HECTOR GUEDES que cumplieron correctamente pero sin brillo sus respectivas partes.
El único cambio en los papeles complementarios fue el de ROCIO GIORDANO IVAN MEIER Y MARIANA REWERSKI en lugar de VICTORIA GAETA SERGIO SPINA Y MERINO RONDA en el otro elenco. Ambos dieron sólidas versiones de sus respectivas partes.
Y no puedo dejar de comentar la excelente labor en el podio de ALEJO PEREZ sin el cual la versión no hubiera alcanzado el nivel de excelencia musical que consiguió con ambos elencos.

Luis G. Baietti

LA SCALA DI SETA
DE GIOACHINO ROSSINI

LIBRETTO DE GIUSEPPE MARIA FOPPA
DIRECCION MUSICAL - CARLOS DAVID JAIMES
REGIE - CECILIA ELIAS
ESCENOGRAFIA - RODRIGO GONZALEZ CARRILLO
BUENOS AIRES LIRICA
TEATRO PICADERO

Como parte de una temporada muy atípica, y presumiblemente muy influida por la escasez de recursos financieros, BUENOS AIRES LIRICA exhumó esta raramente representada obra temprana del maestro de Pesaro, escrita cuando tenía apenas 20 años (es su quinta Opera) pero ya en plena posesión de los recursos técnicos que lo llevarían meses más tarde a producir operas de la enjundia de TANCREDI o AURELIANO EN PALMIRA.
Es una obra agradable de ver, con un argumento muy endeble, y una música de no demasiado vuelo pero muy simpática al oído, especialmente en su parte orquestal a la cual se reservan las mejores melodías.
La versión es de calidad, con una excelente dirección musical que valoriza el trabajo de un muy buen con junto orquestal, apoyado ( aquí los cantantes más bien acompañan a la orquesta, que al revés como es lo habitual en el género ) por un sólido trabajo de equipo de un elenco sin fisuras en el que se lucen las dos sopranos COSTANZA DIAZ FALU en el papel más exigido de la obra, ya que canta casi todo el tiempo y GUADUALPUE MAIORINO , el tenor SEBASTIAN RUSSO que se muestra muy a sus anchas cantando este papel de tenor ligero que parece mucho más adecuado a su voz que el repertorio que por fuerza de la circunstancias ha venido cultivando recientemente, los barítonos LUIS LOAIZA ISLER en una muy logrado composición cómica y sobretodo SERGIO CARLEVARIS en una excelente creación y un correcto pero algo sobreactuado PATRICIO OLIVERA, todos ellos bajo la dirección escénica muy inspirada y de buen gusto de CECILIA ELIAS.
La sala del TEATRO PICADERO, felizmente recuperada de las ruinas a las que la redujo un famoso atentado, tiene una muy activa programación que deja disponibles sólo las noches de los lunes para este espectáculo, del cual se celebrarán varias funciones más. Parecería ser a priori por sus dimensiones el ámbito ideal para una obra menor como esta, pero tiene el problema insoluble de la falta de foso orquestal, que aquí llevó a la solución heroica de sacrificar más de la mitad del escenario para ubicar a la reducida orquesta, reservando para los cantantes sólo uno de los extremos del mismo. Esto que fue soslayado con gran habilidad por la regie, tuvo la desfavorable consecuencia de hace que más o menos un 25% de las localidades, ubicadas en el costado derecho de la sala, tengan una muy limitada visión y audición de la obra, que hubieran justificado una advertencia previa a quienes adquiriesen tales localidades y hasta un precio sustancialmente menor.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

JULIO CESAR
DE GEORG FRIEDRICH HÄNDEL

LIBRETTO DE NICOLA FRANCISCO HAYM
BASADO EN UN LIBRETTO ORIGINAL DE GIACOMO BUSSANI

DIRECCIÓN MUSICAL –MARTIN HASELBÖCK
DIRECCIÓN ESCÉNICA- PABLO MARITANO
ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN –ENRIQUE BORDOLINI
VESTUARIO – SOFIA DI NUNCIO
COREOGRAFÍA- CARLOS TRUNSKY
OERQUESTA ESTABLE DEL TEATRO
TEATRO COLON

Estrenada en 1724 en Londres, Giulio Cesare fue un inmediato suceso de público. Impactaron entonces como ahora la nobleza y belleza de su orquestación y de sus partes cantadas y la fuerza dramática del texto.
Sin embargo la opera, como todas las otras operas serias del autor cayó en el olvido durante todo el siglo19 y buen aparte del 20 hasta que algunos estudiosos  la reflotaron y comenzó a representarse con creciente frecuencia, siendo hoy la más representada de las operas del autor y del período.
La mayor dificultad para representarla ha derivado del hecho de que tres de sus papeles fueron compuestos para ser cantados por castrados, que obviamente no existen más en el mundo contemporáneo, probándose varias salidas desde la sustitución por mezzosopranos y contraltos o algunas más arriesgadas  que hicieron de Julio Cesar un barítono. Este problema ha sido superado desde la aparición en abundancia de contratenores que asumieron con bastante aproximación al original los papeles atribuidos a los castrati.
El Teatro Colón ha reunido para esta reposición un elenco de primera como difícilmente volveremos a ver en el resto de la temporada.
En primer lugar el excelente director musical austríaco MARTIN HASELBÖCK que presentó una versión admirable, plena de sutilezas con una actuación formidable de la Orquesta del Colón, en una auténtica tarde de gloria.
El argentino FRANCO FAGIOLI, con justicia considerado uno de los mayores contratenores del momento  cantando en los mejores Teatros del mundo, dio una verdadera clase de estilo, abrumando con su extensa voz, el prodigio de su técnica  y su fuerza expresiva en una actuación memorable. Una agradable sorpresa la soprano norteamericana AMANDA MAJESKI con una de las más luminosas voces de soprano lírica que se han oído en este escenario, y con una técnica vocal impecable que le permitió descollar en la ornamentación.
Su aria final del segundo acto fue uno de los grandes momentos de la tarde.
El Contratenor JAKE ARDITTI deslumbró con su bellísimo timbre vocal, manejado con una espectacular técnica y puesto al servicio de una apasionada interpretación con momentos de gran impacto dramático.
No menos brillante e impactante dramáticamente hablando la poderosa interpretación de ADRIANA MATRANGELO- Junto con Arditti protagonizaron al final del primer acto un dúo que fue uno de los grandes momentos de la opera y de la Temporada.
HERNAN ITURRALDE impecable como siempre, mostró total adecuación al estilo musical de la obra y una interpretación sobria y poderosa a la vez.
MARIANO GLADIC lució su bonito timbre vocal y su estampa en el papel más breve y menos comprometido de la obra.
FLAVIO OLIVER, estupendo contratenor y MARTIN ORO lucieron impecable técnica y estilo, si bien interpretativamente fueron bastante perjudicados por la concepción escénica.
Julio Cesar no es una Opera fácil de representar, con sus 4,30 horas de duración y su estilo que bien poco se adapta a la personalidad del público de estos días, que no soportaría por ejemplo una representación integral de MACBETH de SHAKESPEARE  o alguno de los otros grandes textos clásicos porque está habituado principalmente por la TV a espectáculos más agiles, de más rápida resolución.
Por otra parte el estilo mismo de la obra, donde la acción avanza durante los recitativos y se detiene en las arias, algunas de las cuales no demasiado conectadas con el hilo argumental, y las arias en sí mismas que usualmente se limitan a una breve frase repetida ad inifinitum, no ayuda y puede producir tedio por su estatismo.
PABLO MARITANO se propuso precisamente evitar este tedio y haciendo uso de todos sus conocimientos teatrales que no son pocos, montó una suerte de comedia musical moderna en tono de farsa que solo en muy contadas ocasiones dejó paso al drama.
Hubo así los clásicos soldados en uniforme de batalla (que parecen obligatorios en las Régies modernas, porque están en todas) camareras (no todas mujeres) en ropas menores y hasta desnudándose casi por completo en escena  y un contratenor que sale de la bañera en ropas menores luciendo un torso atlético, y algo más..
Debo confesar que a diferencia de lo que me ocurrió las otras 3 veces que vi la obra en otros montajes no  tuve un solo momento de aburrimiento, y que reí casi constantemente con las ocurrencias festivas de la puesta ejecutadas con entusiasmo por el elenco. Y el público pareció adorarlo también, por lo que sería ser un amargado decir que esto poco tuvo que ver con Händel.

Luis Baietti

NORMA

OPERA DE VINCENZO BELLINI CON LIBRETTO DE FELIPE ROMANI, INSPIRADO EN UNA OBRA DE SOUMET Y BELMONTET
DIRECCION MUSICAL: HERNAN SANCHEZ ARTEAGA
DIRECCION ESCENICA: FEDERICA SANGUINETTI
ESCENOIGRAFIA: MARCELO SALVIOLI
ILUMINACION: RUBEN CONDE
JUVENTUS LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA

Pocos Teatros Públicos o Privados se animan a abrir una Temporada con “Norma” y que el título siguiente sea “Turandot”. Sorprendió Juventus Lírica cuando anunció su temporada, sobre todo con la carencia de Bel- canto y títulos tradicionales de opera italiana que presenta el Teatro Colón en los últimos años. Además, Juventus siempre se ha caracterizado por darles lugar a jóvenes cantantes y ambos títulos son de extrema dificultad.
Sin embargo logró salvar este primer paso con buen nivel y solo esperamos que se repita o mejore en el próximo “Turandot”.
Monserrat Maldonado (soprano paraguaya, siendo esta la tercera ópera que canta), brindo una notable “Norma”. Luego de un dubitativo “Casta Diva” fue creciendo con el correr de la función mostrando una voz de hermoso timbre, gran facilidad para matizar, pianísimos espléndidos acompañados por un poco habitual fiato, notable temperamento y condiciones de actriz. Tal vez una voz con algo más de cuerpo hubiera enriquecido su versión, pero como debutante en el rol y con su poca experiencia su trabajo fue sobresaliente.
Darío Sayegh como Pollione mejoró el nivel de sus últimas presentaciones, creíble como actor, solamente es de lamentar la presión que ejerce en las notas agudas. Su voz mantiene un bello timbre de tenor spinto y no tuvo problemas de afinación como le escuchamos en los últimos tiempos. Sería excelente que trate de superar los problemas técnicos, ya que su material lo amerita.
Nidia Palacios, a quien vi, en el mismo rol hace ya muchos años en la Opera de Kassel, sigue mostrando una voz de hermoso timbre, excelente línea de canto, su sector grave es más notable ahora y continúan brillantes sus coloraturas. Su voz ensambla muy bien con la de Maldonado, brindando dos excelentes dúos.
Carlos Esquivel, a quien le hemos visto notables funciones no estaba bien de voz y no creo justo hacer comentarios.
Muy buena Clotilde por parte de Maria Goso y correcto el resto del elenco.
El Maestro Sánchez Arteaga brindó una excelente versión, la orquesta rindió en forma impecable. Solo fue notable lo vertiginoso de sus tiempos en el comienzo de la obra, pero se fueron adecuando con el correr de la misma. Fue notable el equilibrio entre foso y orquesta, nunca la orquesta tapó a los cantantes. De la misma forma fue notable el desempeño del Coro masculino.
Sobre la dirección escénica de Florencia Sanguinetti se puede hablar horas o no decir NADA…..Con independencia del gusto personal fue un trabajo totalmente fallido. No se tuvo en cuenta facilitarles nada a los cantantes, con una escenografía donde tenían que hacer equilibrio. Algo básico en un regisseur, poner a una bailarina, distrayendo la escena, mientras el tenor canta su aria, un vestuario imposible de entender, etc, etc. Tampoco ayudó la iluminación, dejando, por momentos, totalmente a oscuras a los principales cantantes. Pero creo que su peor defecto fue el final, donde fuera de todo efecto, solo una leve luz roja anuncia el drama, quitándole toda la fuerza al mismo. Solo se puede anotar como algo a su favor la precisa marcación actoral.
Pero “Norma” puede resistir esto y mucho más. Por su maravillosa música, por la belleza de las partes cantadas, es un placer, aunque sea solo escucharla.
Felicito a Juventus por animarse y lograr, desde lo musical, una muy buena función.

Dr. Alberto Leal

EL BARBERO DE SEVILLA

OPERA DE GIOACHINO ROSSINI
LIBRETTO DE CESARE STERBINI BASADO EN LA OBRA TEATRAL DE BEAUMARCHAIS
DIRECCION MUSICAL JAVIER MAS
DIRECCION ESCENICA GONZALO BERDES
MONTAJE ESCENICO NICOLAS ARANIZ
VESTUARIO MIGUEL ALEJANDRO FLORES
ENSEMBLE LIRICO ORQUESTAL EN EL PALACIO LA ARGENTINA

Pocas veces Luis y yo coincidimos en la misma función, dado que en general procuramos turnarnos para poder cubrir los dos repartos cuando existen. En esta oportunidad como los dos teníamos sumo interés en ver el espectáculo fuimos a la misma función y como tanto en el intervalo como en el final de la función pudimos constatar que , tal como nos viene ocurriendo desde antes inclusive de conocernos y de trabajar juntos, coincidimos en un 99% en la opinión sobre lo que hemos visto, he decidido que tal como hiciéramos con otro espectáculo hace unos meses escribiéramos la crítica entre los dos , razón por la cual nuestras firmas aparecen al pie de la página en forma con junta.

ALBERTO LEAL.

El ENSEMBLE LIRICO ORQUESTAL sufrió un duro golpe cuando a principios de este año y con la programación ya diagramada recibió la noticia de que el AUDITORIO DE BELGRANO que era su sede estable in pectore no presentaría más espectáculos líricos dedicándose a otros géneros musicales. Como son gente de dar lucha y tienen un firme propósito de continuar con su tarea decidieron enfrentar el problema dando un paso adelante en su campaña por divulgar la Opera y es así que este año proyectan y presentar los títulos de su programación no sólo en la Capital sino también en algunos Teatros de la Provincia, donde para su sorpresa han encontrado algunos Teatros bellísimos y sub utilizados, como por ejemplo el COLISEO DE LOMAS DE ZAMORA
En el caso de la Capital es indisimulable que no hay una sala del porte del Auditorio que pueda recibir este tipo de espectáculos, pero han encontrado una solución muy interesante reflotando el TEATRO del PALACIO ARGENTINA, una sala que es en sí un espectáculo arquitectónico digno de ser visto, y en una ubicación estratégica en pleno centro de la ciudad (RIOBAMBA Y CORRIENTES, a una cuadra de CALLAO Y CORRIENTES). Construida para ser sede de conciertos de cámara tiene una acústica envidiable y si bien no tiene foso orquestal (tampoco lo tenía el Auditorio) como el escenario es alto, se puede ubicar la orquesta a nivel de la platea suprimiendo las primeras filas sin perjudicar la visual de los espectadores. Por ahora las principales limitaciones son los recursos técnicos, escenográficos y el tamaño del escenario en sí, factores que pueden ir mejorando si la CIA. Se afianza en el lugar, porque los propietarios de la sala quieren tornarla un lugar activo para todo tipo de espectáculos teatrales hablados y cantados y hasta podrían realizar obras de arquitectura para ampliar el tamaño del escenario, que en este momento es comparable al del TEATRO ROMA.
Los desafíos existen también como oportunidad para demostrar talento y el primer elogio de la noche corresponde al inteligente director teatral que supo obviar las limitaciones de la sala y por momentos hasta usarlas en propio beneficio, marcando una acción envolvente donde nunca se sabe por dónde van a entrar o salir los cantantes y el coro, o donde uno de los cantantes puede en algún momento cantar abrazado al director de orquesta, con gran efecto cómico.
El diseño de los movimientos de los actores por otra parte fue impecable y sirvió ampliamente a las exigencias de la obra, que es una obra jocosa es verdad, pero teñida de romanticismo en diversas escenas. Contó para ello con un elenco donde todos resultaron muy buenos actores, lo cual no puede ser casual y es más bien evidencia de que tuvieron toda la orientación y la provocación requeridas para dar el máximo de sí mismos.
La dirección musical por su parte fue descollante. Ya desde el preludio se notó que íbamos a escuchar una gran versión con el sonido equilibrado de los instrumentos y la delicadeza del fraseo orquestal, fundamentalmente de las cuerdas digno de orquestas de otro porte y nivel.
La preparación musical de los cantantes y del coro fue impecable. No hubo ni zozobras ni incertezas aún cuando en muchos momentos se requiere a los cantantes cantar a espaldas del director, o en plena sala rodeados de los espectadores.. Y pese a ello no se notó una sola vacilación, una sola entrada a destiempo. Todo lo cual habla de una preparación de nivel absoluto de seriedad.
En el elenco hay que comenzar por elogiar a la soprano NATALIA QUIROGA ROMERO, una Rosina que podría lucirse en cualquier escenario del mundo. Tiene una voz de timbre oscuro de absoluta belleza, dotada de un volumen importante, con facilidad para remontarse a la estratósfera aguda , colocando deslumbrantes stacatti, pero además dotada de un inusual registro grave, que está anunciando la futura soprano lirica o dramática de agilidad que con certeza llegará a ser.
Cerrando los ojos ya podemos imaginarla cantando papeles de más peso dramático y vocal como inmediatamente LUCIA y a medio plazo ANNA BOLENA. Natalia hace tiempo que viene haciéndose notar, habiendo cantado una excelente Gilda y una impactante Violetta, siempre en el off. Llama la atención y habla mal de los programadores de los Teatros oficiales que aún no la hayan descubierto, especialmente cuando no existen tantas candidatas para su repertorio con dotes tan importantes. Seguro que pronto estará cantando algún papel importante en Rosario donde parecen tener el olfato más afinado que en Buenos Aires, como lo hicieron con Livieri en Traviata y ahora con Maldonado en Boheme. Es además muy buena actriz y por si fuera poco una mujer bonita, que hizo muy buena pareja con su tenor del día que también tiene lo suyo en el rubro estético visual.
MATIAS TOMASETTO fue un Almaviva impecable, con una bellísima voz lírica, buena resolución de la coloratura, agudos seguros y fáciles, al que le falta para alcanzar la perfección lograr una mayor uniformidad del color vocal entre el centro y el agudo. Es además un comediante consumado que divirtió en todas las escenas cómicas pero supo también proyectar con intensidad el romanticismo de su hombre enamorado. Es además un atleta, lo cual fue puesto a prueba por la regie que en una escena le exigió saltar, colocarse de pies para arriba apoyado en las manos y permanecer varios minutos en la posición, con gran efecto cómico.
LUCIANO MIOTTO cantaba Fígaro por primera vez en su carrera de 20 años cantando este repertorio de Rossini y Donizetti principalmente. Sorprendió su voz de un volumen, una firmeza y una amplitud en el registro agudo que no habíamos sospechado en sus actuaciones anteriores orientadas al repertorio del bajo buffo. Aquí sonó como un muy respetable barítono, totalmente en control de la difícil parte del Fígaro que es bastante exigente con el registro agudo, y volvió mucho más explicable que haya sido elegido para cubrir las funciones de LUCIA en el TEATRO ARGENTINO, que está actualmente ensayando, convirtiéndolo además en el futuro inmediato a candidato viable para toda una serie de roles que no pensábamos pudiese aspirar a cantar.. En lo actoral, siempre muy desenvuelto en escena, diríamos que pagó tributo a los años cantando papeles bufos, excediéndose notoriamente en la vis cómica. A medida que se vaya habituando a su nuevo personaje le irá agregando las dosis necesarias de sobriedad que seguramente enriquecerán su labor. No lo ayudó por cierto una espantosa peluca que no debieron colocarle.
LEONARDO BONNA fue un efectivo Dr. Bartolo, más en el segundo acto que en el primero, donde se notó mucho el esfuerzo escénico y vocal por dar la edad del personaje , especialmente en el aria A UN DOTTOR…que no produjo el impacto habitual.
GUSTAVO VITA es un fantástico actor, con un intencionado decir tanto en los recitativos como en el canto. Vocalmente impecable pareció en el primer acto ser más un bajo barítono que el bajo que pide la parte, con sus notas agudas muy claras. Pero en el segundo acto produjo impacto colocando un par de graves no previstos por la partitura en SONO GIALLO COME UN MORTO, llevándonos a la conclusión de que se trata realmente de un bajo muy bien dotado vocalmente, que por razones de su edad no ha producido todavía el color oscuro que estamos habituados a oír en la parte.
Notable, un lujo vocal y escénico, con una voz sorprendentemente importante MILAGROS SEIJO como Berta.
Muy buen Fiorello de ROBERT WOHMANN
ES EN SUMA UNA VERSION MUY DISFRUTABLE QUE NO ES RECOMENDABLE PERDERSE. LAS PROXIMAS FUNCIOENS TODAS EN DOMINGOS SERAN LOS DIAS 21 Y 28 DE MAYO Y 4 DE JUNIO

ALBERTO LEAL
LUIS G BAIETTI

DAS LIEBESVERBOT, DE RICHARD WAGNER, CON LIBRETO DEL AUTOR.

DIRECCIÓN MUSICAL OLIVER VON DOHNANYI
DIRECCION ESCENICA – KASPER HOTTEN REPUESTA POR BARBARA LLUCH
ESCENEGROFIA Y VESTUARIO – STEFFEN AARFING
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO COLON

Hay un raro paralelismo entre los dos mayores autores de Opera Clásica, dos grandes genios que comenzaron sus carreras experimentando con la comedia, luego se concentraron y maduraron produciendo grandes textos dramáticos y al final de sus carreras volvieron nuevamente a la comedia produciendo dos obras maestras consagradas por la crítica pero que nunca acabaron de caer totalmente en el gusto de los públicos, que siguieron aferrándose a sus dramas.
Wagner compuso DAS LIEBESVERBOT a los 21/23 años y es su tercera tentativa de producción escénica. Es obvio que no se podía esperar que se tratara de una obra maestra o un prodigio de madurez. Peo es un claro anticipo de lo que será el genio del autor que nos legará con el correr del tiempo varios de los títulos más notables de la historia de la opera
Es un título atípico en su producción, no sólo por tratarse de una comedia sino por el estilo netamente italiano adoptado, un estilo que se emparenta con el de los grandes maestros italianos que a la sazón eran el furor de los públicos de opera: Bellini, Donizetti Rossini (y yo diría que por ejemplo el final del primer acto se asemeja tanto a los finales de Rossini, que está al borde del plagio)
Trabajando dentro de eta modalidad, Wagner evidencia una gran creatividad melódica que anticipa sus logros posteriores, y una tendencia que luego ratificará a valorizar mucho el acompañamiento orquestal.
La obra , que puede leerse en una clave revolucionaria ( y muchos lo han hecho ) en la medida en que ataca la hipocresía de las costumbres sexuales de la época, no va muy hondo en este camino y funciona como un mero divertimento que se torna agradable por la riqueza melódica.
Creo que el Colón hizo muy bien en presentarnos este texto que nos permite conocer los primeros pasos en la carrera creativa de un gran genio, al par que tomar contacto con una obra que si bien está lejos de ser una obra maestra es una obra que se ve con agrado y que si bien no es mejor tampoco es tan inferior a otras obras de este estilo que se representan con cierta frecuencia.
Lo que es menos elogiable es que sea esta la única ópera de Wagner que veremos este año, continuando con la dieta espartana a que estamos sometidos en la materia y que ha hecho que varios de los mejores títulos del autor haga siglos que no se representan.
Con total lógica, dado que es una Opera que con certezas no será repetida en el futuro próximo, el Teatro se ahorró los costos de crear una puesta propia que después iría a parar a algún depósito de objetos olvidados, y haya recurrido a una puesta del TEATRO REAL DE MADRID.
El vestuario es muy bueno, manteniendo una clara ambigüedad de época que le cae bien a la concepción escénica, y la escenografía si bien pobre y no demasiado agradable a la vista, es funcional y permite la representación sin hiatos de las diversas escenas, manteniendo el ritmo teatral.
La concepción actoral fue adecuadamente leve y divertida, jugando con los anacronismos (el uso constante de los celulares) y tuvo dos puntos altos en la obertura ilustrada con un telón de boca con el retrato de Wagner que gesticula reaccionado a la música, y en la escena del carnaval magníficamente interpretada con el concurso del cuerpo de baile masculino en una divertida y ágil coreografía.
En el elenco un arrasador triunfo de la soprano noruega LISE DAVIDSEN una soprano lírico-dramática que ha estado inclusive cantando partes de mezzo, poseedora de un timbre vocal de absoluta belleza, un volumen vocal importante y una gran extensión. Es además una muy buena actriz y una bella mujer. Hemos tenido el honor de verla en el albor de lo que con certeza será una gran carrera internacional y ojalá que las autoridades del Colón hayan tenido la inteligencia da aprovechar su presencia en el país para asegurarse su regreso en la próxima temporada antes de que la fama la torne inalcanzable para nuestro presupuesto. Quedé soñando en oírla como SENTA, ELISABETH, ELSA y otros papeles de su cuerda.
A su lado un siempre estupendo HERNAN ITURRALDE logra una gran composición de su antihéroe Friedrich, el personaje más complejo de la obra, servido además con una excelente línea de canto y un magnífico, delicado y sensible CARLOS ULLAN como el primer libertino que cae bajo el peso de la ley del gobernante. Deliciosa MARISU PAVON como Mariana con un alto punto en el aria de la escena final donde despliega bellos pianísimos.
Me parecieron correctos MARIA HINOJOSA, PETER LODAHL Y CHRISTIAN HUBNER pero a mi entender ninguno de los 3 justificó su contratación postergando a cantantes locales con méritos similares. Y fueron muy correctas las actuaciones de SERGIO SPINA, FERNANDO CHALABE, NORBERTO MARCOS, EMILIANO BULACIOS.
Al frente de todo, la estupenda batuta de OLIVER VON DOHNANYI que nos retrotrae a la época en que frecuentaban las temporadas del Colón los más grandes directores en actividad, alrededor de los cuales se centraba toda la concepción del espectáculo…
Registro que en la única función extraordinaria , a la cual infelizmente no pude ir los papeles principales fueron cantados por JACQUELINE LIVIERI (Davidsen ), GUSTAVO GIBERT (Iturralde ), IVAN MAIER ( Ullan ), PABLO POLLITZER (Lodahl ), MONICA FERRACANI ( Hinojosa )acerca de cuyas interpretaciones escuché muy buenas opiniones de gente calificada para opinar.

Luis Baietti

TEATRO EL CÍRCULO DE ROSARIO
SUOR ANGELICA- I PAGLIACCI

DIRECCION MUSICAL –CARLOS VIEU
DIRECCION ESCENICA – RUBEN MARTINEZ
CORO DE LA OPERA DE ROSARIO
ORQUESTA SINFONICA PROVINCIAL DE ROSARIO
MARTES 11-4-17

Pocos teatros de nuestro medio tienen la cualidad, demostrada en estos últimos años por el Teatro El Circulo, de generar excelentes funciones eligiendo títulos convocantes, y lo más importante, los artistas más idóneos para cada tarea. Sería importante que otros teatros de nuestro país tomen su ejemplo. Artistas de primer nivel que en el Teatro Colón son generalmente marginados a segundos elencos, resultando la mayoría de veces mejor que el primero, ya que los elementos importados son de un nivel notablemente inferior. Seguramente existe una causa pero prefiero no saberlo….ni imaginarlo.
En esta ocasión se presentó un doble programa, no habitual, Suor Angélica y I Pagliacci. Dos obras de hondo dramatismo que funcionaron muy bien juntas.
La dirección musical corrió por cuenta del Maestro Carlos Vieu, en lo personal el mejor director de la actualidad radicado en nuestro país. Brindó dos vibrantes versiones, totalmente en estilo y con los tiempos adecuados. Fue correctamente complementado por la orquesta, con algunos titubeos en Sour Angélica pero, tanto Director como Orquesta se sintieron a sus anchas en I Pagliacci.
Estrella indiscutida de la doble velada fue el tenor Enrique Folger. Su voz se ha tornado más oscura, su volumen imponente en un Teatro como el Círculo, cantó con total seguridad, actuó como el más experimentado de los actores. Pocos tenores en el mundo pueden brindar un Canio con la belleza de su voz, su línea de canto y su notable temperamento. BRAVO! Y más que merecida la ovación que recibió. Sigo preguntándome porque un cantante de sus quilates sigue en nuestro país cuando los tenores que son contratados por el Colón no llegan ni de lejos a su nivel y que cubre además un repertorio de Wagner a Puccini, siempre con la misma excelencia.
Más que una grata sorpresa fue la Sour Angélica de Paula Almenares. Es evidente que la soprano está volcándose a roles más pesados y creo que es el momento justo. Más que gratamente impresionado quedé con su excelente Sour Angélica. Su voz, ahora más oscura, con libertad total en toda su extensión, notables graves en la primera parte de la obra y contundentes agudos en el final, proyectó una genuina y fuerte emoción. Y como siempre una modélica línea de canto. Un excelente trabajo. Difícil de entender que no figure en la temporada del Colón ni del Argentino.
No logró mantener el mismo nivel en la Nedda de I Pagliacci. Su voz sonó cansada, con menos peso. Siempre fue correcta en lo vocal y actuó con el desenfado necesario, pero distó de llegar al notable nivel de Suor Angélica. Y es casi lógico que luego de su entrega en el primer título, tanto vocal como emotiva, fuera muy difícil mantener un nivel similar.
Leonardo López Linares, volvió a mostrar su hermosa voz de barítono, su impecable línea de canto y sus grandes adelantos con actor. Gran trabajo.
Anabella Carnevali, mostró el habitual terciopelo de su timbre, su impactante volumen, pero no me cerró como personaje. Tal vez no fue favorecida por su espléndida figura y el excelente vestuario, en gamas de verdes, que la aleja de la imagen de la edad y la época de La Zia Principessa. Algo más de maldad era absolutamente requerida. Siempre será un placer verla y escucharla pero creo que tiene que trabajar más su personaje, por momentos ausente de la escena, aquí no se si se debió a la marcación del Director de Escena. Pero su voz y su temperamento reclaman importantes roles en nuestro querido Colón.
Ismael Barrile brindó un correcto Silvio, bien actuado y correctamente cantado.
Marcela Novero y Graciela Mozzoni se lucieron en el grupo de hermanas.
Daniel Gómez López – como Beppe – lució una línea de canto errática, buen actor, pero necesita trabajar más en lo vocal. Sus respiraciones constantes cortando las frases no fueron realmente agradables.
Correcto el amplio elenco de hermanas en Suor Angélica y buen trabajo de ambos coros.
Notable el vestuario de Ramiro Sorrequieta y Liza Tanoni, salvo el espléndido vestido de la Zia Principessa, hermoso de ver pero fuera de contexto.
Simple pero efectiva la escenografía de Jorge A. Fernández.
Debo confesar que luego de ver su “Barbero” en el Argentino de La Plata no tenía confianza en la puesta de Rubén Martinez. Pero fue un error. Aquí siguió con total fidelidad el argumento de ambas óperas, con dos pequeños y acertados guiños en ambos finales. Volvió a la versión original restituyendo al barítono la frase “LA COMMEDIA E FINITA” y un inesperado final en Suor Angélica. Un trabajo de excelencia, con muy buena marcación de los cantantes y un notable fluir de ambos dramas. Bravo. Y espero sea considerado para otras puestas.
En suma, una excelente versión de este doble programa que solo es de lamentar que haya podido ser vista solamente en Rosario.
Felicitaciones a todas los que fueron parte de esta lograda jornada lírica.

Dr. Alberto Leal

LA ARLESIANA

OPERA DE FRANCESCO CILEA – LIBRETTO DE B ASADO EN LA OBRA HOMONIMA DE ALPHONSE DAUDET, POR SU VEZ BASADA EN UN CUENTO DEL MISMO AUTOR.
DIRECCIÓN MUSICAL: Jorge Lhez
DIRECCIÓN ESCENICA: Boris
ESCENOGRAFÍA: Zacaria Gianni
VESTUARIO: Maria Vucetich
LUCES: Oscar Morali
MAQUILLAJE: Amalia Repetto
ORQUESTA SINFONICA MUNICIPAL DE AVELLANEDA 
CORO DEL INSTITUTO DE MUSICA DE AVELLANEDA
TEATRO ROMA –AVELLANEDA

LA ARLESIANA fue estrenada en Milán en 1897 con Caruso como protagonista masculino y luego reestrenada en 1898 1910 y 1937 (esta vez con un preludio incorporado)
Fue la tercera obra de CILEA, 5 años anteriores a ADRIANA LECOUVREUR, que tenía a la sazón 31 años y que habría de retirarse de la actividad de compositor poco tiempo después a los 41 años, 40 años antes de su fallecimiento en 1950.
Mucho tiene que haber tenido que ver con esta decisión de llamarse a silencio mantenida hasta el final de su vida, el fracaso rotundo de su quinta y última Opera GLORIA pese a haber contado con la dirección de ARTURO TOSCANINI.
Cilea no ha sido un compositor de suceso. Sólo ADRIANA lo ha conocido, y aun así no es de las óperas más representadas del repertorio y a menudo lo es porque es un excelente vehículo para una diva por las características dramáticas del personaje título pero también por las características vocales que se adecuan a una soprano que ha comenzado a no tener la extensión vocal de antaño, pero que continúa soberana en línea de canto y posee los pianísimos que son absolutamente imprescindibles para encararlo con suceso.
En cuanto a LA ARLESIANA en primer lugar nunca llegó a ser representada en BUENOS AIRES por lo que estas presentaciones en el ROMA constituyen el estreno nacional de la Opera. Hubo un intento de representarla en 1957 pero naufragó cuando un conflicto gremial interrumpió la temporada del Teatro Colón. Hay que reconocerle entonces a Boris la iniciativa de acercarnos a ese título desconocido para todos los espectadores y poder apreciarlo, eligiendo además la fecha con gran sentido de la oportunidad ya que en estos días se estuvo representando en el Colón la obra más conocida del Maestro, ADRIANA LECOUVREEUR.
A la ARLESIANA se la conoce fundamentalmente por la grabación en Long play de FERRUCCIO TAGLIAVINI Y PIA TASSINARI y por la popularidad de sus dos arias E LA SOLITA STORIA Y ESSER MADRE E UN INFERNO que con frecuencia aparecen en los recitales y hasta en los concursos. Pero LA ARLESIANA es mucho más que eso y diría inclusive que las dos arias no son representativas del resto de la Opera, ya que prima en ellas una sutileza expresiva que no se hace presente en las restantes escenas, o por lo menos no en todas.
La música de LA ARLESIANA es violenta, intensa, por momentos brutal y se apoya en una vibrante, intensa orquestación que en muchos momentos se transforma en un desafío para quienes están en el palco escénico y deben traspasar ese muro sonoro para llegar al público.
Es por eso que LA ARLESIANA sólo funciona con un elenco de grandes voces, y aquí radica el segundo gran mérito de B ORIS que es el de haber seleccionado un elenco solista a la altura de las dificultades, por lo menos para una sala y una orquesta de las dimensiones aquí utilizadas.
Gran trabajo de MARIA LUJAN MIRABELLI en el difícil papel de la mezzo. Dramáticamente jugada y poniendo en escena todo lo que tiene hasta transformarse por momentos en un verdadero vocal expresivo, hizo a un lado toda cautela, cantó a viva voz apoyando los graves con gran efecto auditivo y dramático y emitiendo a viva voz las notas agudas despreocupándose por una vez de controlar la tendencia a la tirantez en el extremo agudo propia de las mezzos dramáticas como ella. Colocó además seductores pianísimos, luciendo particularmente el registro del centro-agudo que es la zona donde la cantante posee un timbre más grato al oído.
A su lado PAUL GONZALEZ en una excelente actuación lució una importante voz de barítono con un generoso volumen y buena extensión, amén de una buena interpretación actoral en un papel que es algo menos complicado que los otros papeles principales por sufrir una evolución dramática menor a la de ellos.
LAURA POLVERINI, que continúa luciendo y sonando como una jovencita como si el tiempo no pasara para ella (hay quien la acusa de haber firmado el pacto de Fausto) estuvo deliciosa como la jovencita enamorada, y vocalmente sacó a lucir el nuevo peso que ha adquirido su voz especialmente en la zona central, imponiéndose en los conjuntos y la clásica seguridad de su registro agudo, utilizado con gran ventaja en los finales de los concertantes. Otra gran actuación.
MARIANO GLADIC volvió a impactar con su bellamente timbrado registro baritonal, exhibiendo además un importante volumen vocal y una intensa actuación actoral en el papel siempre gratificante del malo de la historia, que el cantante dibujó con verdadera fruición. Un par de agudos algo exigidos no afearon este logro.
GERMAN POLON lució una voz interesante en las pocas líneas que sobre el final canta.
Lo de NAZARETH AUFE es cercano a la heroicidad. Poseedor de una generosa voz de tenor lírico ha venido encarando con frecuencia estos papeles que exigen por momentos claramente un spinto y los ha encarado con coraje, entereza y determinación obteniendo un resultado en general mucho más que satisfactorio en el muy exigido registro agudo y luciéndose ampliamente en el resto, como durante el aria E LA SOLITA STORIA DEL PASTOR cantada con gran belleza y emotividad, justificando de antemano la sonora ovación conque fue premiada. Como actor Aufe tiene sus limitaciones (recuerda por momentos al LOPEZ MANZITTI de los años iniciales de su carrera) y no fue muy favorecido por el vestuario que debió tener más en cuenta sus características personales, pero logró una actuación que nunca bajó de lo acertado y en muchos momentos alcanzó lo brillante.
BORIS por una vez se dedicó a servir al libretto que tenía delante en lugar de reescribirlo y mostró todo lo buen director que podría ser si persistiera en esta línea. Logró un gran trabajo en la dirección actoral tanto del coro como de los solistas, algunos de los cuales llegaron a cumbres expresivas en relación a sus propias carreras.
Contó con una buena escenografía, todo un lujo para el Roma, que supo entre otras cosas utilizar inteligentemente la pared posterior de ladrillo de la sala.
Gran trabajo de JORGE LHEZ que muy apropiadamente dejó de lado toda cautela sonora e impulsó a su orquesta a ejecutar la partitura a sangre y fuego seguro de contar en escena con buenas voces capaces de proyectarse más allá de esta barrera sonora.
Razonable desempeño del coro (me parecieron dudosas de afinación algunas notas agudas del coro femenino) y muy buena actuación de la orquesta.
En suma una excelente oportunidad de conocer este texto muy poco representado, en una versión que lo valoriza.

Luis Baietti

UN NÚMERO LIMITADÍSMO de LA CORTE DE FARAON

“OPERETA BIBLICA “DE VICENTE LLEÓ CON LIBRETTO DE GUILLERMO PERRIN Y MIGUEL DE PALACIOS

CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATGA
DIRECCION MUSICAL –EZEQUIEL FAUTARIO
DCIRECION DEL CORO HERNAN SANCHEZ DE ARTEAGA
DIRECCION ESCENICA Y ADAPTACION CARLOS IAQUINTA
ESCENOGRAFIA E ILUMINACION RAUL BONGIORNO
VESTUARIO- FERNANDO FERRIGNO
COREOGRAFIA SIBILA MIATELLO
TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA EN EL COLISEO PODESTA

Parece mentira que un texto que ya anda por los 107 años de edad exhiba tamaña frescura y, convenientemente remozado en algunos parlamentos incorporando referencias a la vida actual, continúe provocando hilaridad.
La base, claro está, continúa siendo el bello drama de Verdi en Egipto, tomado muy para la chacota por los libretistas. Baste decir que el Radamés de esta obra, que comienza por llamarse PUTIFAR, un nombre que de por sí se las trae, regresa de su triunfal campaña con una amputación muy íntima y muy lesiva para su honor viril que sólo sus asistentes conocen. Ajeno a su tragedia privada, el Faraón le ha reservado como premio una virgen de opulentas formas y muy dispuesta por cierto a dejar de serlo, para que la tome en matrimonio. La noche de bodas se torna interminable con el héroe dando largas al asunto para evitar ponerse en evidencia, contando su hazañas para progresivo aburrimiento y enojo de su cada vez más ansiosa esposa, y parte al alba para nuevas maniobras. Esta procura entonces aplacar sus deseos con un apuesto y joven esclavo judío que su marido le ha regalado y que ella y su confidente han visto accidentalmente desnudo mientras huía, y que por cierto no padece para nada de las limitaciones de armamento de que sufre el General. Pero no existe la dicha completa. El joven es tan casto como ella, pero a diferencia de ella quiere mantenerse en ese estado. Acosado, despojado de su capa y reducido a vestir unos modestísimos calzoncillos, y temiendo ceder a la tentación huye despavorido del cuarto de su ama, que irritada por este segundo rechazo en una sola noche, lo acusa de intento de violación y pide que sea ejecutado. Esto lo lleva frente a la _Reina que al ver el apuesto joven en paños menores tiene la misma idea que la reclamante, con lo cual el pobre joven pasa a ser acosado por dos mujeres que lo aprietan, lo manosean y tiran cada una de ellas para su lado con riesgo de partirlo en dos, hasta que consigue huir y luego de una serie de aventuras que no voy a contar en detalle acaba cayendo en el favor del FARAON y nombrado VICE REY DE EGIPTO con una descomunal ceremonia de coronación que cierra la obra.
El Teatro Argentino la tuvo como título de cierre de su temporada 2016 hasta que faltando poco para la primera función y con los ensayos ya avanzados hubo marcha atrás para acelerar las reformas en la sala y se dijo que inauguraría la temporada de este año, algo que entró en colisión con la continuidad de las reformas y con la decisión de inaugurar la temporada con un súper título moderno más acorde con los planes de la Dirección para el Teatro. Cuando ya parecía que los esfuerzos y el gasto realizado para esta empresa sería destinado a algún cesto de desperdicios, se obtuvo este premio consuelo a todas luces insuficiente de poder presentar la obra un numero limitadísimo de veces en el segundo Teatro de la Ciudad, con hermosas instalaciones y que no se entiende por qué no es utilizado con mayor frecuencia, pero en dos días consecutivos y laborables para peor.
Así el Teatro, que en más de una oportunidad ha destinado su sala mayor a títulos modernos que son veneno en las boleterías y de los cuales se ofrecieron numerosas funciones a salas semivacías, se dio el lujo de representar esta obra de cuño bien popular en sólo dos funciones, siendo seguro que si hicieran el doble continuarían agotando localidades máxime cuando los comentarios de todos los asistentes comiencen a generar un poderoso boca a boca. Hubo además un pobrísimo trabajo de divulgación previa que cuando la hubo fue más bien encarada por los participantes que por la Oficina de Prensa del Teatro, y la falta de difusión en Buenos Aires amen de la carencia del servicio de ómnibus, daría la impresión que alguien apostó al fracaso y por cierto no le ha ido bien.
Desde el punto de vista artístico la versión contó con escenografías muy inteligentes y divertidas, que hicieron un generoso uso de los anacronismos con referencias al mundo actual, con algunos abundantes chistes políticos hechos -dicho sea de paso -sin embanderarse por uno u otro de los sectores políticos en actividad y que tuvo su simbólico comienzo con el cartel FARAON CUMPLE, PUTIFAR DIGNIFICA que presidió la marcha triunfal inicial.
Se sumó a ello un vistoso vestuario, con momentos de gran sensualidad y en general muy bonito de ver, con destaque para los vestidos azules de las bailarinas del chotis en el segundo acto.
La regie en general estuvo muy bien inspirada y sacó gran partido de las condiciones actorales de los integrantes del elenco varios de los cuales tuvieron desempeños notables.
En lo musical el coro tuvo una excelente noche con un bello y bien ensamblado sonido, y la orquesta en general acompañó con un buen desempeño una vez superadas ciertas vacilaciones durante el preludio.
En el plano solista hubo dos grandes voces y dos grandes desempeños actorales: el de SEBASTIAN SORRARAIN nada sorprendente por cierto, con un desopilante punto en la escena de la noche de bodas y el descubrimiento- que fue el comentario unánime de la platea -del joven tenor del coro estable SANTIAGO MARTINEZ que simplemente lo tuvo todo para ser el CASTO JOSE ideal. Una bellísima voz de tenor para comenzar. Simpatía natural y gran capacidad actoral (sus contraescenas fueron hilarantes), desenvoltura y desfachatez para pasarse toda la obra al borde del desnudo y encima de ello una apariencia física que hizo muy entendible las pasiones que despertó el personaje entre las sopranos. Receptor de la mayor ovación de la noche, se lo vio avergonzarse con semejante retribución del público, en una espontánea reacción de humildad. Esperamos oír hablar mucho de él en el futuro.
ALBERTO JAUREGUI LORDA hizo valer su autoridad escénica y su volumen vocal para dar autoridad al Faraón que en algunos pasajes sonó demasiado exigido, algo que también le ocurrió a la importante voz de LEONARDO PALMA como Supremo Sacerdote. Con excepción de la Reina todo el elenco femenino cantó con un reducidísimo volumen que las tornó inaudibles buena parte del tiempo haciendo que algunas escenas perdieran parte de su gracia por no llegar a percibirse qué es exactamente lo que cantaban. Como se trata mayormente de cantantes que han demostrado su solvencia vocal en títulos bien más comprometidos, pienso que es meramente un problema de ajustes que no sería imposible resolver. La Reina sonó algo estridente en el primer acto pero se superó en el segundo y exhibió en ambos muy buena capacidad actoral, especialmente en las contraescenas.
GRACIELA ODDONE logró una excelente composición de su frustrada novia logrando algunos momentos de gran comicidad.
A riesgo de aburrir vuelvo a manifestar mi descontento con la escasa cantidad de funciones de un espectáculo que seguramente llenaría salas si le diera la oportunidad y que debería viajar dentro de la Provincia y quizás también a la Capital para sacar mejor partido a una inversión que no debe haber sido pequeña-
Pienso además que la presentación en la Sala del Argentino con sus mejores equipos técnicos posibilitaría corregir la principal limitación del espectáculo que es su lentitud provocada por las extensas pausas entre cuadro y cuadro para cambiar los decorados, que se intentó amenizar introduciendo dos personajes esperpénticos que hacen de dos periodistas con aspecto de travestis y que protagonizaron diálogos demasiado extensos que enlentecieron la acción y con un tipo de comicidad más directa que la de la obra, con chistes que no siempre dieron en el blanco. Con estas interpolaciones la obra se extendió por unas dos horas largas, cuando en la época de oro de la zarzuela era presentada en doble programa con otra zarzuela corta (generalmente LAS LEANDRAS )
ALELUYA ¡!!! El público tiene todos los motivos para festejar esta Corte no sólo por la calidad del espectáculo sino por la vuelta de la zarzuela que prácticamente ha desaparecido de la cartelera bonaerense que ha dejado caer en el olvido un género que tenía muchos aficionados y que en sus mejores tiempos proporcionó espectáculos de gran calidad, permitiendo además la maduración de las condiciones escénicas de muchos cantantes jóvenes nacionales.

LUIS BAIETTI

ADRIANA LECOUVREUR

Opera de Francesco Cilea. Nueva producción escénica. Teatro Colón.

DIRECCION MUSICAL: MARIO PERUSSO
DIRECCION ESCENICA: ANIBAL LAPIZ
ESCENOGRAFIA: CHRISTIAN PREGO
VESTUARIO: ANIBAL LAPIZ
CORO Y ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLON

Iluminación: Rubén Conde.
Coreografía: Lidia Segni.
Elenco:
Sabrina Cirera* (Adriana), /
Gustavo López Manzitti* (Maurizio),
Guadalupe Barrientos* (Princesa de Bouillon),
Omar Carrión* (Michonnet),
Lucas Debevec Mayer* (Príncipe de Bouillon),
Iván Maier* (Abate de Chazeuil),
Oriana Favaro (Jouvenot),
Florencia Machado (Dangeville),
Patricio Oliveira (Poisson),
Fernando Grassi (Quinault),
Sebastián Russo (Mayordomo).
Orquesta y Coro Estables del Teatro Colón.
Director del Coro Estable: Miguel Martínez.

Estrenada en el Teatro Lírico de Milán, el 6 de noviembre de 1902 con la participación de Enrico Caruso, fue siempre un vehículo para las más grandes sopranos de cada época. Desde Claudia Muzio, pasando por  Leyla Gencer, Virginia Zeani, Montserrat Caballé, Renata Tebaldi , Renata Scotto, Raina Kabaivanska, Mirella Freni y Joan Sutherland. En la actualidad Angela Gheorghiu (cuya cancelación en la actual producción era, en lo personal, algo sabido de antemano. Sus medios actuales no se adaptan para una obra que requiere medios importantes, potencia dramática para las partes recitadas y facilidad para apianar, sumado a un teatro de las dimensiones del Colón).
Adrienne Lecouvreur fue en realidad una famosa actriz francesa y tuvo amoríos con Mauricio, Conde de Sajonia. Pero el argumento mezcla realidad y fantasía, logrando una interesante trama. A través de los años la partidura original sufrió cortes importantes, pero la obra mantiene su encanto a pesar de algunas incoherencias argumentales. O acaso Il Trovatore tiene alguna coherencia argumental? Las obras se deben analizar como un todo y allí Adriana sale airosa con espléndidos momentos musicales y vocales. Aunque, como hemos dicho, es un vehículo para grandes divos y en especial para notables divas, la versión presentada por el Colón – en este reparto alternativo – no los tuvo, pero si excelentes cantantes que lograron una versión de notable interés.
Sabrina Cirera, finalmente en el lugar que le corresponde debido a sus condiciones, cantó una notable Adriana. No es naturalmente una diva, pero si una buena actriz que supo dar una muy buena resolución a cada una de sus escenas. Con una voz de buen volumen, notable línea de canto y gran facilidad para emitir impecables y hermosos pianísimos (absolutamente imprescindibles para esta obra), su Adriana conmovió y no dudo que debe abrir una nueva etapa para su carrera.
Guadalupe Barrientos como la Princesa de Bouillon, fue un volcán en erupción en escena. Desde el comienzo mostró un temperamento ideal para el rol, notable dotes de actriz y gran volumen. Debido a la falta de equilibrio entre foso y escenario, fue muy difícil escuchar sus graves en su aria inicial, perjudicada además por la serie de cortinados que bajaban en ese momento. Y es curioso de entender como el Maestro Lápiz, con su gran experiencia, no logró notar que distraían el momento más importante de la mezzo .De todas formas su trabajo fue notable, bordeando la excelencia y que solo necesita trabajar algo más en su registro grave. Bravo!
Gustavo López Manzitti es un tenor todo terreno. Siempre musical, con prefecta afinación y excelente línea de canto. Trazó un Mauricio absolutamente creíble, moviéndose libremente en escena. Su timbre sigue sonando algo velado, como si su colocación se emita desde atrás. Creo que ya es su técnica y no admite a esta altura modificaciones. Pero es siempre infalible técnicamente.. Sin dudas con un timbre más presente y con más armónicos tendría una gran carrera internacional. De todas formas siempre es un gusto verlo y oírlo por la seguridad de su canto y el hecho de no producir el menor stress en la audiencia debido su seguridad musical.
Omar Carrión generó un Michonnet totalmente creíble, con momentos absolutamente conmovedores. Por momentos fue también perjudicado por el volumen de la orquesta.
Lucas Debevec Mayer lució presencia escénica y una voz acorde.
Iván Maier, tal vez el trabajo más impecable del elenco, contó y actuó con total seguridad. Muy suelto como actor y siempre preciso vocalmente. Aunque puede abarcar un repertorio más amplio, es como volver a ver a un grande como Nino Falzetti. Gran trabajo.
Correcto el resto del elenco.
El Maestro Mario Perusso a quien siempre admiré en sus versiones del verismo y especialmente en Puccini, logró que la orquesta le respondiera con total corrección, pero pocas veces se logró balancear el foso con el escenario, tapando frecuentemente las voces de los cantantes.
El Maestro Aníbal Lápiz es sin dudas el mejor vestuarista de nuestro medio. Su dupla con el maestro Oswald lograron puestas inolvidables. Aquí, desempeñando ambos roles mostró lujo y una puesta totalmente en época, que el título no admite otra forma. De todas maneras con una puesta más aliviada, con menos tules y telas todo el tiempo invadiendo el escenario, el drama hubiera ganad en intensidad. Generalmente menos es más.
Valoro su trabajo como el de Christian Prego (habitual asistente del Maestro Oswald), pero no dudo que un menor detallismo y un escenario más despejado hubiera favorecido a esta esperada Adriana. Seguramente muchos de los habitúes estarán muy contentos con esta puesta, a la que llaman “una puesta a nivel del Colón”, pero las épocas van generando cambios en todos los teatros del mundo y aquí poco se vio.
Buena versión de una hermosa ópera.

Dr. Alberto Leal

ADRIANA LECOUVREUR

ELENCO DE LAS FUNCIONES DE ABONO

Al menos en esta oportunidad y pese a la defección de la diva internacional originalmente escalada, no se dio algo que se ha venido dando con demasiada frecuencia en el Colón de los tiempos que corren, de que el elenco nacional que hace las extraordinarias supere por lejos en calidad al de las funciones de abono. Los dos elencos fueron bastante parejos en rendimiento, con ventajas parciales para uno o para otro.
La gran figura de la noche fue NADIA KRASTEVA, portadora de una arrolladora voz de mezzo con impresionantes grave de pecho y un temperamento proporcional a ella. Habitué de Teatros como la Opera de Viena, el Met o la Opera de San Francisco hizo acordar las añoradas épocas en que los elencos del Colón se nutrían de grandes figuras del mundo, Es evidente que la contratación de Krasteva respondió a la intención de suministrarle una rival electrizante a la diva importada si hubiera venido y hubiera estado en buenas condiciones vocales, algo de lo que muchos dudan. Nadia seguramente no sabe el peligro que corrió teniendo a GUADALUPE BARRIENTOS en el otro elenco pisándole los talones.
VIRGINIA TOLA asumió el poco deseable compromiso de sustituir a la figura en torno de la cual se había publicitado el evento y vendido las entradas, y hay que decir que salió con la frente bien en alto, anotándose un claro triunfo. Sus sólidas condiciones vocales, que han crecido en volumen y extensión hicieron de ella una Adriana impecable, a la que sólo me hubiera
gustado oírle más pianísimos (que sí los tuvo Cirera).
Parece además haber controlado bien la tendencia a la estridencia en las notas agudas y una cierta propensión al vibrato que sólo aparecieron en contados momentos.
Su desempeño escénico fue notable y evidenció la experiencia y el aplomo que ha venido conquistando a través de su creciente participación en puestas de Teatros europeos aunque por ahora no sean los de primerísimo nivel como el Covent Garden o la Opera de Viena pero que incluyen teatros importantes como el TEATRO REAL, MASSIMO DE PALERMO, OPERA DE ROMA ARENA DE VERONA. _Dio muy bien el aire de gran diva que domina la escena, se la vio bellísima además y dio buena cuenta de las escenas dramáticas aunque no haya resultado totalmente conmovedora en la escena final.
El tenor LEONARDO CAIMI es un valor joven en etapa ascendente, portador de un bellísimo timbre, muy buena figura y presencia escénica, un volumen vocal razonable y una manera un tanto peculiar de llegar a las notas agudas que las hace sonar en algunos momentos como de sospechosa afinación.
ALESSANDRO CORBELLI es un veterano bajo buffo con una gran carrera detrás de sí.-Tuvo un absoluto dominio de la parte, más allá de que la voz exhibe hoy en día serias limitaciones en la zona aguda que tiende a destimbrarse.
FERNANDO RADO fue previsiblemente un lujo visual y vocal y SERGIO SPINA reiteró su gran capacidad para las partes de tenor característico.
Todos del primero al último sufrieron en muchos momentos con la competencia sonora de la orquesta tocando a un volumen que recuerda la anécdota de Strauss en el ensayo general de ELEKTRA (o fue SALOME ¿?): TOQUEN MAS ALTO QUE TODAVIA PUEDO OIR A LA SOPRANO..

Luis Baietti

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