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Colaboradores

Madame Butterfly
Segundo Elenco

El DR. LEAL en su crítica del elenco del estreno ha hecho ya el merecidísimo elogio a la dirección musical y escénica de este espectáculo, así como al desempeño de la orquesta, el coro y los intérpretes de los papeles secundarios, opiniones con las cuales coincido plenamente y no solo por “ disciplina partidaria “
Hay una bellísimamente lograda escena que resume todos estos aciertos : Butterfly luego de vestirse con sus ropas de novia y de haber preparado al niño , se sienta en lo alto de la colina a divisar desde lejos la llegada de Pinkerton, y como él no viene pasa toda la noche esperando. La iluminación, magnífica, va dando el progresivo nacimiento del día, el coro tiene su momento de lucimiento con el famoso coro a boca chiusa y la orquesta, espléndida como en toda la función alcanza su momento de máximo lucimiento en el interludio.
Y pocos minutos después tenemos la desgarradora escena final magníficamente presentada, que culmina con un conmovedor cuadro fijo de los cuatro intérpretes principales.
El elenco alternativo tuvo como gran plato fuerte la presencia de LAURA POLVERINI que está en proceso de cambiar de repertorio aventurándose a partes más pesadas sin por ahora abandonar sus caballitos de batalla Gilda, Lucia. Polverini posee una serie de atributos que, utilizados con inteligencia, le permitieron dar una versión relevante del difícil, agotador personaje. En primer lugar el bello timbre, parejo desde el grave hasta el extremo agudo, que acaricia el oído de quien la escucha. En segundo lugar, y esto es clave para Butterfly, posee un centro y un registro agudo importantes con un volumen que la habilita a cantar estos papeles más pesados, al menos un Teatros de las dimensiones del –Avenida. Y para redondear es una estupenda actriz. Basta para ello ver como dio la candidez y la timidez de su personaje que nunca antes pareció tan “quindici anni” como en su versión. Expuso además una interesante versión del drama en la cual Butterfly no es consciente de lo que le está ocurriendo y cree con absoluta firmeza que Pinkerton está por volver a su amor, no comprendiendo la incredulidad y la ignorancia de quienes a su alrededor le dicen lo contrario. Sólo ante la imagen de Kate Pinkerton tomará contacto con la realidad, y simultáneamente con la noción de que todo ha terminado para ella, haciéndonos entender que no cabe para ella otra salida que el suicidio. Una excelente creación a la altura de su excelente desempeño vocal.
NORBERTO FERNANDEZ fue hasta hace unos años la gran estrella de la Opera del off , cantando los papeles estelares de una gran variedad de Operas, luciendo un hermoso timbre vocal, facilidad para llegar a los agudos y una gran presencia escénica. Luego desapareció y misteriosamente nadie volvió a escalarlo para ningún papel. Hasta que Juventus lo programó para este elenco alternativo con una sola función. En la misma reiteró algunas de sus virtudes, principalmente el uso de la mezza voce (si bien me quedo con el temor de que espectadores situados más distantes que yo del escenario hayan tenido dificultad para oírlo en todos los pasajes) un decir apasionado e intencionado que se conjuga con toda su gestualidad que es la que corresponde a un muy buen actor. El personaje estuvo entonces muy bien servido realzando el drama. Hubo sin embargo problemas con algunos agudos (el peor el del final del ADDIO FIORITO ASIL, francamente penoso) que hablan quizás (y eso espero, porque sería importante poder contar nuevamente con una figura de su calibre) del nerviosismo de la rentrée, el estado menos que ideal de una voz que ha estado inactiva durante años, o simplemente (espero que así no sea) el pasaje del tiempo.
MILAGROS SEIJO fue una sólida Suzuki con un atractivo timbre acontraltado en las notas graves y una buena actuación escénica.
ALEJANDRO SPIES lució una atractiva voz de barítono con algunos problemas no del todo resueltos en la zona aguda, y una gran expresividad facial como actor.
FELIPE CUDINA BEGOVIC fue un adecuadamente amenazante Bonzo, servido con un buen material vocal.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

Cierre de temporada de Juventus Lyrica
con una excelente versión de Madama Butterfly
de Giacomo Puccini 
LA METAMORFOSIS DE UNA MARIPOSA

Dirección musical: Antonio María Russo 
Dirección escénica: Ana D'Anna
Reparto:
Cintia Velázquez (Madama Butterfly),
Marcelo Gómez (Pinkerton),
Rocío Arbizu (Suzuki),
Ernesto Bauer (Sharpless),
Norberto Lara (Goro),
Josué Miranda (Yamadori),
Mario Di Salvo (Bonzo),
María Goso (Kate),
Norberto Crespi (Yakuside)
En el Teatro Avenida


“Madame Butterfly” fue estrenada en 1904 y siempre ha sido considerada como una de las obras preferidas del compositor. Su forma musical trae constantemente reminiscencias de Japón y las puestas tradicionales han acentuado esto usando elementos típicos de ese país.
La presente versión de Ana D’Anna, basada en una escenografía totalmente minimalista, pero de gran practicidad, se ve altamente ayudada por el esplendido vestuario de María Jaunarena. Excelente paleta de colores y hermosos diseños. Gran Trabajo. Ana D´Anna brindó una buena marcación de los cantantes, de acuerdo a las posibilidades personales
Cintia Velázquez nos brindó un excelente Butterfly. Con muy buena voz de soprano lírica. Buena línea de canto y notables matices, su prestación vocal fue muy buena. Tal vez tendría que trabajar más en el alma de Butterfly. Demasiada estática en algunos momentos, demostró su talento escénico en el último acto, ayudada por la muy buena idea de la Directora, brindando una muerte alejada de todo efectivismo.
Marcelo Gómez tiene un excelente patrimonio vocal, sobre todo el la zona aguda. Su centro suena algunas veces algo velado. Creo que tiene un gran potencial pero debe trabajar para lograr un canto parejo. No estar tan pendiente de emitir agudos en forte. Debe refinar su canto ya que condiciones naturales le sobran. Pero en general fue un buen Pinkerton, pero transmitió poco en lo emocional.
Por el contrario, Ernesto Bauer, con un volumen mayor al habitual, cantó y actuó en forma sentida, ayudado además por su grata presencia escénica. Muy buen trabajo.
La mezzo Rocío Arbizu, fue sin dudas la dueña del último acto. Con un canto desgarrador, audible en todo su registro, brindó una de las mejores versiones que he visto de Suzuki (y han sido muchas!). Brava.
Mario Di Salvo impuso su voz y temperamento a un Bonzo, que parece adaptarse a la perfección con sus condiciones vocales.
Norberto Lara brindó un Goro muy bien en lo vocal, pero con una marcación poco entendible para una puesta tradicional.
Excelente bajo todo punto de vista la Dirección del Maestro Russo, en uno de sus más brillantes trabajos en ópera italiana, lo mismo que el ajustado Coro a las órdenes de dicho Maestro.
El resto del elenco nunca bajo del nivel de excelencia.
Una “Butterfly” amada por el público en una brillante versión que debe ser vista.

Dr. Alberto Leal

COSI FAN TUTTE

OPERA DE WOLFGANG AMADEUS MOZART - LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE
DIRECCION MUSICAL - SILVINA PERUGLIA
DIRECCION ESCENICA - MARIANA CARNOVALI
PIANISTA Y PREPARADOR MUSICAL - FERNANDO BRITOS
MAGNA LIRICA EN HASTA TRILCE

COSI es una de las últimas obras de Mozart, que después de ella sólo estrenaría LA CLEMENZA DI TITO y LA FLATUA MAGICA. Hoy convertida en uno de los frecuentemente representados títulos del repertorio clásico (no el del Colón, no el del argentino), no disfrutó siempre de este status, siendo muy criticado durante muchos años desde un doble punto de vista. Desde el punto de vista musical se la consideró como un paso atrás del autor en relación a sus dos obras maestras LE NOZZE DI FIGARO y DON GIOVANNI. Cosí, con toda su serena belleza clásica y sus estupendas y abundantes melodías, es – por qué negarlo – bastante monocorde y si cae en manos de un director preciosista y proclive a las sutilezas, puede fácilmente derivar en el hastío con sus más de 3 horas de duración y un único tema teatral que se repite sin mayores contrastes. Y en segundo lugar fue considerada amoral por su tesis acerca de la fidelidad de las mujeres (libretista y compositor han sido acusados de misoginia), lo cual no hubiera sido por cierto mejor si Mozart y DA Ponte hubieran mantenido su decisión inicial de que la obra terminara en final feliz pero con las parejas cambiadas.
La versión de MAGNA LIRICA atacó ambos puntos cuestionados en una versión que revitalizó el teto y lo hizo muy disfrutable para un raramente numeroso público (se trataba de una noche de Miércoles y en un Teatro alejado del circuito normal), que rió abiertamente con las ocurrencias de la obra y de la puesta y aplaudió constantemente los números musicales a telón abierto, si es que puede usarse esa expresión en un Teatro sin telón como HASTA TRILCE.
En lo musical la elección de las voces recayó en cantantes dotados de voces más rotundas, de mayor peso que las que normalmente se escalan para sus partes, y que fueron además estimulados a cantar la partitura a plena voz dejando de lado las convenciones que requieren el uso casi constante de la mezza voce. El resultado fue vivificar la partitura, darle una mayor fuerza y si bien se perdieron varias de las sutilezas del texto mozartiano, se pudo disfrutar de su enorme fuerza expresiva que normalmente permanece oculta detrás de las delicadezas clasicistas. Impecable todo el elenco compuesto por una MARIANA CARNEVALI que brilló en un COME SCOGLIO mucho más jugado que lo habitual al ser cantado a viva voz, ROLANDO GUY que cantó un Fernando muy fortalecido por su voz que no es la que usualmente uno pensaría para el papel y que logró salir muy bien del difícil compromiso de cantar con su voz UN AURA AMOROSA donde pese a aligerar todo lo que pudo, se hizo más notorio que su registro pide otras partes, si bien no dejó de impactar con su musicalidad, su bello timbre vocal y su fuerza expresiva, las deliciosas LUZ MATAS y LUCIA ALONSO como Dorabella y Despina , ambas en excelentes prestaciones vocales y las voces baritonales de gran porte de de LUIS DE GYNDDENFELDT y PABLO BASUALDO, ambos pidiendo compromisos vocales mayores.
Todo esto se completó con una magnífica preparación musical que denuncia la abundancia de ensayos, y con un excelente acompañamiento musical de FERNANDO BRITOS, que con su delicada, elegante ejecución de la partitura al frente de un piano por fin en impecables condiciones sonoras, fue responsable de buena parte del éxito musical del espectáculo.
Mariana Carnovali en su papel de regista, dio muestras de tener talento y arrojo. Su puesta se dedicó a ser infiel con el texto en materia de tiempo y lugar ( tiempo actual, ciudad de Buenos Aires ) pero haciéndolo de una manera que fue al encuentro de los propósitos originales del texto devolviéndole su aura escandalosa inicial que se ve menguada cuando nos permiten ver la obra como algo que ocurrió hace mucho tiempo en otra sociedad.
Aquí los dos amigos y su sarcástico acompañante, son dos jóvenes comunes apasionados hinchas de futbol que cometen la torpeza de alabar la fidelidad de sus mujeres en una charla de café y caen en el craso error de hacer la apuesta. Sus dos amantes totalmente hechizadas por su belleza que a diario reviven observando sus fotos en el celular, muy alejadas en su idealización de los dos hombres normales que la regie satiriza mostrando su conducta íntima cuando están a solas en un costado del escenario.
Reciben con desesperación la noticia de su partida , que aquí ocurre para ir con la barra a alentar a la –selección, reciben con indignación decreciente el asedio de los nuevos pretendientes y acaban cediendo a ellos ( hay una muy inequívoca indicación de que el aproximamiento de Fernando con Fiordiligi ha pasado a los hechos, ya que este regresa de su encuentro a solas recolocando el pantalón en su debido lugar ) y por poco no terminan cambiando de parejas para siempre como hubiera querido Mozart y como quizás debió haber terminado la versión para darle el golpe de gracia final a los convencionalismos.
A lo largo de toda la representación la regie estuvo en comando de la situación con muy buenas y felices marcaciones, siendo particularmente jocosas las de Guglielmo que ya en las escenas iniciales confunde con demasiada facilidad a una moza con la otra, y que luego es el más desesperado de los dos asediantes.
Es claro que todo esto funciona porque el texto es una inmensa ironía y los anacronismos funcionan como una broma más y muy distinto sería el resultado de tratarse de un texto dramático ( como la NORMA que el grupo anhela montar en 2017 ) donde el apartamiento del texto original sería seguramente fatal.
Y naturalmente todo esto es posible porque se contó con un elenco de magníficos actores que valorizaron sus partes, con muy especial mención al desparpajo de la Despina muy disfrutable de LUCIA ALONSO y el estupendo desempeño actoral de LUIS DE GYLDENFELDT, que aparte de poseer una poderosa voz baritonal, arrasó como actor en varias de las escenas, muy especialmente las del fingido enamoramiento por la dama de su amigo.
Queda aún una función y es aconsejable no perdérsela.

LUIS G BAIETTI
ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD

EUGENIO ONEGUIN

BALLET DE JOHN CRANKO  BASADO EN LA NOVELA DE PUSHKIN
MUSICA DE TCHAICOVSKY C/ARREGLOS  DE KURT HEINZ STOLZE
MAESTROS REPOSITORES - AGNETA S.VALCU Y VICTOR VALCU
ORQUESTA SINFONICA DEL SODRE BAJO LA  DE DIRECCION MARTIN GARCIA 
BNS BAJO LA DIRECCION DE JULIO BOCCA Y SOFIA SAJAC (CODIRECTORA)
AUDITORIO ADELA RETA - SODRE

El BNS Ballet Nacional Sodre, bajo la dirección de JULIO BOCCA y su co directora SOFIA SAJAC estuvo representando en estos días la misma producción que presentó semanas atrás el Teatro Colón con el que compartió la producción gracias a un acuerdo de intercambio que aseguró la presentación en el Colon de LA BAYADERA con las escenografías del Sodre.
La escenografía y el vestuario no pueden ser más bonitos y es una gloria verlos. Me da en el fondo mucha envidia, como amante de la Opera que soy, que no nos sea posible a nosotros los seguidores de la lírica ver producciones similares, con un profundo respeto a la obra del autor y donde la escenografía con recursos simples pero inteligentes y de buen gusto se limita a crear el ambiente donde se desarrolla la acción en lugar de querer imponerse como la estrella de la función.. Rescato por maravillosa la escena final, que en el fondo no es más que una mesa con una silla, telones pintados y una luz oblicua que penetra en la escena. Absolutamente hermosa.
El equipo de repositores suecos que vino a montar la obra en ambos teatros dijo a la prensa que se habían quedado asombrados por la calidad del conjunto y por la posibilidad que encontraron de tener con el elenco local nada menos que 3 parejas ( casi 4 ) para los dificilísimos papeles protagónicos de Tatiana y Oneguin.
Y no es para menos. El Cuerpo de Baile brilló en todos los conjuntos aportando una gran cuota de color, vivacidad, entusiasmo. Además sacó a lucir una característica que es muy destacable en este conjunto y es que cada uno de los integrantes de la masa coral compone un personaje y sin salirse de la composición colectiva lo va moldeando y madurando, logrando un fantástico despliegue escénico actoral,
Esto naturalmente fue más notorio en los papeles solistas aun los menores, con 3 excelentes Mme Larina JOYCE ALVES,VANESSA FLEITA, TATIANA MERSAN cuatro magníficos Príncipes Gremin ESTEBAN CLAVERO,ANIBAL ORCOYEN, SEBASTIAN ARIAS E ISMAEL ARIAS y una muy disfrutable composición de ISMAEL ARIAS como uno de los convidados de la boda
Cuatro estupendos Lensky dieron todo el lirismo del personaje, su juventud y su enamoramiento al par que el dramatismo de la escena del baile con el reto a duelo y la trágica escena final. Cuatro grandes interpretaciones en las que cada uno aportó diferentes concepciones y fortalezas LUCAS ERNI,GUILLERMO GONZLEZ ,DAMIAN TORIO y sobre todo CIRO TAMAYO que es uno de los bailarines-estrella de la Cia, y que nunca deja de impactar cualquiera sea el papel que haga.
Sus cuatro damas CARELIZ POVEA,ARIELE GOMES,NATHIANY RIBEIRO y GIOVANNA MARTINATTO fueron todas ellas un ejemplo de delicadeza, belleza, gracia ,levedad y sería difícil destacar a una por sobre las otras, pese a la presencia de la gran GIOVANNA MARTINATTO que ha entristecido al público uruguayo anunciando que la función del 11 de noviembre será la última de ella en la Compañía.
El rol de Oneguin es complejo de componer por los cambios que va sufriendo a lo largo de la obra desde la indiferencia y el desdén iniciales , pasando por la cólera del segundo acto, hacia su desesperada búsqueda inútil del amor que dejó ir , en las últimas dos escenas. Pero por encima de ello es un papel técnicamente difícil y físicamente agotador con dos tremendos pas de deux que exigen el máximo de la fuerza física del bailarín al par que una absoluta compenetración con la bailarina, porque incluye varios momentos de gran dificultad. CIRO MANSILLA, dotado 150 % del physique du rôle fue entre todos el que mejor logró dar actoralmente el personaje y superó todos sus antecedentes conocidos con una impecable actuación técnica. Un gran trabajo que ratifica el gran salto adelante recientemente dado con su Don José en Carmen bajo la dirección de Marcia Haydee. GUSTAVO CARVALHO que es como Tamayo uno de los bailarines-estrella del conjunto lució su depurada técnica y la belleza plástica de sus movimientos, obteniendo una deslumbrante versión de la escena del espejo. Interpretativamente luego de dos primeros actos correctos pero no demasiado destacables acabó sorprendiendo con una desgarradora encarnación de la escena final. SERGIO MUZZIO, algo inseguro en su primera función, impactó en la segunda colocándose muy cerca del nivel de Carvalho y hasta superándolo en el rubro saltos que es hasta cierto punto el talón de Aquiles del gran bailarín brasileño. Tuvo una composición más fuerte, más dura del Oneguin que quizás sea menos querible pero es igualmente válida. El elenco tuvo que traer de Chile de forma emergencial al bailarín para completar la cuarta pareja. JOSE MANUEL GHIO es primer bailarín del BALLET DE SANTIAGO y ya ha bailado la parte allí, pero llegó 2 días antes de su función y debió salir casi sin ensayar. Se notó mucho en la primera función, pero en la segunda ya en dominio de sus nervios y conociendo a su partenaire elevó mucho el nivel y dio una cabal demostración de por que está en el lugar en que está-
El BNS se orgulla de tener en sus filas a MARIA NOEL RICCETTO , entrenada en el ABT , que es una bailarina clásica prácticamente perfecta y que ha venido creciendo como actriz dramática al punto que su Tatiana, previsiblemente bella de ver y perfecta en sus movimientos supo ser también desgarradora en las escenas finales.
No se quedaron demasiado atrás sus compañeras de papel, LAURA BOLTRI, PAULA PENACCHIO Y NINA QUEIROZ que exhibieron gran capacidad de baile para servir a sus partes. Las dos primeras además dieron un gran contenido trágico a sus partes, perfilándose como las grandes intérpretes trágicas del elenco. Nina , toda dulzura y fragilidad , descolló en el abandono de la escena del espejo y exhibió gran compenetración dramática si bien todavía le falta crecer en el papel para dar en su total intensidad la escena final.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

WRITTEN ON SKIN

OPERA DE GEORGE BENJAMIN
LIBRETTO DE MARTIN CRIMP BASADO LE COEUR MANGE DEL TROVADOR GUILLEM DE CABESTANY
DIRECCION MUSICAL – LUCAS URDAMPILLETA
DIRECCION ESCENICA CRISTIAN DRUT
ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO ARGENTINO  DE LA PLATA
TEATRO ARGENTINO

Es la primer Opera compuesta por GEORGE BENJAMIN un músico británico que actualmente tiene 56 años de edad y fue alumno preferido de Olivier Messiaen cuyo último trabajo colaboró en terminar al fallecer éste
Estrenada en 2012 en Aix en Provence obtuvo una gran resonancia crítica y fue presentada posteriormente en varios de los principales centros musicales del mundo como Ámsterdam, Londres ( Covent Garden ) Paris  y – en versión semi escenificada - en Barcelona y Madrid.
Es entonces interesante que Argentina se haya incorporado a la lista de los países que la han conocido, máxime cuando fue presentada con un elenco totalmente local.
Lo que no parece haber sido el colmo de la prudencia es representarla en un Teatro de las proporciones del ARGENTINO DE LA PLATA, en una ciudad de provincia menos abierta por lo tanto a las novedades de allende el mar, y como parte de una magrísima temporada en la que el Director Artístico ha dado rienda suelta a sus gustos y se los ha impuesto al público valiéndose del presupuesto estatal, y ha presentado 4 óperas de las cuales 2 de este estilo moderno. El resultado previsible fue una total, absoluta carencia de público. El día que yo vi la función había 50 personas en la inmensa y solitaria platea, 12 de las cuales vinieron de B.Aires en el ómnibus fletado por el Teatro. (Donde estarán las épocas en que el Argentino agotaba localidades bajo la Dirección del Maestro Cenzabella y venían un Domingo 4 o 5 ómnibus repletos de gente desde la capital ¿?
Hay derecho a programar temporadas sin tener la menor preocupación por cuanta gente habrá de venir al Teatro a ver las obras ¿?
Es eso administrar correctamente los fondos públicos¿? Se dice con razón que el objeto de un Teatro oficial no es producir lucros sino cultura y que no puede elegir su repertorio con un ojo en la boletería. Pero yo me pregunto si es cultura producir un espectáculo para una sala totalmente vacía. Cultura para quien  ¿?
Lo más grave de todo esto es que la Opera en sí es extremamente interesante y que no se le ha dado la oportunidad de ser vista por el público que debió haberla visto.

Benjamín es un músico extremamente talentoso y compone música moderna sí, pero MUSICA  así con mayúscula y su texto es una de las pocas  obras contemporáneas que merecen perdurar en el repertorio, más allá de un libretto algo rebuscado y excesivamente intelectualizado que entremezcla temas como la seducción al estilo de TEOREMA, la ecología y la religión y acaba no profundizando mucho al menos en dos de ellos. Felizmente la música es visceral, potente, perturbadora.
Y la versión del Argentino reunió toda una serie de elementos de gran calidad.
En primer lugar el fabuloso, agotador trabajo de JACQUELINE LIVIERI como la protagonista, un papel con exigencias casi sobrehumanas en la cual la cantante tiene una actuación descollante. A su lado HERNAN ITURRALDE  se anota otra creación mayor a la larga lista de sus inmejorables antecedentes. Y el contratenor  FLAVIO OLIVER luce una voz completamente en comando de su parte y una intensa línea actoral que cumple además con todas las acrobacias que se le exigieron. Y por si fuera poco cierran el elenco EUGENIA FUENTE y CARLOS NATALE  en dos bellísimas y exigentes composiciones
Gran trabajo de orquestación del joven Maestro tandileño
LUCAS URDAMPILLETA LEAL
Que supo ensamblar bien la obra permitiendo que se oyera con la debida intensidad la partitura orquestal pero al mismo tiempo que los cantantes no resultaran ahogados por ella. Es un valor a seguir.
Quedan todavía  2 funciones, que recomiendo que las vean.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

“MANON LESCAUT”, DE GIACOMO PUCCINI
BUENOS AIRES LIRICA
Teatro Avenida
Viernes 14

"Manon Lescaut", drama lírico en cuatro actos, con texto de Marco Praga, Domenico Oliva, Giulio Ricordi y Luigi Illica, y música de Giacomo Puccini.
Elenco: Macarena Valenzuela, Eric Herrero, Ernesto Bauer, Norberto Marcos e Iván Maier.
Iluminación de Gonzalo Córdova
Escenografía de Daniela Taiana
Vestuario de Sofía Di Nunzio y
"régie" de André Heller-Lopes.
Coro (Juan Casasbellas) y Orquesta Buenos Aires Lírica (Mario Perusso).

Estrenada en el Teatro Regio de Turín en 1893 fue el primer gran éxito del Maestro Puccini.
La ambiciosa producción presentada por Buenos Aires Lirica, no brindó un saldo positivo ni desde lo vocal y menos aún desde lo visual.
Pocos Directores conocen más a Puccini que el Maestro Perusso. Como era de esperar dirigió en perfecto estilo. La orquesta le respondió en todo momento, pero se notó una falta de fuerza generalizada, que sin dudas estuvo determinada por la necesidad de una orquesta más amplia, llegando en el célebre  “Intermezzo” al punto más emotivo de la lavada versión.
La soprano chilena Macarena Valenzuela tiene un físico apropiado para el rol, es desenvuelta como actriz y ya le henos visto aquí valiosos trabajos. Es una soprano lírica con un importante volumen, cantó sin problemas técnicos visibles, tal vez algunos agudos algo tirantes, pero su voz no es la más adecuada para el rol, que exige una soprano spinto, esto generó poco audible su registro central y grave. No creo además, que su temperamento, algo distante, sea el más adecuado para el rol. Por eso no lució en un momento clave, el aria “Sola, perduta, abbandonata”.
El tenor Eric Herrero, quien ya fue visto en Buenos Aires, mostró sensibles mejoras en la parte actoral. Su voz, de hermoso timbre, mostró un registro desparejo con gran facilidad en la zona aguda. En un momento clave para su difícil rol, “Pazzo son!” un leve traspié en la zona aguda hizo pasar casi desapercibido un momento cumbre de su rol. Por el contrario de Valenzuela brindó un último acto de gran emotividad, mostrándose realmente conmovido.
Ernesto Bauer mostro un buen nivel vocal y actoral, solo limitado por el volumen de su voz. De la mismo forma que el tenor, tuvo que “sufrir” los momentos generados por el Maestro Heller, obligados a salir con muy poca ropa totalmente gratuitos.
NORBERTO MARCOS  como Geronte, lució una importante voz de bajo y lució en escena pese a las limitaciones impuestas por el Director Escénico.
EL TENOR Iván Maier se lució ampliamente en los tres roles interpretados, mostrando un aumento en el volumen de su voz, impecable línea y considerable dotes de actor. Igual nivel logró el barítono ENZO ROMANO, mostrando un interesante patrimonio vocal y muy Buena adaptación a los roles adjudicados.
Correcto el resto del elenco lo mismo que el Coro dirigido por el Maestro Juan Casasbellas.
El Maestro André Heller-Lopes, de quien vimos algunas puestas realmente interesantes, no acertó esta vez. Dentro de un marco siempre bordeando lo kitch, con agregados sin sentido y cambios injustificados en la acción, es un trabajo totalmente olvidable. Y con u dudoso parecido a la puesta del Covent Garden….

Dr. Alberto Leal

CARMEN

OPERA DE GEORGES BIZET -  LIBRETTO HENRY MEILHAC Y LUDOVIC HALEVY BASADO EN LA NOVELA DE PROSPER MERIMEE
DIRECCION MUSICAL CARLOS VIEU
DIRECCION ESCENICA PABLO MARITANO
ESCENOGRAFIA –ANDREA MERCADO
ORQUESTA SINFONICA PROVINCIAL DE ROSARIO
CORO DE LA OPERA DE ROSARIO
TEATRO EL CIRCULO- ROSARIO-´PROV.DE SANTA FE

Merced a una programación inteligente, en los últimos años el TEATGRO EL CÍRCULO DE ROSARIO se ha venido afirmando como un complemento inevitable para el aficionado al arte lírico de Buenos Aires. Fue en esta sala que pudimos ver el debut como VIOLETTA  VALERY de la gran soprano JACQUELINE LIVIERI  y es en esta sala donde finalmente podemos ver ahora  a la pareja ANABAELLA CARNEVALLI – ENRIQUE FOLGER en una soberbia interpretación de los personajes centrales de esta tragedia, con una escena final de una intensidad dramática tal que será difícil de olvidar , a la cual con tribuyeron sustancialmente también el trabajo intenso con  la orquesta del Maestro CARLOS VIEU, siempre un gran creador de climas, y la marcación intensa de PABLO MARITANO un regisseur joven extremamente talentoso que cundo se aplica a interpretaran el texto y no a reescribirlo obtiene resultados fantásticos.
Carnevalli  que saltó a la fama nacional con una deslumbrante encarnación de ULRICA  en  UN BALLO IN MASCHERA precisamente en Rosario, unánimemente elogiada, es hoy por hoy junto con GUADALUPE BARRIENTOS  la gran voz de mezzo dramática de la actual generación. Dotada de una voz de extensión generosa, timbre agradable de color acontraltado, volumen  importante, es prácticamente impensable no reparar en  ella a la hora de escalar un  elenco para algunas de las obras de Verdi que exigen una mezzo de este tipo.
No ha sido ese el pensamiento del teatro Colón que hasta ahora sólo la consideró capaz de cantar la MAMMA LUCIA  en CAVALLERIA, papel normalmente asignado a mezzos que han iniciado el camino hacia el retiro. Felizmente en los últimos tiempos existe toda una serie de funciones operísticas ajenas a la iniciativa oficial, donde nos fue posible oír sus interpretaciones de varias de las mezzos dramáticas verdianas , incluyendo una soberbia  Amenris en Montevideo y una Eboli en  el Coliseo que por lo visto no fue recordada a la hora de distribuir el elenco del reciente DON CARLO en el Colón donde se prefirió traer una cantante importada que canta con los restos de una voz importante , postergando no solo a Carnevalli sino también a una mezzo que ha brindado importantes servicios al Colón inclusive can tanto precisamente Eboli en el elenco principal y que ahora para ser escalada nuevamente pero en el elenco suplente  fue sometida a la humillación de exigirle que audicionara como si nunca la hubieran oído. Por eso y por muchas otras cosas del tipo los cantantes nacionales han iniciado un movimiento que está juntando firmas para demandar que los papeles sean llenados por concurso.
Volviendo a Carnevalli, su actuación vocal y actoral en esta Carmen fue todo lo que se puede esperar de tan destacada intérprete aun cuando en el segundo aspecto en algunas escenas tuvo que enfrentar las limitaciones impuestas por una dirección escénica que eufemísticamente llamaré de “ no convencional “
Dos momentos clave de su interpretación fueron la soberbia ejecución del aria de las cartas con  sus graves profundos acontraltados, y toda la escena final donde ella, Enrique Folger y Carlos Vieu desde el foso se complotaron para crear un mágico momento de gran intensidad dramática al cual contribuyó también – y sería injusto no decirlo- la excelente marcación  de PALBO MARITANO que por lo menos en esta escena dejó de jugar al “ enfant terrible “ y sacó a lucir todo el conocimiento del arte teatral y todo el talento que nadie le discute y que esperamos lo conduzca a una gran carrera creativa una vez superada su actual etapa de adolescencia contestataria.
ENRIQUE FOLGER  no reiteró aquí su soberbia encarnación del DON JOSE en el Colón, donde escalado para el elenco B cubrió  de vergüenza al Teatro con  una actuación avasalladora imposible siquiera de ser comparada con  la mediocre actuación del tenor traído del exterior para cantar la parte. NO LA REITERÓ PORQUE LA SUPERÓ AMPLIAMENTE. –Su voz continúa sonando con especial belleza y firmeza, desde los graves extremos al extremo agudo, con  una misma coloración uniforme, parejamente oscura pero no baritonal. Su actuación revela una compenetración intelectual, anímica y conceptual con el personaje que encarna. Y ahora estamos hablando de un tenor que debutó y triunfó como Otello  (en Montevideo, como se comenta humorísticamente con el auspicio de BUQUEBUS dada la cantidad de argentinos que cruzaron el Estuario para oírlo, incluyendo nuestro Director el Dr. Alberto Leal, que seguramente debe estar en este momento odiándome y planeando dimitirme porque por razones de Agenda él no pudo venir a Rosario y  ver esta CARMEN como yo). Esto le da una perspectiva aún más rica para  encarar el personaje.
Esta vibrante escena final magníficamente cantada y actuada de por sí solo justifica toda la incomodidad (muy relativa) de trasladarse hasta Rosario para verla.
Hubo además otros Aspectos destacables. En primer lugar la muy buena MICAELA  de  IVANA LEDESMA con  una bonita, potente y extensa voz de soprano lírica y una buena actuación que seguramente irá mejorando a medida que gane mayor confianza en este rubro.
Un fantástico desempeño visual y vocal del CORO DE NIÑOS,   que hizo lamentar aún más que se eliminara su actuación en el primer acto dejándola en manos del coro femenino, todo un síntoma de cómo ha decaído el papel de los directores musicales en la Opera, ya que antes una modificación de la partitura sólo podría ser llevada adelante pasando por sobre su cadáver.
MARIO DE SALVO fue el sólido ESCAMILLO a que nos tiene habituados a través de sus reiteradas personificaciones de este papel en diversas producciones, superando una vez más los escollos de una tesitura indefinida entre el bajo y el barítono que termina problematizando a unos y a otros.
Y hubo un más que adecuado desempeño de todos los solistas comprimarios, algunos de los cuales se vieron muy perjudicados en la proyección de sus personajes por los cortes que se practicaron al texto que consiguieron que la Opera no superara de las 2,30 horas netas de duración, un  record digno del GUINNES BOOK. Destaque para LAURA MARTINEZ como Frasquita , que dominó los concertantes con sus incisivos agudos, el agradable timbre tenoril del joven  DANIEL GOMEZ LOPEZ como Remendado  y la solidez de ANDRES NOVERO como Dancairo  dos contrabandistas  casi inexistentes en lo escénico por los cortes que se aplicaron y la notoria falta de interés del regisseur en estos dos personajes .
CARLOS VIEU  mantuvo bajo su control a todas las fuerzas bajo su orden, obteniendo un buen equilibrio foso-escena y una fuerte intensidad dramática en  los momentos cumbre.
La regie de PABLO MARITANO se propuso ser anti convencional y alteró radicalmente los actos 1 y 2 trasladados a un cabaret  con coristas semidesnudas que cantan como número de varieté la canción de los niños en el primer acto, un “ hallazgo “ que bien poco contribuyó al desarrollo dramático de la obra.
Felizmente los actos 3 y 4 fueron más serenos y sobre todo en el cuarto Maritano pareció conformarse con su papel de director, no de autor, y sacó a lucir todo el talento teatral que le reconocemos y que infelizmente a menudo queda oculto tras los desbordes de su pasión iconoclasta.
De la escenografía cuanto menos se diga, mejor.

LUIS G BAIETTI
ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD

SOLIS O SODRE ¿???

Contrariamente a lo que ocurre en Buenos Aires la presentación ESTATAL de Operas en Montevideo está dividida entre dos teatros oficiales EL TEATRO SOLIS y EL SODRE , que en realidad es un organismo que cuenta con 3 salas teatrales, la mayor de ellasla SALA FABINI del AUDITORIO ADELA RETA donde tienen lugar las representaciones de Opera , Ballet y los Conciertos Sinfonicos, y que es al que los montevideanos se refieren cuando dicen SODRE a secas sin especificar que están hablando de una de las otras dos salas NELLY GOITIÑO y HUGO BALZO, esta última ubicada en el subsuelo del Auditorio, del cual es parte.
EL TEATRO SOLIS es un Ente de la MUNICIP0ALIDAD DE MONTEVIDEO y depende de la Secretaria de –Cultura de la Municipalidad . El SODRE es un Ente del Estado Nacional Uruguayo y depende del Ministerio de Educación y Cultura del _Gobierno Nacional.
EL TEATRO SOLIS es un monumento histórico, uno de los teatros más antíguos del continente y tiene la forma clásica del teatro italiano en herradura .Disfruta de una excelente acústica pero de una pobre visibilidad dado que como ocurre en todos los teatros de este tipo 40% de los lugares tienen visión parcial o nula. Además una reciente reforma incluyó , para poder ampliar el escenario que era más pequeño aún que hoy , sin reducir la capacidad del Teatro, un estrechamiento de la distancia entre las diversas filas de la Platea lo que ha vuelto a las butacas de la platea particularmente incómodas. Ya, las butacas ( por así decirlo ) de los pisos altos son un verdadero suplicio ya que no tienen respaldo.
El AUDITORIO ADELA RETA es en cambio un edificio moderno, con un interior que guarda similitudes con el MET DE NY o EL ARGENTINO DE LA PLATA, pero que por uno de esos raros milagros que a veces se producen tiene una excelente acústica. El único problema al respecto es el foso de la orquesta que precisamente no es tan foso, dejando buena parte de los instrumentos al descubierto , lo que acentúa el peligro de que la orquesta si está en manos de algún Maestro entusiasta acabe agobiando a los cantantes.
POR QUE DOS TEATROS DE OPERA EN UNA CIUDAD DE MENOS DE 3 MILLONES DE HABITANTES ¿?
La razón es histórica. La ópera era originalmente en el teatro Solís y allí cantaron los grandes divos del pasado ( CARUSO, GIGLI, FLETA )- Pero a partir de la creación del SODRE , ente del gobierno que iba a administrar las radios estatales, la orquesta sinfónica, el cuerpo de baile y llevar adelante las temporadas de Opesra el viejo Teatro del Sodre pasó a monopolizar las temporadas oficiales de Opera, produciéndose en el Solis algunos espectáculos de opera organizados por compañías privadas. Pero el Solis quedó principalmente reservado a la COMEDIA NACIONAL URUGUAYA ( que pese a llamarse nacional es municipal ) donde brillaban en la época su directora MARGARITA XIRGU y una constelación de actores jóvenes que se formaron bajo su égida.
La situación sufrió un nuevo vuelco en 1971 cuando el SODRE se quedó sin sala por obra del incendio que la destruyó, una situación que se previó duraría unos 3 o 4 años pero que merced a la desidia de algunos de los gobiernos y la falta de recursos de algunos otros, terminó durando casi 40 años.
En algún momento durante el gobierno del ex Presidente LACALLE se pensó en abandonar la obra con el argumento de que Montevideo era una ciudad muy chica para tener dos teatros de gran porte. Pero los gobiernos posteriores ratificaron la intención de terminarlas y una gran abogada de este proceso fue la DRA.ADELA RETA que justificadamente le ha dado el nombre al Auditorio , pero que no pudo ver en vida concretado su sueño por la crisis financiera de origen externo que se abatió sobre el país durante el gobierno de JORGE BATLLE.
El Presidente TABARE VAZQAUEZ en su primera presidencia se puso como meta terminar el Teatro, y viendo que se le acababa el mandato sin alcanzarla, en la parte final de su mandato desplazó a su enérgica Ministro de Defensa para que contra viento y marea lo terminara. No lo consiguió del todo pero sí consiguió inaugurarlo en 2009 y con eso permitir que las obras fueran completadas gradualmente durante los años posteriores con el Teatro en funcionamiento. Un paso adelante importante fue la contratación del Maestro Julio Bocca que con su ballet B NS atrajo multitudes al Teatro y lo popularizó entre la población . Todo lo contrario ocurrió con la Opera, qiue fue inaugurada con DER KÁISER VON ATLANTIS, un verdadero veneno de boletería que ahuyentó a los esperanzados espectadores líricos.
La Opera ha tenido hasta ahora un destino muy modesto, pese a los efuer5zo del entuisiasta y dedicado director artístico anterior ARIEL CAZES.
Mientras , el Teatro Solís que durante el cierre de la sala del SODRE había salido a suplir la carencia haciendo mini temporadas con dos títulos por año, continuó programando sus Operas por lo que si todo hubiera corrido bien los montevideanos habrían tenido una temporada modesta pero razonable de 4 titulos por año , dos en cada uno de los teatros.
En puridad si hubiera que decidirse por una de las dos salas, pese al pasado ilustre del Solis, el Teatro de Opera debería ser el del SODRE.
En primer lugar porque tiene uno de los elementos esenciales para una temporada de Opera EL CORO, integrado por excelentes cantantes, muchos de los cuales se destacan como solistas durante la temporada y estupendamente dirigido por el maestro ESTEBAN LOUISE . El Solís careceDE CORO lo que limita su elección de repertorio.
Y en segundo lugar por las mayores comodidades que ofrece para los espectadore, con su visibilidad perfecta desde toda la sala , sus cómodas butacas y por el tamaño de su escenario, de su foso orquestal ( que es ampliable ) el tamaño del escenario y los recursos técnicos que año a año han venido siendo ampliados en gran medida gracias a la generosa colaboración de gobiernos extranjeros que han donado equipamientos de gran valor.
Pero hay limitaciones . Una de ellas es la orquesta, que cuenta con excelentes profesionales ahora bajo la dirección de un gran Maestro ( MARTIN GARCIA ) pero cuyos integrantes no son full time, en parte porque trabajan también para la orquesta de la Municipalidad y tienden a darle prioridad a esta porque es la que paga mejores salarios. Esto hace que programar las actividades del Sodre sea tarea compleja porque hay que negociar con la municipalidad porque los músicos no pueden estar en los dos lados al mismo tiempo.
Y hay limitaciones sindicales de todo tipo, nacidas de lso convenios colectivos celebrados en la época en que por carecer de sala y de presupuesto el Sodre prefería conceder en términos de flexibilidad en los horarios y sistemas de trabajo lo que no podía conceder en términos de dinero, y permitir que con esto los integrantes del Coro completaran sus magros ingresos salariales con otras ocupaciones.
En la actualidad, las temporadas del Solís han comenzado a decaer ( la última fue particularmente modesta ) por obra y gracia de los cortes presupuestales de una municipalidad que ha entrado en una seria crisis financiera.
Y las del Sodre no están consiguiendo levantar vuelo en gran medida por las mismas razones de una austeridad forzada pro las circunstancias. El BNS ha logrado sortear estos apremios con la colaboración de sponsors pero la Opera pese a tener ahora a su frente a una prestigiosa figura del arte lírico mundial , la gran mezzo uruguaya RAQUEL PIEROTTI de reconocida trayectoria en los escenarios europeos, no tiene una figura de la popularidad de Bocca para atraer inversores.
En realidad Raquel es sólo una de las integrantes de la conducción colectiva con la que se ha reemplazado la antígua Dirección Artística, un colegiado integrado por los directores de los, diversos departamentos como Bocca,García y Louise, péro ella es la que lleva la vo cantante en materia de Opera dados sus antecedentes a los cuales se suma el ser la Directora de la ESCUELA NACIONAL DE ARTE LIRICO dependiente del propio Instituto. Raquel es una mujer de modales afables pero carácter muy firme y que tiene contactos y conocimientos de sobra además de un amor sin medidas al género al cual le ha dedicado su vida, por olo que hay motivos para un moderado optimismo.
Hay un reportaje que le hiciéramos en oportunidad de su designación al frente de la ENAL que puede ser consultado en la revista OPERA IN THE WORLD.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OEPRA IN THE WORLD

UNA TRAVIATA LINDA DE VER Y CON DOS SOLIDOS ELENCOS SOLISTAS

LA TRAVIATA
OPERA DE GIUSEPPE VERDI
LIBRETTO DE FRANCESCO MARIA PIAVE
BASADO EN LA NOVELA LA DAMA DE LAS CAMELIAS DE ALEJANDRO DUMAS HIJO
Coro Nacional y Orquesta Sinfónica del Sodre
Director musical Martín García
Director escénico Rodrigo Navarrete sobre una puesta en escena original de Pablo Núñez
Dirección coral Esteban Louise
Diseño escenografía y vestuario Pablo Núñez
Diseño de luces Ricardo Castro
Asistente de dirección y stage manager Lucía Leite
Coreógrafo Martín Inthamoussú

SODRE- AUDITORIO NACIONAL ADELA RETA

Acotado por los cortes presupuestales sufridos por el SODRE  a raíz de las dificultades financieras del gobierno uruguayo, el AUDITORIO NACIONAL del SODRE  presentó este año un solo título de Opera pero al menos lo hizo en gran  nivel de calidad. Esperemos que fructifiquen las gestiones para el año próximo, sponsors privados mediante, volver a las temporadas de los últimos tiempos que eran de dos o tres títulos.
La versión fue ante todo muy linda de ver gracias a las deslumbrantes escenografías y el vestuario , cedidos por la Opera del Municipal de Chile como parte de un programa de intercambio que están llevando adelante los teatros dela zona y que ha hecho de que en el SODRE se vieran la escenografía y vestuarios argentinos del Colon del ballet Carmen y que este mes el Colón presente la producción uruguaya de LA BAYADERA.
La regie de PABLO NUÑEZ    repuesta en Montevideo por el bajo barítono chileno RODRIGO NAVARRETE      tuvo como principal virtud la sensatez y la adherencia a las inteNciones del  autor, sin pretender enmendarle la plana o injertarle mensajes que no fueron concebidos cuando creada. Al público uruguayo que acudió en  gran número a ver LA TRAVIATA se le ofreció precisamente eso qaue fue a ver : LA TRAVIATA y no alguna otra obra concebida por algun realizador genial que no se resigna a servir a Verdi.
En el plano musical el maestro MARTIN GARCIA  que hacía su debut como director de Opera demostró comprender cabalmente qué se espera de la orquesta en un espectáculo lírico : que apoye, arrope a los cantantes y cree climas y no que entre en competencia sonora con ellos.
La orquesta respondió con  un muy buen rendimiento, al que se plegó el impecable desempeño del coro , muy bien preparado por su Director ESTEBAN LOUISE .

Los 3 papeles principales tuvieron  dos intérpretes alternativos .
En el estreno la joven soprano venezolana MARIANA ORTIZ, de recordada actuación como Liu hace un par de años, deslumbró con una bellísima voz de soprano lírico ligera , y con  un uso dramático y generoso de los pianísimos que trajeron  el recuerdo de MARIA BORGES  la gran diva local que sobresalía precisamente en LA TRAVIATA y dejó un recuerdo imborrable. Supo además sortear con soltura las exigencias de las notas graves que son un poco excesivas para su voz actual, y se lució toda vez que pudo explotar su rutilante registro agudo interpolando un DO al final de AH FORSE E LUI y el famoso MI BEMOL al final de la SEMPRE LIBERA. Dueña de una figura de particular belleza tuvo un muy buen desempeño como actriz, redondeando entonces una interpretación completamente satisfactoria.

En el elenco alternativo la soprano local SANDRA SILVERA produjo una interpretación memorable.  Dueña de una rica voz de lirico spinta que recientemente luciera en IL TROVATORE, tiene un registro central y grave de particular solidez , que le permitió lucirse especialmente en todo el segundo acto. Pero domina además la coloratura , que fue en todo momento impecable y lució bellísimos pianísimos. Actoralmente dejó la imrfpewsióin de tener quizás una más limitada presencia escénica con algunos titubeos en los movimientos como si no los tuviera suficientemente ensayados, pero en compensación dio una sentidísima version en todo momento conmovedora. Gran actuación

DARIO SCHMUCNK a quiees un poco difícil visualizar como el inexperiente mozalbete que protagoniza la Opera., supo darle actoralmente toda la juventud y el apasionamiento que la obra pide y en el canto dio una verdadera lección de bel canto en una ejecuión con sutilezas camarísticas.

JUAN CARLOS VALLS dotado de una voz privilegiada, absolutamente seguro en ambos extremos de la partitura, y con un volumen vocal significativo, sorprendió colocando algunos pianísimos que no son usualmente un recurso que él favorezca.Su actuación que tuvo momentos de impacto como su  magnífico DO  agudo al final de la caballetta, se resintió de falta de delicadeza tanto en lo vocal como en lo actoral.

DARIO SOLARI,  barítono uruguayo con  carrera destacada en Europa y EEUU hizo un Germont sobrio, contenido y con una delicada línea de canto.  El barítono alternativo FEDERICO SANGUINETTI , con alguna incomodidad pasajera por obra y gracia de una inoportuma flema, lució un impactante registro agudo, interpolando al final del segundo acto un  SI  agudo que fue motivo de controversias. Interpretativamente compuso magníficamente a su personaje, un hombre que llega cargado de odio y desprecio a la reunión con Violetta y que escucha todo lo que ella dice con el aire de estar atento exclusivamente a que resultado tendrá de su entrevista con ella.

En los papeles comprimarios tuvieron buenos desempeños destacados valores locales como SANDRA SCORZA,  ANDRES PRESNO, NICOLAS ZECCHI, ALFONSO MUJICA ,MARCELO OTEGUI Y MUY ESPECIALMENTE JULIA ARAUJO  en el papel de Annina.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

MACBETH
EL OTRO ELENCO

Es realmente una lástima que la decisión del Teatro Colón de convertir la segunda función extraordinaria en una función cerrada para clientes de un determinado Banco, haya privado  de ver esta versión alternativa a los espectadores comunes que a través de los impuestos que pagan a la municipalidad son los principales sponsors del Teatro.
Y es lamentable porque la versión se sostuvo con valores propios y en algún caso aportó elementos ausentes en la versión ofrecida en las funciones de abono.
La principal responsable de esto último fue EIKO SENDA, que por oposición a la soprano contratada en el exterior demostró tener la voz del papel y poder enfrentar sin temores todas las exigencias de una partitura cruel, por sus exigencias múltiples : graves, agudos, coloratura, volumen vocal, pianísimos. Senda tuvo un desempeño vocal destacadísimo cumpliendo con  total dominio en todos los rubros. Se lució especialmente en el aria inicial, en LA LUCE LANGUE donde hizo oír claramente las notas graves que Verdi pensó para el papel, en el brindis donde no tuvo que acortar los agudos por no poder sostenerlos, en los concertantes por el volumen natural sin forzar de su voz, y principalmente en el aria del sonambulismo de lejos lo que mejor cantó en toda la noche donde hizo contrastar tenues pianísimos con  un  poderoso registro grave acontraltado que dio gran tensión dramática a esta parte culminante de la partitura. Senda no es una actriz consumada como su colega, pero se desempeñó con  solvencia y entrega, y pienso que de haber podido contar con la preparación necesariamente más intensa que se le dedica al elenco principal tanto en lo musical como en lo escénico hubiera podido pulir aun más  su actuación que de muy buena  hubiera pasado a ser memorable. No se entiende por qué teniendo tan cerca a una soprano de este porte  (y teniendo además a Ferracani que estaba originalmente contratada para este elenco y tuvo que renuncia problemas  de salud, felizmente superados) el Colón salió a buscar lejos y en euros y no consiguió contratar más que a alguien que debutaba la parte, y venía a probarse, con resultados por decirlo amablemente más bien modestos. Y conviene recordar que el gran triunfador de la versión de estreno, FABIAN VELOZ, no era parte de la partida si se hubieran mantenido las intenciones originales del Teatro. Esto se acerca peligrosamente al concepto de mal uso de los recursos públicos que en estas épocas de crisis más escasean que sobran. Entiéndase bien: no soy chauvinista y no pienso que el Colón deba cerrarse a los cantantes extranjeros. Todo lo contrario. –Quiero volver a ver las grandes figuras de la lírica como antes se veían  en nuestro Teatro y como ahora se están viendo en Chile. Pero no quiero que me vendan gato por liebre y me hagan ver integrantes del elenco B o C de los teatros de provincias del primer mundo. Felizmente los rumores sobre las temporadas futuras parecen indicar que alguien lo ha entendido y que el Colón vuelve a contratar con ambición de ofrecer calidad, si es que los contratos se mantienen hasta el día del estreno, que es el otro problema.
Por último no puedo dejar de tener una sospecha que en el mundo lírico actual tiene sentido. La contratación  de una soprano que no puede cantar más que tolerablemente  la parte por carecer de los recursos exigidos, pero que es una gran actriz, no estará evidenciando la supremacía en las decisiones de quienes cuidan del costado escénico por sobre quienes cuidan del costado musical ¿?
DOUGLAS HAHN, el nuevo Macbeth, no tiene una voz de un volumen importante, ni con un color particularmente atrayente  pero cumplió cabalmente con la parte que cantó con  musicalidad y a la cual sirvió con entrega emotiva y excelentes condiciones de actor.
HOMERO PEREZ MIRANDA más bajo-barítono que bajo en sentido estricto, previsiblemente se lució más en la zona aguda que en los graves, bien resueltos pero poco sonoros.  Como actor estuvo muy convincente.
Ya lo dije en el primer elenco pero el coro y la orquesta con  una dirección magistral de STEFANO RANZANI tuvieron una noche de gran nivel.
Y LOPEZ MANZITTI  reiteró su refinada y sentida actuación ( ayer reparé en la forma excelente en que como actor resuelve su sorpresa, incredulidad e indignación finales ante la traición del Rey que ha ayudado a coronar, una de las buenas ideas de Lombardero. )
Y un lujo asiático contar con dos voces de la categoría de IVAN GARCIA y ROCIO GIORDANO  en la escena del sonambulismo. Ella además vino a confirmar mi hipótesis de que se trata de una voz que pide roles más pesados por el bello timbre pero fundamentalmente  por la forma en que se lució en el concertante final del acto haciéndose oír por encima del coro y –al menos en la función de abono- de la soprano principal.

Luis B. Baietti
Exclusivo para Opera in the world

MACBETH

OPERA DE GIUSEPPE VERDI
LIBRETTO –FRANCESCO MARIA PIAVE  BASADO EN LA TRAGEDIA DE WILLIAM SHAKESPEARE
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TATRO COLON
DIRECCION MUSICAL-STEFANO RANZANI
DIRECCION  DEL CORO MIGUEL MARTINEZ
DIERECCION  ESCENICA  MARCELO LOMBARDERO
ESCENOGRAFIA Y PROYECCIONES- DIEGO SILIANO
VESTUARIO LUCIANA GUTMAN
ILUMINACION – HORACIO EFRON
TEATRO COLON- FUNCION DEL ABONO VESPERTINO

Desde su juventud Verdi se sintió atraído por las obras de Shakespeare y concibió la idea de componer alguna Opera con base en ellas. Logró hacerlo en 3 oportunidades, y dos de ellas son obras maestras del Verdi maduro. OTELLO Y FALSTAFF. Una cuarta, infelizmente, no salió del papel (EL REY LEAR ) y sólo conocemos algunos fragmentos compuestos para ella, que fueron aprovechados en LA FORZA DEL DESTINO.
La tercera es este Macbeth que está siendo representado por el Teatro Colón. Es un poco engañoso considerar a Macbeth como una obra de la juventud de Verdi porque si bien la compuso a los 34 años cuando aún no había compuesto la mayor cantidad de sus obras más maduras (es su 10ª. Opera) también es cierto que la revió a la edad de 52 cuando ya tenía un claro dominio del oficio, cuando ya había estrenado sus tres Operas más populares y ya había compuesto una obra de transición hacia su período más maduro, como UN BALLO IN MASCHERA. Me pregunto qué hubiera llegado a hacer BELLINI y como habría recompuesto sus títulos más imperfectos  si la vida le  hubiera permitido llegar a su madurez.
Toda la atención previa sobre la versión a presentar por el Teatro Colón se centraba en la puesta en escena que crearía MARCELO LOMBARDERO su director escénico, siguiendo la tendencia mundial de que las regies cuenten más que la dirección musical que antes era el centro de las versiones.
La dirección escénica de Lombardero está a la altura de sus antecedentes que son brillantes, con varias puestas que pueden ser consideradas obras maestras (WOZZECK., LA FANCIULLA DEL WEST, LADY MACBETH DE MTSENK y  sobre todo TRISTAN E ISOLDA. Lombardero maneja magníficamente las herramientas de la escenificación, habiendo logrado en colaboración estrecha con  su escenógrafo DIEGO SILIANO una fusión total de la realidad virtual de las proyecciones con la realidad física con un alto punto en la escena de la estación que sustituye a la frondosa selva donde Banquo es asesinado, un control absoluto sobre los grandes conjuntos en las escenas de masas y una estupenda dirección de actores que obtuvo de varios de los intérpretes actuaciones que figuran entre lo mejor que cada uno de ellos ha hecho en su carrera. Naturalmente esto se potencia en el caso de la soprano CHIARA TAIGI que es una notable actriz dotada además de un físico privilegiado.
A diferencia de otros directores modernistas  ( yo diría que la mayoría) que buscan deliberadamente el escándalo , la controversia y el abucheo como un forma de auto promocionarse, Lombardero tiene ideas a trasmitir y lo hace con elocuencia, teniendo hasta la sutileza de habiendo decidido alterar en 180 grados el final previsto por Verdi y Shakespeare que es el triunfo del pueblo sobre el tirano por un final más amargo que nos muestra al nuevo Rey reiterando la represión y la crueldad contra su pueblo, lo hace sin  violentar la música de Verdi para el final que es triunfal, mediante el arbitrio de hacer que la traición del nuevo rey a su hombre de confianza ocurra durante los acordes finales, ya apagados los ecos del coro de victoria. Otro toque mágico de Lombardero es haber mantenido el aria final de MACBETH de la primera versión, la bella y expresiva MAL PER ME, que hubiera sido una crueldad negársela a Veloz, pero corrigiendo la forma en que fue concebida, con un Macbeth ya herido de muerte, lo que la rinde inverosímil, presentarla como una reflexión de Macbeth  mientras aguarda ser fusilado por sus captores.
No abdico de mi preferencia por las puestas que respetan integralmente la forma en que fueron concebidas por sus autores pero si tengo que ver una versión modernizada (y aparentemente no habrá otra opción en el Teatro Colon) prefiero que al menos sea hecha con este tipo de talento.
Es verdad que en el fondo este tipo de  puesta que aparece como inventiva frente a la rutina, termina siendo rutinaria a su vez., porque se nos está mostrando repetidamente el mismo universo desolado, poblado de luchas, ruinas  y de militares furiosamente armados. Y así nos resultará difícil distinguir la diferencia entre MACBETH y PARSIFAL que tendrán una estética muy similar y tendremos la sensación de estar viendo una y otra vez la misma Opera.
Musicalmente fue una versión de alto nivel, curiosamente con la excepción de los cantantes importados, y no lo digo por falso patriotismo.
Gran trabajo de dirección musical de STEFANO RANZANI que no por casualidad  es uno de los grandes directores del momento con activa participación en las temporadas de los teatros líricos de primer nivel mundial.  Contó para ello con  una excelente participación del Coro y la Orquesta estable que han reconquistado hace ya un tiempo el nivel de calidad que los caracterizara.
Gran labor protagónica de FABIAN VELOZ seguro vocalmente con t oda la fuerza y la extensión que lo caracterizan, pero además con un uso generoso de los pianísimos y una descollante presencia escénica. Irrita pensar que estuvimos a punto de no verlo si el Colón hubiera llevado adelante su anunciado propósito inicial de traer un barítono mexicano para la parte. Magnífico como siempre GUSTAVO LOPEZ MANZITTI con una bella ejecución del aria  AH LA PATERNA MANO que es una de las más bonitas que Verdi haya escrito para su cuerda. Y solidas actuaciones de ROCIO GIORDANO e IVAN GARCIA  en los papeles complementarios.
Correcto el Banquo de ALEKSANDER TELIGA, con una sólida voz de bajo y una actuación más bien anodina, una contratación más bien propia de un Teatro que tiene exceso de dólares y no sabe en qué gastarlos.
No hay muchas sopranos que se hayan atrevido a encarar la LADY MACBETH y menos aún que lo hayan encarado con éxito. El papel tiene exigencias vocales terribles, desde notas extremas agudas y principalmente graves, saltos bruscos de un extremo a otro, coloratura, necesidad de cantar piano en algunas escenas como la del sonambulismo (rematada para peor con un dificilísimo agudo piano final)    o canta a todo volumen para sobreponerse a la masa orquestal y coral en un par de comprometidos concertantes de fin de acto.  Y, claro está, exigencias interpretativas inusuales que no están al alcance de una cantante que no sea a la vez un gran actriz.
CHIARA TAIGI no tiene todas las características requeridas. Es ante todo una fenomenal actriz, imposible negarlo y tiene una seductora presencia femenina que le viene muy bien al personaje. Vocalmente tiene todo el arrojo requerido para embarcarse en las sucesivas dificultades del papel y salir airosa en varias de ellas- Tiene carencias en ambos extremas de la partitura. Agudos estridentes cuando no calantes, graves poco audibles a los que a veces llega trabajosamente, a los que supo poner el pecho con valentía. Diría que logró una honesta, decorosa aproximación que mantuvo presente al personaje  si bien no logró brillar ni justificar el gasto que representó contratarla en el exterior habiendo algunas alternativas  locales para encarar el papel con por lo menos similares posibilidades. No es casual que se estén juntando firmas pidiendo concursos y jurados  para efectuar los castings.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

TOSCA – SEGUNDO ELENCO

No sucede con frecuencia que el Sr. Baietti y yo estemos presentes en la misma función. Ello es fruto de la política que está siguiendo nuestra revista de comentar no sólo el elenco del estreno de sino también los elencos alternativos, algo en el cual somos pioneros y que no llegan a hacer los medios más poderosos que cuentan con recursos de los que nosotros carecemos.

Implícitamente el acuerdo ha sido que yo cubra el elenco de los estrenos y Luis el elenco alternativo. Pero como tanto Luis como yo somos amantes rendidos de la Opera y gustamos ambos seguir la carrera de nuestros cantantes locales, ha ocurrido en más de una oportunidad que de hecho yo vea la función del elenco alternativo que no habré de comentar y que Luis haga lo propio con la del elenco del estreno que él no habrá de comentar. Y en estos casos también intentamos lograr que nuestras visiones se complementen. Luis no es, como yo, un profesional formado en las artes musicales y la técnica de canto. _Es un hombre esencialmente intuitivo que ha visto mucha ópera pero también mucho teatro. Y una de las razones de mi decisión de incorporarlo al staff de la revista ha sido precisamente recibir de él el aporte enriquecedor de una visión menos centrada en los aspectos técnicos musicales y más centrada en los aspectos teatrales, para lo cual Luis suele ubicarse en un lugar de privilegio para ver la función de teatro que es en el fondo toda función de ópera, y yo escoja la ubicación más favorable a la audición de los aspectos musicales. Es por eso que aún estando en la misma función nunca estamos uno al lado del otro en el Teatro habiendo varias filas de la platea entre nosotros dos. Y es curioso que dadas las diferencias de formación a las que se suman las diferencias de ubicación hayamos tenido casi siempre coincidencias tan claras , que nos llamaron a ambos la atención cuando aún no nos conocíamos ni soñábamos con algún día trabajar juntos, coincidencias que también fueron un factor determinante a la hora de elegirlo como colaborador para la Revista, ya que un órgano como el nuestro no puede tener oficialismo y oposición como si fuera un órgano donde trabajan multitudes.

Es por eso que esta función en la que Luis y yo hemos visto la Tosca del elenco alternativo sentados uno junto al otro en la platea haya sido una ocasión excepcional , que felizmente se dio que fuera también una función excepcional, como pocas hemos visto en el Teatro Colón de los últimos tiempos y en otros teatros del mundo , donde todo pareció confabularse para que alcanzara un nivel histórico cercano a la perfección y se produjera un clima que parecía indicar la presencia de algún valor extrateatral como la presencia del espíritu de Puccini o quizás del gran maestro homenajeado con estas funciones, el gran realizador ROBERTO OSWALD a quien tanto le debe el Teatro o quizás el espíritu de CARLOS PALACIOS, valioso colaborador que el Teatro perdió en la mañana del día de ayer y que fue debidamente homenajeado con un emotivo minuto de silencio con el público todo en pie, antes de dar inicio a la función.

Es por eso que he decidido que en esta oportunidad el comentario sea un comentario conjunto escrito a cuatro manos por mí y por el Cr. Baietti que somos conjuntamente los autores de la nota que reproduzco a continuación.

UNA FUNCION HISTORICA

Pocas veces el Teatro Colón nos ha brindado en los últimos tiempos una versión de gran vuelo artístico como la que nos fue dado presenciar en la noche del Martes. Una función en primer lugar de gran factura musical, pero también con una intensa teatralidad sin la cual el texto de Puccini no puede funcionar porque es de las óperas más teatrales que jamás se hayan escrito, una ópera donde más allá de los constantes logros melódicos que uno puede esperar de un genio como Puccini, hay una decisión de poner integralmente la música al servicio del texto teatral, redimiendo lo que no deja de ser un melodrama convencional, y elevándolo a la categoría de una obra maestra., Momentos sublimes como el deslumbrante Tedeum que cierra el primer acto, todo el crescendo emocional del segundo acto, que bien cantado y bien actuado llega a ser agobiante, y la excelente dramatización del final que con suprema inteligencia Puccini ha hecho que fuera precedido por un fragmento elegíaco , con el amanecer y el canto inocente de un pastor, para permitir que se disipe el clima de tensión creado en el acto anterior y permitirnos sumergirnos en la escena de dolor que nos espera en el final de la obra. No hay muchas óperas tan bien escritas y por algo ha sido y es una favorita de todos los tiempos, una favorita que continúa confirmando su atracción sobre el público como lo prueban los llenos totales obtenidos aún en las funciones extraordinarias que no contaban con el gancho de los famosos artistas extranjeros, y que seguramente hubiera agotado localidades en varias funciones más si el Teatro hubiera tenido el tino de ofrecerlas. Una ratificación además de que la Opera no está muriendo y que cuando un gran texto es presentado por artistas inteligentes y sensibles con el debido respeto a las intenciones del autor, el público responde y además corona los esfuerzos con las notables ovaciones que marcaron el final de esta función, que tuvo varias actuaciones consagratorias dignas de cualquier teatro lírico en el mundo.

Aparte del elenco del cual hablaremos a continuación dos factores fueron esenciales en este importante logro que nos hace recordar con nostalgia las épocas en que el Colón producía maravillas como esta en varias de sus funciones de abono, que el público llegó a considerar normal y rutinario que así fuera.

En primer lugar la fantástica escenografía de ROBERTO OSWALD con una mágica recreación de los los ambientes que enmarcan la tragedia. Una escenografía que sabe ser suntuosa y detallista ( baste ver los techos del Palazzo Farnese en el segundo acto ), una escenografía que no es además exageradamente costosa ya que se ha recurrido a un inteligente uso de las gigantografías y las proyecciones que, contrariamente a lo que algunos espectadores desavisados piensan, no son una invención de los registas modernistas sino que ya eran conocidas y utilizadas con gran talento por quien fue uno de los mayores realizadores que hayan puesto sus pies en el escenario del Teatro. Una escenografía que debería ser conservada y presentada en las sucesivas reposiciones de la obra, que esta función demuestra pueden ser logradas en grado superlativo de calidad sin recurrir a costosas contrataciones de cantantes extranjeros, sólo con los elementos que tenemos a mano, reposiciones que el público vería de muy buen grado por ser una de las óperas más populares de todos los tiempos y que lamentablemente tememos no podremos ver en los próximos años con la frecuencia que quisiéramos dada la orientación que se busca darle al Teatro privilegiando los textos de la OPERA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA, que acaparan la atención de las actuales autoridades del Teatro.

El segundo elemento fue la excelente dirección de CARLOS VIEU que condujo a la orquesta con el delicado instinto de un orfebre , haciendo sonar todos los diversos colores que Puccini magistralmente ha incluido en su paleta musical, ha sabido darle tensión dramática impulsando con firmeza el drama, pero también dando oportunidad a respirar a los cantantes permitiendo en algunos momentos que luzcan las características de su vocalidad – Vieu se regodeó con el sonido de una de las mejores orquestas del mundo rindiendo aquí al nivel de su valía, y con el desempeño del coro con muy especial destaque para el glorioso coro infantil que actuó y cantó con mágica belleza. Pero supo también respetar el trabajo de los intérpretes en el palco escénico. Claro que Vieu a veces propone un sonido orquestal que pone a prueba el caudal vocal de sus cantantes, pero aquí nada tenía que temer porque contaba con el elenco apropiado.

Y QUE ELENCO ¡! El Colón vuelve otra vez a producir un elenco alternativo que hace palidecer en la comparación al elenco al elenco importado (esto no lo vio Luis, que vio la función de las cancelaciones pero si Alberto que vio el elenco importado completo) como ya ocurriera recientemente en títulos como CARMEN, MADAMA BUTTERFLY.

ENRIQUE FOLGER en primer lugar por un deslumbrante trabajo vocal, que corresponde a alguien que tiene el registro vocal adecuado para la parte y no tiene temor alguno con ninguna de sus exigencias, llegando a momentos de gran lucimiento como tenor spinto en los momentos de fuerza (LA VITA MI COSTASE , VITTORIA VITTORIA , este último un calderón impresionante por su duración pero también por la seguridad y belleza de la nota aguda ), pero que también sabe sacar a lucir un tierno lirismo en los momentos en que ello es requerido y colocar algunos conmovedores pianísimos. –Folger es además un actor consumado que por otra parte se entrega con sangre y fuego a las partes que interpreta. Fue en suma un Cavaradossi magnífico de ver y oír que debiera estar siendo visto y oído en los principales teatros del mundo y que sólo no lo es por la para nosotros inexplicable decisión del intérprete de no proseguir su carrera allende al mar, decisión de la cual nos alegramos por puro egoísmo porque seguiremos viendo interpretaciones notables, si bien ya estaría llegando la hora de que el Colón despertase y viese el material que tiene entre manos y dejara de considerarlo un sustituto adecuado para el cantante original, que no siempre es un intérprete del prestigio bien ganado que tiene el titular de esta Tosca.

FABIAN VELOZ es por lejos la voz más importante en su cuerda que la lírica argentina ha producido en los últimos años. Desde que comenzó su creciente carrera internacional, además ha venido limando sus recursos interpretativitos y estos aunados al poderío de un órgano vocal que le permitió entre otras cosas hacerse oír con generosidad en medio del ultra sonoro TE DEUM en el cual _Vieu no tuvo piedad porque sabía lo que tenía en escena, produjo una interpretación notable de un Scarpia recostado en su lado brutal y violento que debería también ser vista en los principales teatros del mundo.

Lo de EIKO SENDA es próximo al milagro. Una cantante que siempre fue muy apreciada por sus características vocales que le han permitido brillar por ejemplo en la reciente ISOLDA del Teatro Argentino, no se la asociaba hasta ahora con un desempeño interpretativo y actoral de la emotividad alcanzada en esta Tosca total encarnada con gran convicción dramática, con momentos de angustiante dramatismo como toda la escena desde que da el si a Scarpia hasta que lo mata, vivida con un constante temblor que sacudió todo su cuerpo y que fue realmente angustiante. Una actriz totalmente entregada y en control dramático de la situación . Pero con una voz a la altura, donde no hubo una sola nota estridente ( y vaya si el enfrentamiento con Scarpia produce oportunidades usualmente bien aprovechadas por las sopranos para producir estridencias ) Su voz resplandeció en los agudos ( hasta el IO QUELLA LAMA fue cantado y no gritado ) sonó amplia en los graves ( consiguió hacer que se oyera el OR GLI PERDONO! usualmente cubierto por la orquesta ) y administró inteligentemente su registro central que es la zona menos sonora de su voz. Habrá que revisar conceptos sobre esta soprano doblemente oriental (por japonesa, por uruguaya) y exigirle en consecuencia de aquí en más. Y pronto tendremos una oportunidad ya que ha sido contratada para cantar el elenco alternativo de MACBETH que ya encaró con grandes elogios en el Teatro Solís bajo la dirección de Vieu y que esperamos repita aquí en el Colón en la medida en que la regie lo permita.

Como cuando algo debe salir perfecto todo se confabula para que así lo sea, hubo un parejo desempeño de gran calidad en las partes complementarias, con muy especial destaque para el Angelotti de EMILIANO BULACIOS, una sonora voz de bajo que está pidiendo compromisos más demandantes.

AL - LGB

TOSCA

ÓPERA EN TRES ACTOS (1900)
MÚSICA DE GIACOMO PUCCINI
LIBRETO DE LUIGI ILLICA Y GIUSEPPE GIACOSA
BASADO EN LA PIEZA HOMÓNIMA DE VICTORIEN SARDOU
PRODUCCIÓN TEATRO COLÓN
HOMENAJE AL MAESTRO ROBERTO OSWALD

DIRECTOR MUSICAL: Carlos Vieu
CONCEPCIÓN ESCÉNICA, DISEÑO
DE ESCENOGRAFÍA Y DE ILUMINACIÓN: Roberto Oswald
DIRECTOR DE ESCENA: Aníbal Lápiz
ESCENÓGRAFO ASOCIADO: Christian Prego
REPOSICIÓN DE ILUMINACIÓN: Rubén Conde
DISEÑO DE VESTUARIO: Aníbal Lápiz

INTÉRPRETES
FLORIA TOSCA: Eva-María Westbroek
MARIO CAVARADOSSI: Marcelo Álvarez
BARON SCARPIA: Vissi d'arte
SACRISTÁN: Luis Gaeta
y elenco

"ESTUPENDA EN LO VISUAL Y DESPAREJA EN LO VOCAL"
Sin dudas esta versión de “Tosca” era de lo más esperado para los amantes de la opera, en una temporada no proclive a los clásicos operísticos. La reposición de la magnífica escenografía del Maestro Oswald ( que esta vez fue un homenaje más que merecido, complementada con el siempre excelente vestuario de Aníbal Lápiz (que cuesta entender porque el Teatro Colón no lo contrata con más asiduidad, ya que es sin dudas uno de los mejores vestuaristas locales), complementado con la presencia luego de muchos años del tenor argentino, de gran carrera internacional, Marcelo Alvarez y la presencia de la afamada soprano Eva-María Westbroek, hacían presagiar una serie de funciones con éxito descontado.
La realidad mostró otra cosa….
Con la excelente dirección del Maestro Vieu, siempre en estilo y acompañado de la Orquesta en un gran trabajo, solo es de lamentar que por momentos la relación foso y escenario no lograron un acuerdo y por momentos, las escenas de Carlos Álvarez y algunos pianísimos de Marcelo Alvarez fueran tapados por la orquesta.
Poco se puede agregar de la hermosa escenografía del Maestro Oswald, es un trabajo de profunda belleza y que el Colon (como lo hacen la mayoría de los grandes teatros del mundo) tendría que mantener porque es absolutamente un Clásico, y los clásicos no tiene ni edad ni moda.
Desde el punto de vista vocal, la estrella indiscutida fue Marcelo Alvarez. Canta con una técnica perfecta, su voz mantiene el hermoso timbre que le conocimos, aunque con un volumen no muy importante. Por momentos pareció más preocupado por su canto que por su personaje. Es un excelente actor pero no corre riesgos vocales, algo que fue claro en su “Vittoria, Vittoria”. De todas formas su prestación fue lo mejor desde el punto de vista vocal.
Eva-María Westbroek, de gran prestigio internacional, ya no está en su mejor momento vocal. Mi duda es, porque se la contrató para Tosca, rol que no asume en los últimos 20 años? Su importante voz lució despareja, con agudos ora gritados o velados. Mostró no tener en claro la sicología de su personaje y su “Vissi d'arte” no tuvo emoción y fue cantado con muy poca sutileza. Es una reconocida cantante a nivel mundial en un título que no es para ella y en un momento vocal que tampoco la ayuda. Sería bueno verla en un rol Wagneriano que es su fuerte.
El barítono español Carlos Alvarez no posee ni el peso vocal ni el temperamento para Scarpia. Su canto fue siempre correcto, ayudado además por su presencia. Pero fue inaudible en el “Te Deum” y poco aportó en el segundo acto, perjudicado además por una marcación muy poco sutil.
Un placer ver a Luis Gaeta como Sacristán y correcto el resto del elenco, con un muy buen trabajo del Coro en el primer acto.
De todas formas es una TOSCA que debe verse por el espléndido marco visual, por ver nuevamente a Marcelo Alvarez, luego de tanto años de ausencia y porque es de los pocos títulos de repertorio que brinda el Teatro Colón en la presente temporada.

Alberto Leal

Orfeo & Euridice
Juventus Lyrica- Temporada 2016
Teatro Avenida 19/8/2016

Música de Christoph W. Gluck. Libreto de Raniero de’ Calzabigi
Estrenada en el Burgtheater de Viena, 1762. Editor: Alkor-Edition GmbH (versión 1762). Publicado por Anna Amalie Abert y Ludwig Finscher (Gluck. Sämtliche Werke)

Dramaturgia, adaptación sobre textos órficos y otros escritos sobre el mito de Orfeo: María Jaunarena
Dirección musical: Hernán Schvartzman
Dirección escénica: María Jaunarena
Dirección del coro de Juventus Lyrica: Hernan Sanchez Arteaga
 
Elenco:
ORFEO: Martin Oro
EURIDICE: Maria Goso 
AMOR: Victoria Gaeta  
INTELECTUAL 1- CARONTE: Oreste Valente
INTELECTUAL 2 - MEDICO: Carlos Kaspar;
MADRE - ENFERMERA: Cristina Ferrajoli
MUJER 1; Laura D'Anna ; MUJER 2: Marbella Alejandra Gil Aldana; Hombre 1: Giorgio Zamboni 
HOMBRE 2: Jeferson José Quipo Urdaneta ; ORFEO NIÑO: Eliseo Bossi

Personalmente no estoy de acuerdo con agregar personajes y/o textos a grandes obras históricas. Orfeo & Euridice estrenada en 1762 marca un punto más que importante en el mundo de la opera. Gluck ha tratado con sencillez volcar los grandes dramas griegos. No propone un virtuosismo vocal, y aunque fue modificada por él mismo, adaptándola al gusto francés, el espíritu de la misma nunca cambió.
María Jaunarena realizó un importante trabajo de investigación, agregándole textos y personajes no imaginados por el autor, además de presentarla en la época actual. El drama no pierde potencia con estos cambios, pero por momentos está totalmente lejos de Gluck y algunas situaciones resultan risibles. Una lástima ya que hemos visto excelentes trabajos de esta directora.
Excelente desde el punto de vista vocal y musical, logran no ser opacados por la caprichosa puesta.
Hernán Schvartzman es un excelente Director de Orquesta de quien vimos, entre otras cosas, un estupenda “Medea”. Con un trabajo impecable, siempre en estilo y con una orquesta que le respondió constantemente – a pesar de algunas leves desafinaciones – generaron un trabajo de excelencia.
Maria Gozo, mucho más cómoda aquí que en “La Viuda Alegre” mostró una perfecta línea de canto, su hermoso timbre e importante volumen, además de generar un nivel dramático notable. Gran trabajo.
Victoria Gaeta  como el Amor brindó una de sus mejores trabajos. Excelente en lo vocal, demostró notables dotes de actriz. Encantadora prestación.
El Contratenor Martin Oro, de notable carrera en Europa,
mostró una notable resistencia en un papel que no sale de escena nunca. Su voz tiene un hermoso timbre y suficiente volumen. Solo es de lamentar sus graves abaritonados y la falta de un registro parejo en toda su extensión. De todas formas su trabajo fue de una fuerte intensidad y dramatismo.
Excelentes el trabajo del Coro de Juventus Lyrica.
Una versión de excelencia vocal y musical y una puesta para los que gustan de versiones poco ortodoxas y que no le afecten los cambios efectuados a la obra.

Dr. Alberto Leal

ERNANI

OPERA DEGIUSEPPE VERDI CON  LIBRETTO DE JOSE MARIA PIAVE
BASADA EN LA OBRA TEATRAL H0MONIMA DE VICTOR HUGO
DIRECCION MUSICAL JUAN CASASBELLAS
DIRECCION ESCENICA  CRYSTAL MANICH
ESCENOGRAFIA- NOELIA GONZALEZ SVOBODA
VESTUARIO- MARIA EMILIA TAMBUTTI
ILUMINACION-RUBEN CONDE
CORO DE BUENOS AIRES LIRICA
ORQUESTA AD HOC
 BUENOS AIRES LIRICA
TEATRO AVENIDA

La defección de los Teatros oficiales, que han decidido especializarse en títulos del siglo 20, en desmedro del repertorio tradicional operístico, ha depositado en manos de las Compañías privadas una acrecentada responsabilidad, ya que son ahora las únicas que pueden hacernos llegar estos títulos del repertorio clásico como este joven Verdi, que no figura en el repertorio del Teatro Colón desde  hace 52 años y que no recuerdo que haya sido representada en el Teatro Argentino desde que yo tengo uso de razón (que no es poco tiempo) .Pero que felizmente ha sido montado ya otras 2 veces en los últimos 15 años fuera del ámbito oficial.
Y es una suerte que hayamos podido ver este título, que no es el Verdi maduro (es su quinta Opera) pero que es indudablemente Verdi y exhibe ya todo el genio que hará de él el mayor exponente de la Opera italiana, un título que a juzgar por lo que vienen produciendo los compositores más modernos no corre el riesgo de perder en los próximos años. Y de paso para aliviar un poco el síndrome de abstinencia al que estamos siendo sometidos  los amantes del canto lírico desde que lo que nos ofrecen es predominantemente otra cosa. Interesante y valiosa, puede ser, pero otra cosa.
ERNANI es doblemente interesante, por un lado para ver la evolución de Verdi, que con 31 años estaba avanzando a paso firme en su proceso de crecimiento  y podía ya producir escenas de fuerte dramatismo, donde se intuye el genio maduro que vendrá después, como lo son en esta opera el ruego de Silva en la escena con el Rey o la reflexión del rey Carlos a un paso de ser coronado Emperador. La Opera es por otra parte el inicio de su colaboración con JOSE MARIA PIAVE que habría de suministrarle el libretto para varias obras posteriores, y de su colaboración con el TEATRO LA FENICE, que sería sede de varios de sus más importantes estrenos. Es por otra parte la primera vez que pone en música una obra de VICTOR HUGO, el autor basado en el cual compondrá nada menos que RIGOLETTO  una de las óperas más queridas por el público de todos  los tiempos y todos los lugares.
Hay por lo tanto que agradecer a BUENOS AIRES LIRICA que haya tenido la iniciativa de entregarnos una nueva versión de este título y además de hacerlo con el nivel de calidad del que puede enorgullecerse este montaje.-
En el nivel visual hay que elogiar la escenografía, simple pero de muy buen gusto y adecuada a la acción, el fabuloso despliegue del vestuario (excepción hecha de la fea vestimenta del tenor en la última escena) y la excelente y expresiva iluminación que terminó de valorizar a ambas cosas. Una prueba de que no es necesario arrojar manteca al techo y gastar millones  para montar una versión lograda de una Opera, y de lo que podría lograr el Colón si administrara con más racionalidad sus recursos y no  gastara buena parte del presupuesto del año en montar un título estrella en perjuicio de la extensión de la temporada y de la calidad de las otras puestas y elencos.
Apoyada en estos elementos la directora marcó sensata y respetuosamente los movimientos en una puesta totalmente fiel a su texto, lo cual hoy en día es casi una extravagancia, dado que está primando el criterio contrario.
Musicalmente también hubo una dirección sensata, que lejos de buscar el preciosismo y el perfeccionismo, mantuvo el vertiginoso e intenso ritmo de la acción dramática propuesta por Verdi no permitiendo que en aras de la cautela se sacrificaran los tempi, que en esta ópera son de necesidad rápidos. Muy buen trabajo como concertador y un estupendo  trabajo con los coros, principalmente el masculino que se lució en las escenas en que fue solista y en los concertantes, impresionando además por la capacidad para actuar de sus intérpretes, una característica que no suele abundar en los coros. La orquesta muy correcta pese a algunos desajustes ocasionales, es siempre el factor limitante de estos espectáculos. Un conjunto de músicos reunidos especialmente para la ocasión que el resto del año trabajan en otras partes, y no están acostumbrados a tocar el uno junto al otro, y que tienen por añadidura limitado tiempo para ensayar, no es lo ideal, pero es lo que se puede. Me pregunto si no habrá llegado el momento de que las Cias existentes coordinen más sus actividades y piensen en la creación de una orquesta “ federal “ ´paga por partes por todas ellas, que pueda así tener la continuidad que cada una de ellas por separado no puede ofrecerle, con mengua para el rendimiento artístico.
Para completar un panorama que sólo merece elogios, hubo una muy buena elección de cantantes solistas  comenzando por la muy buena interpretación de los papeles secundarios por  LAURA SAN GIORGIO que en un par de breves intervenciones hizo lamentar que su personaje no cantara más, SERGIO VITTADINI y ROMAN MODZELEWSKI.
Y una muy buena elección de los protagonistas, que fue de lo solvente a lo excepcional.
Excepcional fuera de toda duda fue el rendimiento del gran bajo brasileño SAVIO SPERANDIO, de gran actividad en su país pero inexplicablemente de escasa actividad internacional. Posee una de esas voces que quedan en el recuerdo. Por el volumen, por la extensión, por el timbre, por la calidad de su canto. Frasea además como los dioses y es un actor de nivel poco frecuente en un cantante de Ópera. Todas sus participaciones fueron momentos de emoción, placer irrestricto  y asombro. Y acabó con justicia ovacionado.
Solvente  fue NAZARETH AUFE, un tenor de bella voz y buena extensión tanto hacia el grave como hacia las notas agudas, que es esencialmente un tenor lírico muy recomendable para papeles más livianos que Ernani, que aquí supo lucirse en los momentos más adecuados a su voz como el aria inicial (no la caballeta, cantada a la defensiva) y la escena final, y salir con honor a base de musicalidad y entrega en las escenas que piden una voz más dramática que la suya. Cabe preguntarse si es  una decisión prudente en este hombre joven asumir este tipo de responsabilidades que puede resultar un daño para su voz que es sumamente interesante. Fue notorio por ejemplo que en el esfuerzo para engrosar la voz y crearse un  timbre más oscuro debió comprometer la administración del fiato, generando algunas incómodas pausas para respirar en momentos que no son los indicados. Actoralmente supo sacar buen partido de su elegante figura y de su postura viril, para crear un galán creíble, lo cual no es demasiado habitual entre los tenores.
MONSERRAT MALDONADO, paraguaya, es la alumna más comentada del Instituto del Colón y es fácil explicarse por qué. Tiene un centro de voz de gran belleza, una enorme facilidad para los pianísimos que usados con generosidad e inteligencia dramática y una extensión hacia ambos extremos del pentagrama que le permite cantar sin dificultad alguna este papel que es para una lírico spinto, registro que por su juventud no es aún naturalmente suyo, pero al que tiende  con total certeza. Se lució en la caballetta del aria, con  impecables stacatti. Muy desenvuelta como actriz, y muy inteligentemente vestida y peinada, fue una bella presencia en escena que hizo creíble que 3 hombres se disputaran su amor.
LISANDRO GUINIS  tiene años de experiencia internacional y se le notan en la absoluta seguridad con que encaró este papel muy demandado por Verdi, sin dificultades en ambos extremos de la partitura y con un expresivo uso de la mezza voce, que es lo más atractivo de su paleta sonora. En la zona central de la voz se hicieron notar un incipiente vibrato bien controlado y algunas desigualdades tímbricas. Tendió a eludir los agudos a viva voz, utilizando como recurso su poco frecuente mezza voce. Actoralmente estuvo muy desenvuelto sin llegar a una gran caracterización personal.

LUIS G. BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

Die Soldaten

SOBRE LIBRETTO PROPIO BASADO EN LA OBRA TEATRAL DE JAKOB LENZ DIRECCION  MUSICAL BALDUR BRONNIMANN DIRECCION ESCENICA –PABLO MARITANO ESCENOGRAFIA E ILUMINACION – ENRIQUE BORDOLINI COREOGRAFIA -CARLOS TRUNSKY ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLON  ESTRENO SUDAMERICANO

Hay dos hechos positivos y uno negativo a resaltar con motivo del estreno  ( para Sudamérica ) de esta obra del compositor alemán, estrenada en  1965 en Colonia, inmediatamente presentada en otras ciudades alemanas  y finalmente en 1982 llegada a los EEUU donde se la vio en  en NY ( NYCO no el Met, algo que también se dio en   GB donde fue estrenada en la ENO  y no en el COVENT GARDEN ) y Boston , para luego caer en un relativo olvido con un muy escaso número de representaciones y de ciudades que la han visto. Con esta representación el Colón amortiza un relativo atraso que tiene en la presentación de óperas de autores alemanes del siglo 20, que conforman todo un movimiento y que no han logrado un espacio en la programación principalmente porque no se insistió en la idea del fallecido SERGIO RENAN  de un  abono de música contemporánea que llegó a crearse  y del cual rápidamente se desistió según se comenta por la escasa adhesión del público. Ahora vuelve dentro del Abono tradicional, con un público cautivo que tiene que comprar entradas para esta Opera le guste o no le guste verla porque es parte del menú obligatorio (de hecho algunos abonados optaron por no utilizar sus asientos y hubo algunas vacantes al menos en la Platea, que se  volvieron más abundantes pero no preocupantes después del único intervalo) Un Teatro oficial tiene que estar abierto a todas las formas del arte que tiene a su cargo y es saludable que conozcamos las Operas más modernas que se han escrito y no nos quedemos con solamente lo que se escribió de RICHARD STRAUSS  para atrás. Lo que causa en cierta medida preocupación y hasta irritación es el hecho de que estas inclusiones, que se han vuelto más frecuentes en las tres últimas direcciones artísticas del Teatro, en vez de ser ADICIONALES A son en SUSTITUCIÓN DEL repertorio más tradicional que no sólo está siendo ofrecido en un número menor sino que no está siendo presentado con  el brillo debido siendo de notarse una caída en el nivel de los elencos que se importan, a menudo superados por los elencos locales a cargo de las extraordinarias y con puestas en escena que desnaturalizan de tal manera las obras que por comparación las  obras más modernas llegan a parecer conservadoras.  (FELIZMENTE TOSCA, EL PROXIMO TITULO SRA UNA INSULA EN MEDIO DEL REPERTORIO CON  DOS ELENCOS DE EXCEPCION) El segundo factor positivo a destacar es la decisión de no traer un  regisseur de fuera y confiarle el arduo trabajo de montar esta difícil ópera a un director local, y aún más, a la hora de elegir el candidato inclinarse por un joven y talentoso director que ha venido desarrollando una carrera ascendente con presentaciones en varias ciudades del país y del exterior , inclusive en el Teatro Municipal de Santiago que es hoy por walk over del Colón la principal sala lírica del sub continente, siendo este su debut en la Sala. Indudablemente el logro absoluto de esta impactante puesta significará un espaldarazo en su carrera  que seguramente comenzará a tener repercusiones internacionales, muy especialmente si se llega a exportar o filmar esta versión. Die Soldaten no es nada fácil de escenificar porque el autor ha creado una acción envolvente donde se desarrollan varias escenas a la vez. Originalmente Zimmermann había proyectado una compleja estructura de 12 escenarios que envolverían al espectador, lo cual terminó siendo considerado como una locura irrealizable por las autoridades de Colonia que habían encargado la Opera, lo cual atrasó en varios años el estreno y obligó a que la partitura fuera reescrita. En representaciones posteriores se usaron recursos multimedia con diversas pantallas. La versión  de Maritano –Bordolini recurre al escenario giratorio del Colón pero también a estructuras en forma de torre que contienen espacios  cúbicos (en algunas escenas 21 de ellos ¡!) en los cuales se desarrollan las escenas paralelas, que incluyen una inusual serie de violaciones y actos sexuales más o menos violentos  Algunas escenas son de muy fuerte impacto,  muy especialmente - la escena 1 del acto 2, que es también un momento cumbre de la partitura, con la celebración masiva en el café y las peleas entre soldados que se producen en ella, y el impresionante sonido de percusión que producen  los soldados con sus tazas golpeando en la mesa al unísono. -la escena  5 del acto 3 con el enfrentamiento de la condesa con Marie - la escena 1 del acto 4 verdaderamente pesadillesca donde  recurriendo a dobles varias Marie aparecen en cada uno de los cubículos que resumen simultáneamente la historia de la degradación progresiva de Marie – -todo el cuadro final del acto que se inicia con el rechazo del  padre ( muy intenso en la escena final ) hacia su hija tornada ya en una prostituta mendicante, y la durísima escena final que culmina con  el grito mudo de la protagonista y el apagón total de las luces del Teatro. A lo largo de la obra y en sus escenarios simultáneos Maritano ha tenido que manejar gran cantidad de cantantes y figurantes obteniendo de todos y cada uno de ellos una gran concentración dramática y una gran compenetración con el personaje interpretado. El trabajo es tan notable que da para olvidar algunas locuras cometidas años atrás en el repertorio tradicional que quizás no hayan sido más que pechés de jeneusse. Si difícil es montar escénicamente la obra, más difícil aún es conducirla musicalmente. Con  una orquesta ampliada en número de instrumentos, grabaciones de voces, pasos  y sonidos bélicos, y la ausencia de una línea melódica que facilite la ejecución, de hecho mantener el todo unido es una tarea de ciclope, y el excelente director suizo  BALDUR BRONNIMANN  de hecho lo fue ( más allá del percance en la noche del estreno ),obteniendo un  óptimo rendimiento de todos los recursos empleados y muy especialmente de la Orquesta estable empeñada en la ejecución de una partitura que escapa notoriamente a su fach habitual. Hasta donde es posible juzgar a los cantantes en  una Opera que uno no conoce y que por otra parte tiene una música tan extraña, me pareció muy bueno el desempeño de todos ellos con un destaque absoluto para SUSANNE ELMARK excelente protagonista con una gran entrega actoral pero también con una voz que  bien quisiera oír en una música más normal. Buenos puntales fueron JULIA RIDLEY  como su hermana,  LEIGH METROSE como su novio, FRODE OLSEN como el padre ( muy intenso en la escena final ) y entre los locales EUGENIA FUENTE con una voz bien más grave que lo que le hemos oído últimamente y SANTIAGO BALLERINI que sobrepasó con facilidad la barrera de la orquesta y se hizo oír muy bien en la enorme sala del _Colon, una evidencia más de cómo su voz ha crecido en estos años. Me parecieron calantes los agudos del tenor  TOM RANDLE pero no podría jurar que no hayan sido escritos así, y desagradablemente estridentes y casi gritada la voz de NOEMI NADELMANN como la Condesa, pero nuevamente no puedo saber si está concebido así. En cuanto  a la obra en sí, se han tejido profundos análisis por parte de musicólogos, filósofos y literatos que le asignan  un  profundo contenido de denuncia de la violencia, en particular de las clases dominantes germanas , una crítica al militarismo  y hasta de la crueldad intrínseca del género humano. Y se ha calificado a su música como un  texto fundamental del arte musical moderno. original Puede ser. A mí el argumento de la obra me ha resultado bien similar al de tantos melodramas que he visto en cine y hasta en las Operas “anticuadas “–Una joven de familia burguesa que es seducida violada y prostituida y acaba en la mala. SE ha visto muchas veces y no tiene nada de original. Lo es la manera recargada, alucinante de presentarlo. Sobre la música puede ser que sea de verdad un hito en la historia de la música, pero con franqueza dudo mucho que de aquí a unos días me despierte con un deseo irrefrenable de volver a oír esa música que para mí la mayor parte del tiempo sonó simplemente a acompañamiento ruidoso de la acción. Y me quedo con las inteligentes e introspectivas palabras del propio Maritano en el programa ES LA OBRA DE UN HOMBRE QUE HA PERDIDO LA POSIBILIDAD DE DIALOGAR CON EL MUNDO Y SOLO PUEDE GRITARLE COMO EN UN DESCARGO VISCERAL, SIN ESPERAR NINGÚN TIPO DE RESPUESTA. Yo pertenezco a una generación que iba a la Opera a conmoverse con las emociones y la belleza de la música que se le ofrecía, no a que le griten.  Me ha gustado conocer la Opera, me ha interesado y en más de un momento me ha conmovido. Pero no anteveo que por lo menos en los próximos 5 años se me ocurra entrar en un Teatro para verla otra vez.

LUIS G BAIETTI

UNA VERSION AUSTERA, DE BAJO COSTO PERO DE GRAN CALIDAD VOCAL QUE VALE LA PENA VER
LA BOHEME

OPERA DE GICOMO PUCCINI CON LIBRETTO DE Giuseppe Giacosa Y Luigi Illica
DIRECCION MUSICAL –NATALIA SALINAS
DIRECCION ESCENICA –ANA CRAPIS
ACOMPAÑAMIENTO AL PIANO – FERNANDO BRITOS

MAGNA LIRICA está desarrollando una intensa actividad que incluye representaciones todos los miércoles en el Teatro HASTA TRILCE de la Opera LA BOHEME, de la cual quedan aun dos  representaciones, una versión infantil de LA FLAUTA MAGICA que estrena en estos días  y de la cual damos más detalles en la página FB de la revista, el estreno de COSI FANTUTTE  que irá en los meses de Noviembre y Diciembre próximos y un proyecto sobre el cual aún se conocen pocos detalles de montar una versión de LA VIUDA ALEGRE.
El Teatro HASTA TRILCE no había sido utilizado hasta el momento para espectáculos líricos. Tiene algunas ventajas y algunos inconvenientes que quizás sean subsanables. La peor limitación es la ubicación. La Sala está ubicada en la próspera región de la Avenida Rivadavia a un par de cuadras de Medrano y de la bellísima y muy de moda  confitería LAS VIOLETAS cuya reinauguración a todo trapo le ha dado vida a la región, pero está en una calle transversal (MAZA) que es algo desolada  y oscura para los tiempos que corren. La parte delantera del local está ocupada por un bar /restaurante de características originales, con una ambientación que incluye un salón biblioteca que está pidiendo ser escenario de un film por su decoración y su mobiliario antiguo. La noche que concurrí a ver LA BOHEME  había en curso una fiesta de cumpleaños con una mesa muy numerosa y en la que se sirvieron platos que por los menos a los ojos famélicos de este individuo sometido a la crueldad dietética de los médicos, le parecieron  más que interesantes y le dejaron con la idea fija de un día olvidar todo y comer allí.
La sala en sí es de buenas dimensiones, digamos que es una sala grande dentro de las pequeñas, con una buena capacidad y una visibilidad perfecta garantizada por una excelente disposición de la Platea con acusado desnivel de una fila a otra. Posee un escenario muy amplio, que permitió colocar un piano enorme en un costado del mismo y que prácticamente no se lo viera y que no obstaculizara la acción. Idealmente ofrece la chance, habiendo presupuesto, de sustituirlo por un pequeño conjunto de cámara que haga las veces de la Orquesta. Tiene un problema de acústica al cual en sucesivas presentaciones y ensayos deberán adaptarse los cantantes, que deberán reducir el volumen de sus prestaciones, que por obra de la sonoridad de la sala parecen demasiado rotundas y llegan a agobiar.
La propuesta de MAGNA LIRICA es austera, buscando presentar un espectáculo sin altos costos de producción, que posibilite la fijación del precio de la entrada (200 pesos la platea esta noche) en valores extremamente accesibles que permitan la afluencia de un público que ha sido dejado de lado por los altos precios que practica el Teatro Colón y los que se han visto obligadas a adoptar las Cias. Privadas de mayor porte debido a los altos costos y a las restricciones del mecenazgo provocadas por la crisis económica.
No tenemos entonces decorados ni mobiliario costoso, apenas una mesa y un conjunto de sillas (demasiadas en realidad para el acto 1 y el acto 4 donde el libretto habla claramente de LA  silla y se hacen un par de bromas al respecto de este solitario ejemplar del mobiliario) y un colchón extendido en el suelo que hace las veces de la cama. Esta disposición más la inexistencia del coro determinaron que hubiese que abreviar el final de la escena del acto 2 que pide  la presencia de  masas en el escenario y la del inicio del acto 3 que se inició con la llegada de Mimi renunciando a todo el inicio del mismo.
La dirección escénica me pareció correcta, aunque me dejó la impresión de que más bien cada uno de los intérpretes se auto dirigió y decidió  sus movimientos porque hubo una marcada diferencia de estilos interpretativos entre ellos. Los movimientos escénicos estuvieron en general muy bien diagramados haciendo un uso inteligente del vasto escenario y hasta de sus alrededores (la escalinata de la platea por ejemplo), pero pudo percibirse algún error derivado de no haber tomado lo suficientemente en cuenta el libretto, haciendo que dos personajes que comparten un secreto lo hagan con varios de los otros personajes colocados en el medio de ellos.
La dirección musical fue muy buena y supo mantener el espectáculo funcionando sin sobresaltos  con  una buena coordinación entre los solistas y entre estos y el piano. El instrumento desafortunadamente estaba muy desafinado y pudo provocar accidentes  de los cantantes, que felizmente no ocurrieron debido seguramente a la concentración con que se aplicaron a cantar e interpretar sus partes.
Hasta aquí la impresión es algo restrictiva, pero todo cambia a un elogio franco cuando entramos a juzgar el elenco puesto al servicio de la obra, que logró una valiosa versión que hizo olvidar todas las limitaciones e hizo que el espectáculo sea totalmente recomendable para que lo vean aún los aficionados de la Opera que frecuentan los Teatros de mayor porte.
En primer lugar, dos actuaciones  gloriosas de las dos sopranos   , ambas con voces importantes, absoluto dominio de la partitura en toda su extensión y un uso dramático de sus medios vocales.  MARIANA CARNOVALI fue una Mimi de lujo, con bellos agudos y pianísimos y un centro de voz y graves que  han crecido mucho y que parecen apuntar a un futuro desarrollo en el campo de las sopranos más pesadas (seguramente tendrá gran lucimiento su COME SCOGLIO cuando hagan más tarde la COSI FAN TUTTE  que tienen proyectada) y hacen soñar en una TOSCA  o aún en papeles de soprano más exigidos vocalmente. Pero la joven soprano con muy buen tino, no se apresura a encarar estos papeles y está dejando simplemente que la naturaleza, el tiempo y el refinamiento técnico hagan su trabajo. Por ahora nos dio una espléndida Mimi donde fue posible oír todas las notas, lo cual no siempre se da en los grandes teatros donde algunas sopranos líricas que han encarado la parte reducen al mínimo o soslayan algunas de las notas más graves de este papel que es lírico pero no para cualquiera.
LAURA POLVERINI está en espléndido estado vocal. No se oye todos los días una voz de soprano lírico-ligera con el sobresaliente, voluminoso centro vocal  que despliega y que este sea obtenido sin perjuicio del registro agudo tan seguro como siempre. Cantó una Mussetta que sería un lujo en cualquier teatro y que hace lamentar que la orientación modernista de nuestros dos  teatros oficiales (Colon, Argentino) que han vetado a Donizetti y su Lucia, nos impidan escucharla en el papel donde podría lucir ampliamente sus posibilidades. Polverini es además una actriz consumada, que pasó por encima de todas las restricciones escénicas de la versión y logró una magnifica, atrapante interpretación de su gran escena del acto segundo.
Luego de estas dos interpretaciones uno temería que el resto del elenco resultara opacado pero felizmente no fue el caso.
SEBASTIAN RUSSO no es a priori la voz ideal para Rodolfo, un papel que requiere un centro y graves más poderosos que los que puede ofrecer Russo que es nítidamente un  tenor ligero ideal para óperas como DON PASQUALE, EL ELIXIR DE AMOR que requieren este tipo de voz ultra aguda. El acierto del tenor fue no forzar la voz tratando de parecer más robusto, y cantar naturalmente con su voz que tiene valores no desdeñables. Resultó entonces un Rodolfo modesto en las zonas más centrales pero que impactó con  un esplendoroso registro agudo, cantando con  brillo el famoso y temido DO del aria, que aquí fue despachado y sostenido con una facilidad que muchos intérpretes recientes de la parte hubieran envidiado y se permitió el lujo de cerrar el acto haciendo el agudo final  a la par de la soprano, lo cual es opcional y no siempre se oye. Russo es un intérprete sensible (me impactó por ejemplo la forma natural y sentida conque en el tercer acto dijo su EBBENE. NON LO SON previo a su revelación del grave estado de salud de Mimi), tiene la apariencia juvenil ideal para un papel de galán como este y posee una generosa expresión facial muy visible además en un Teatro de las proporciones de este. Le falta un mayor dominio de la expresión corporal, soltarse más en los movimientos, aunque aquí en muchos momentos fue muy elogiable su disposición juvenil en  buena parte de la acción. En suma una interpretación perfectible pero disfrutable a la vez.
ALFREDO J MARTINEZ  tiene una importante voz baritonal y no desmereció para nada al lado de sus dos ilustres colegas femeninas, lo cual es ya de por sí una hazaña. Cantó con absoluta seguridad una parte que para él no ofrece terrores de ninguna especie y actuó   con naturalidad. En tren de ponerme crítico yo le pediría un uso más generoso de los pianísimos.
PABLO BASUALDO  y JUAN FEICO  fueron dos sólidos Colline y Schaunard tanto vocal como actoralmente.  Me gustó mucho el Alcindoro de LADISLAO HANCZYC que aparte de interpretar muy bien la parte la sirvió con una voz más sana y generosa de lo que es habitual. Me gustó menos su Benoit por la decisión de deformar la voz para dar la edad del personaje,  que afeó toda su intervención.
En suma un espectáculo muy interesante y recomendable para quienes quieran ver otra BOHEME diferente, centrada en los cantantes y esté dispuestos a renunciar al lujo escénico de digamos un ZEFFIRELLI, y puedan entonces beneficiarse de un precio absolutamente accesible detalle no menor en los tiempos que corren.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

EL ELIXIR DE AMOR

OPERA DE GAETANO DONIZETTI
LIBRETTO DE FELICE ROMANI
BASADO EN EL LIBRETTO DE E.SCRIBE PARA LA OPERA LE PHILTRE
DIRECCIÓN MUSICAL JESUS MAGALLANES
DIRECCIÓN ESCÉNICA –CAROLINA BASALDUA
CANTIAMO BAIRES
TEATRO EMPIRE

En lo sucesivo habrá que seguir de cerca las actividades de CANTIAMO BAIRES que acaba de presentar una versión de calidad de la ópera de Donizetti, con un muy buen nivel musical y una presentación escénica austera pero que dio gran vida a la obra. Las limitaciones de presupuesto, en cierta medida debido al deseo de montar una producción de costo reducido que permita cobrar entradas también de valor reducido determinaron una puesta que simplificó al máximo el aspecto escenográfico y se benefició en el costo de los trajes de la decisión de trasladar la Opera a una pulpería en la pampa argentina en el momento actual, decisión que felizmente fue ejecutada sin violencia para el texto como desgraciadamente está siendo la tendencia en la Opera moderna especialmente si de Alemania hablamos. Esta austeridad llevó una disminución drástica del número de figurantes que hizo que Belcore llegara con un batallón compuesto de un solo soldado y a una entrada opaca de Dulcamara, desprovisto de un vehículo, asistentes y hasta de la famosa valija de fármacos. Esto fue compensado por la desopilante creación de JUAN SALVADOR TRUPIA un actor de primerísimo nivel, tan eficaz en el centro de la escena como en las contraescenas, evidenciando una solida formación actoral. Y vocalmente en un estado deslumbrante, con una voz segura en todo el registro, potente, de timbre placentero y un absoluto dominio de la coloratura. Yo vengo de ver hace relativamente poco el genial Dulcamara de ERWIN SCHROTT , el más famoso y demandado en el mundo en este momento y puedo decir que si alguien me pidiera recomendar un cantante para a formar un elenco alternativo alternando con el gran bajo-barítono uruguayo en la parte, propondría sin vacilar un instante el nombre de Trupia , seguro de que mi sugerencia sería agradecida cuando vieran la gran composición de este joven cantante argentino que inexplicablemente no fue convidado para cantar la parte cuando la obra fue dada en el TEATRO COLON, donde todavía n o se le ha dado la oportunidad de mostrar su talento.
El peligro de contar con un elemento así en el reparto es que acabe eclipsando a todo el resto del elenco dada la indisimulable superioridad de sus condiciones vocales ya actorales. No fue el caso en esta versión donde los también muy poco escuchados NATALIA BERESKY y LUIS ASMAT impactaron por su desempeño vocal y actoral. Ella posee una rara voz de soprano coloratura con un centro firme y agudos de un volumen que no es usual para este tipo de soprano, lo cual hace suponer que en breve estará cantando otro tipo de repertorio, más pesado. Impecable todo lo que cantó pero muy especialmente el aria IL MIO RIGOR DIMENTICA con su endiablada coloratura y su descenso brusco del agudo al grave, en la cual dio una verdadera lección de precisión vocal, a la cual quizás debiera haber asistido la soprano que trajeron cuando montaron la Opera en el Colon. El posee una voz de un timbre bellísimo en particular en la zona central, y un fácil ascenso al registro agudo que tiene un cierto color atenorado. Fue además una suerte contar con un barítono agudo permitiendo el contraste vocal con Dulcamara, usualmente un bajo bufo, aquí también en manos de un barítono pero de un color vocal más oscuro.
Simpática y con buena voz LORENA VENEGAS como Gianetta.
En cuanto al tenor ELIAS ONGAY, es un cantante realmente muy joven que aún no tiene la voz totalmente formada y aún no ha elegido totalmente su registro que yo tendería a penar que es el de contra tenor, dada su facilidad para el registro agudo que tiene una coloración absolutamente blanca. Cantó con una línea de canto impecable y con refinamiento vocal, si bien en muchos fragmentos desapareció tras el coro o algunos de sus compañeros solistas debido al escaso volumen que comanda. Y en otros debió dar una versión sumamente lánguida del personaje para adaptarlo a su voz. Eso sí: es un excelente actor que logró una gran interpretación visual de Nemorino, especialmente de su dolor de ser rechazado. Pienso que es alguien de quien vamos a sentir hablar mucho en el futuro no muy lejano.
Un coro correcto con algunos desajustes en los momentos más complicados y con una inusual predisposición actuar, detrás de la cual se intuye la mano de la directora escénica que obtuvo tan buenos resultados con ellos como con los solistas.
Asombró la calidad de la orquesta, integrada por músicos de no más de 30 años, excelentemente dirigida por el Maestro JESUS MAGALLANES a quien criticaría solamente una ejecución a la cual le falto algo de leveza y que abuso de la sonoridad de la orquesta, algo doblemente peligros o en un Teatro que como el Empire no tiene foso y la orquesta actúa al nivel de la Platea. Pena el accidente con el oboe en el comienzo del aria del tenor.
Un espectáculo entonces de muy buen nivel que pone en la mira a una nueva organización operística que promete mucho.

Luis Baietti para operaintheworld

MUY GRATA VERSION DE “LA BOHEME”

Ni el frío, el viento, la lluvia y la final de un Campeonato de fútbol pueden frenar a Puccini.
Con una sala casi colmada transcurrió la versión Semimontada de “La Boheme” presentada por el Ensamble Lírico Orquestal. Fue un gran placer ver cómo año a año esta Institución está creciendo, con cantantes más experimentados y un muy buen nivel orquestal y coral.
Solo es de lamentar que lo logrado el año anterior, sacando varias filas de platea y dándole un lugar a la orquesta, no se verificó en esta oportunidad y tuvo que compartir el escenario con los cantantes.
La Maestra Susana Frangi, como ya nos tiene acostumbrados, brindó una excelente versión de la hermosa partitura de Puccini, a pesar de contar con una reducida orquesta pero que le respondió en todo momento. Totalmente en estilo y con un buen nivel de afinación y volumen, fue un trabajo de excelencia.
La versión contó con un parejo elenco mayoritariamente de cantantes con experiencia.
Mariela Schemper – que por esas cosas que ocurren en nuestro país hace tiempo no veía – cantó una muy buena Mimí. Su voz tiene un importante volumen y su canto se lució, especialmente, en el último acto rico en matices. Su voz en el sector agudo puede tornarse algo metálica, tal vez no sea el timbre más adecuado para el rol. Pero cumplió con eficacia, actuó con naturalidad y esperemos verla con más asiduidad en nuestros escenarios.
El tenor rosarino Andrés Novero, que creo debutaba en Buenos Aires posee una voz de hermoso color. Creo que fue una prueba de fuego debutar con Rodolfo, en un teatro tan grande y con la orquesta en el escenario. La primera impresión fue que su volumen no era suficiente, si sus agudos que los emite con total facilidad y muy buen volumen. No pasó lo mismo con su registro medio y grave, poco audibles en los primeros actos. Pero fue mejorando – tal vez ya menos nervioso – y brindó un muy buen último acto donde su voz se escuchó con claridad en todo el registro. Algo parco como actor, tal vez por la falta de frecuentación en roles de importancia. Realmente me gustaría escucharlo, ya con más experiencia en un Teatro como el Avenida. Tiene sin dudas condiciones sobre todo en una cuerda que no abundan.
Laura Pisani brindó una excelente Musetta, con voz clara, suficiente volumen y muy desenvuelta como actriz. Emitió hermosos pianísimos en el difícil segundo acto, que en general no se escuchan. Gran trabajo.
Fernando Grassi como Marcello, se mostró sólido en lo vocal y como nos tiene acostumbrados muy desenvuelto en la parte actoral. Lentamente su voz va tomando más cuerpo, más volumen y eso le posibilitará poder abordar otros roles.
Mario De Salvo repitió su muy buen Colline que hace poco tiempo le hemos visto en el Teatro Argentino.
Las dos sorpresas agradables de la versión, Juan Font como Schaunard y Claudio Rotella como Benoit. Font, quien fue uno de los premiados el año anterior como revelación del año por nuestra revista, desplegó un canto franco, con buen volumen y una arrolladora personalidad que hizo que fuera el centro en todas las escenas de conjunto. Bravo. Tal vez el Ensamble Lirico Orquestal le de la oportunidad de cantar Rigoletto, el próximo título de opera programado.
Claudio Rotella dueño de una importante voz y en total comando de la misma, generó un Benoit de los mejores que visto luego de tantas” Boheme” que pasaron por mi vida. En un pequeño papel cantado generalmente por cantantes en el final de su carrera, su voz y su sentido teatral demostraron que no hay pequeños papeles cuando existe talento.
Correcto el resto del elenco y muy buen trabajo de ambos Coros.
Raúl Marego cumplió una buena función, adaptándose a una acción que transcurre en medio escenario. Los errores – siempre criticados – estuvieron aquí también presentes, como ocurre en la mayoría de las puestas. Cuesta creer que Musetta sobreviva al frío de Paris en diciembre tan liviana de ropa, aunque con un hermoso vestido….pero ya estamos acostumbrados a esa “gafe”. Solo si pareció quitarle dramatismo al final al poner a cantar al tenor sus dos frases finales de espaldas al público.
El Ensamble Lírico Orquestal sigue demostrando su crecimiento, año a año da un paso más. Esto insume un gran esfuerzo, como a todas las Compañías privadas. Pero el trabajo se nota claramente. Por eso esta muy grata “Boheme” debe verse, aunque el frío o la lluvia exterior arrecien, la calidez de la versión es una buena recompensa.

Dr. Alberto Leal
operaintheworld

"Il Signor Bruschino"

Sol Lírica es sin duda la Compañía del “off” que más ha crecido en el último tiempo. Por la elección de los títulos, por la inclusión de orquesta, por sus inteligentes elecciones en los casting, merece todo el apoyo que se le pueda brindar.
Y fue un gran acierto reponer Il Signor Bruschino", que tan bien fue representado el año anterior en el Teatro Empire. En esta oportunidad en un teatro mayor como el ROMA de Avellaneda.
Pueden ver mi crítica del año anterior en nuestra revista: http://www.operaintheworld.com/paginas/criticas_2015.html
Aunque existió un sustancial cambio de elenco, no perdió para nada la magia generada el año anterior y se mantuvo el nivel musical, a cargo del Maestro Ulises Maino y la inteligente puesta en escena de Julián Garces, notable en la marcación de los cantantes y bien resuelto el aspecto visual.
Juan Salvador Trupia y Rodríguez (creo que es el momento de suprimir el Rodríguez) mejoró, si era posible, su prestación del año anterior. Es sin duda alguna uno de los mejores barítonos con que cuenta nuestro país. Un cantante todo terreno que puede abordar en una temporada roles tan disímiles como Carlo Gérard, Fígaro en Bodas, el Toreador en Carmen y Bruschino entre otros. Pero que es además un excelente actor, como quedó claramente demostrado este domingo en un papel abordado generalmente por bajos buffos. Su voz ha seguido creciendo en volumen, teniendo hoy una voz típica de barítono verdiano. Por esa razón, a pesar de su notable esfuerzo en reducir su volumen, por momentos su voz sonó demasiado grande para un teatro como el Roma. Vi por primera vez a Trupía en ese mismo teatro hace ya varios años en un excelente Pagliacci y se ha superado año a año. Sigo, como lo he dicho el año anterior, como a un cantante que reúne hermoso timbre, importante volumen, excelente línea de canto, además de ser un consumado actor no es llamado por el Teatro Colón (este año tenía una buena oportunidad dándole alguna función de Scarpia, que tan bien ha cantado en el Teatro Avenida) o por el Argentino de La Plata. Misterios que en lo personal nunca podré entender o no quiero entender….
Fue una grata revelación Constanza Díaz Falú, a quien escuché hace ya un tiempo en el Teatro Avenida y recibí elogiosos comentarios de su muy buena Musetta en la Boheme del Argentino.
Aunque no posee una voz de gran volumen, se escucha perfectamente debido a los armónicos de su bello timbre. Tiene una muy buena figura, es muy desenvuelta en lo actoral y sobresaliente en lo vocal.
Su voz es pareja en todo el registro, siempre afinada, impecable en las coloraturas y con más que placenteros sobreagudos. Fue un placer escuchar su muy difícil aria  "Ah voi condur volete". Un joven valor que esperamos siga creciendo y se den las oportunidades que su talento merece.
Muy buena composición de Gabriel Vacas, impecable en las escenas de conjunto, acompañado de un canto franco.
El mismo nivel mantuvo el resto del elenco, Augusto Nureña Santi (Filiberto), Matías Klemm (Florville), Leticia Leiva (Signora Filiberto), Cecilia Pérez San Martin (Marianna) y Ramiro Pérez (Bruschino figlio/Comissario).
Una función que contagió alegría para mitigar un clima desapacible.
Bravo Sol Lírica!
Ahora nos toca esperar hasta octubre, donde ofrecerán en el Teatro Empire “Il Mondo Della Luna, con un elenco que incluye a Juan salvador Trupía, Laura Polverini, Gabriel Vacas, etc.
Esperamos con ansiedad este nuevo trabajo y que todos los amantes de la ópera se hagan presentes, no solo el esfuerzo sino también porque los excelentes resultados lo ameritan.

Dr. Alberto Leal
operaintheworld

I CAPULETI E I MONTECCHI

OPERA DE VINCENZO BELLINI
LIBRETTO DE FELICE ROMANI
DIRECION MUSICAL JORGE PARODI
DIRECCION ESCENICA Y ESCENOGRAFIA MARIO PERUSSO
BUENOS AIRES LYRICA
TEATRO AVENIDA

Capuleti no se basa como uno podría pensar en ROMEO Y JULIETA DE SHAKESPEARE sino en la leyenda toscana en la cual se inspiró éste para componer su célebre tragedia. Quizás radique allí una de las limitaciones de CAPULETI como ópera. Le falta a la Opera un auténtico esqueleto dramático. La acción evoluciona más bien a los porrazos (literalmente en el caso de esta puesta) y de tanto en tanto se detiene para explorar una situación.
Pero hay por cierto otras causas que han incidido. En primer lugar la inexperiencia de Bellini que, con 26 años, no había compuesto aún ninguna de sus grandes obras y no había evidenciado hasta el momento un particular talento para las escenas de conjunto, que recién comenzarían a aparecer con importancia en I PURITANI iniciando un período de maduración que infelizmente quedó trunco a la muerte del autor, con escasos 34 años de edad.
Pero hubo además circunstancias particulares. Como consecuencia del suceso de su Opera IL PIRATA, Bellini fue convidado por LA FENICE a escribir una nueva Opera con un plazo de 40 días para hacerlo. Y para sumar limitaciones al proceso creativo FELICE ROMANI le propuso piratear el libretto que él había compuesto para NICOLA VACAJ sobre el mismo tema. Bellini no estaba acostumbrado, como Rossini o Donizetti a trabajar a esta velocidad. Tomó prestado mucho material de su Opera ZAIRA, y no logró un auténtico ensamblado de un material tan diverso..
Estamos entonces ante una Opera imperfecta con muchos momentos donde el interés decae, compensados por otros grandes momentos donde aflora el genio de Bellini y su certero temperamento dramático. Pongo por ejemplo la sublime escena del enfrentamiento de Tebaldo con Romeo. Ambos rivales están por trabarse en un duelo mortal cuando llega la noticia entre llantos lúgubres de que ha muerto Julieta. Y la situación se invierte. Cuando antes querían matar al enemigo ambos quieren ser muertos por él. Todo eso con la belleza indescriptible de la melodía belliniana.
Algunas de las limitaciones de la Opera quedaron más en evidencia por la imprudente decisión de abrir los cortes usuales, ya que al presentar la partitura en su integralidad se hicieron más evidentes las escenas donde predomina un material de menor interés, perdiéndose la concentración en los que son más logrados.
BUENOS AIRES LYRICA presentó una versión con una correcta (y no más) dirección musical, en varios momentos traicionado por los vientos, una regie más entre anodina y desafortunada de MARIO PERUSSO que al menos no se dedicó a
destruir el argumento. Un desempeño brillante del coro a cargo de JUAN CASASBELLAS (QUE BONITAS LAS VOCES DE LOS TENORES ¡!) y una orquesta correcta con altibajos
En el elenco SEBASTIAN ANGULEGUI volvió a impactar con su importante voz baritonal desplegada con generosidad y convicción, WALTER SCHWARZ dio a Capellio toda su autoridad vocal y visual.
ROCIO GIORDANO luchó contra una tesitura que no es la suya, especialmente en la zona aguda y un estilo bel cantista que no domina. Y en general fue tanto vocal como visualmente una mujer demasiado fuerte para la ingenua y oprimida Julieta.
SANTIAGO BALLERINI continúa afirmándose en este repertorio con un bellísimo timbre, certeros agudos, bellos pianísimos usados con inteligencia y adecuados graves (su voz se ha extendido bastante en esta zona en la que antes se mostraba menos sonoro) salvo dos o tres notas de la escena del cementerio donde sonó limitado.
CECILIA PASTAWSKI tiene en esencia una voz lírica de bellísimo timbre, con un potente registro agudo, bellos pianísimos, un centro menos voluminoso y graves adecuados. Quizás no sea la voz ideal para el Romeo que ha hecho la felicidad de las grandes mezzos acontraltadas del pasado, que podían emitir las notas y decir los parlamentos con la fuerza de un hombre, e imponerse en los conjuntos. Pero a cambio de ello Cecilia ofreció una impecable línea de canto, precisión musical, gran entrega anímica, y una composición visual tal que uno se sentiría tentado de exigir una revisación médica para constatar que se trata realmente de una mujer simulando ser un jovencito, tal la precisión de todos su movimientos: la manera de decir, de moverse, de no moverse, etc. Logró en general una composición admirable con algunos momentos de gran emotividad como la escena del duelo con _Tebaldo y la escena final. Cantó además con una delicadeza que por momentos pareció salida de un recital de cámara, culminando con un deslumbrante pianísimo en su exclamación final interrumpida por la muerte. Desde ya una actuación que deberá ser tenida en cuenta a la hora de elegir las mejores interpretaciones del año.
En suma un espectáculo que nos trae el Bellini que no es el de las grandes obras maestras que todos le admiramos, con Norma a la cabeza, pero que tiene muchos momentos de gran calidad musical y dramática que en la versión presentada están muy bien servidos por buena parte del elenco, con un especial énfasis en las soberbias interpretaciones de la mezzo y el tenor. Vale la pena verlo, especialmente si se tiene en cuenta el carácter poco frecuente de los montajes de esta Opera que no será perfecta pero no se merece estar tan olvidada.

Luis Baietti
operaintheworld

FIDELIO

OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)

Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
FIDELIO, OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)
Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
Recibida con poco entusiasmo en su versión inicial fue luego convirtiéndose en un éxito y es hoy la Opera nro.34 entre las 100 más representadas en los Teatros de Ópera y la 5ta.  del repertorio alemán.
En cierto sentido la obra resume la evolución musical del genio de Beethoven y  la historia de la Opera alemana. Se inicia como un amable singspiel con fragmentos hablados y cantados, va adquiriendo fuerza dramática en un magistral 2do. Acto y culmina en una desbordante cantata al estilo de lo que sería el movimiento final de su 9ª. Sinfonía.
No es una Opera difícil de representar desde el punto de vista de la producción  escénica dado que debido a su ambientación  en una cárcel y en las mazmorras de la misma no tiene grandes exigencias en materia de decorados.
Es en cambio una Opera difícil de representar en lo musical y dramático.  Beethoven es muy exigente con su soprano y con el tenor y hay varios otros papeles en apariencia menores pero que no son nada fáciles de encarar.
LEONORA  ha sido un rol favorito de todas las grandes sopranos dramáticas alemanas de la historia. Son muy recordadas las interpretaciones de BIRGIT NILSSON, KIRSTEN FLAGSTAD, MARTHA MODL, ASTRID VARNAY, EVA MARTON, GUNDULA JANOWICZ, SHIRLEY VERRETT en su etapa de soprano. Requiere una gran voz con una extensión inusual, muy exigida en los graves pero con una agotadora sucesión de agudos en la escena final. Es necesario además que quien la cante sea una gran actriz.
FLORESTAN es también un papel arduo de cantar, desde la primer palabra que canta  GOTT ¡! (DIOS)  que JON VICKERS  inmortalizó cantándola pianísimo, seguida de un aria de creciente dificultad que culmina con una sucesión de agudos incómodamente acelerados que han creado problemas a varios de los mayores cantantes del mundo.
 
Y los otros papeles no le van en zaga.
Pero además FIDELIO es un glorioso canto a la libertad, a la resistencia al odio y la opresión, un tema que es atemporal y puede tocar el alma de públicos de las más diferentes épocas y lugares.  De hecho en el Colón hubo hace unos años un grave problema que casi llevó a la prohibición de la Opera cuando el regisseur contratado quiso incluir en escena militares con ropas actuales muy parecidas a las de nuestro ejército y detenidos con la cabeza cubierta por capuchas. Todo ello bajo el gobierno de Videla.
Simbólicamente fue la Opera elegida por la STAATSOPER WIEN  para inaugurar la reconstrucción de su sala en 1955, 10 años después de su destrucción total durante un bombardeo norteamericano que según se alegó confundió el techo de la Opera con  el techo de una estación de ferrocarril.
El Colón se había rodeado de un elenco importado en los tres principales papeles (soprano, tenor, bajo) y había previsto un elenco nacional para las extraordinarias.
Pero las cosas no funcionaron según lo previsto y a poco de iniciarse los ensayos la soprano alemana que recientemente había protagonizado una muy buena Kundry en Parsifal, tuvo que desistir de cantar el papel cuyas exigencias agudas la superaban. Las funciones de abono fueron fáciles de resolver porque el elenco de las extraordinarias estaba encabezado por CARLA FILIPCIC HOLM, una gran soprano dramática hecha a la medida para este papel, que sólo por una de esas injusticias que a menudo se cometen, no figuraba en los planes iniciales como cabeza del elenco  principal. El problema era conseguir con tan breve anticipación (la Opera ya estaba siendo ensayada) una cantante que se atreviera a aprender el papel en el escaso tiempo que quedaba  y que tuviera los atributos vocales y dramáticos requeridos. El Colon  tuvo suerte porque encontró a SABRINA CIRERA , una brillante soprano lírica con  algo más, que ha venido especializándose en papeles dificultosos en los teatros del off, y ha podido entonces unir lo útil a lo agradable y reparar una injusticia que clamaba al cielo y programar finalmente el debut de Cirera en la sala, en la cual espero se la vea a partir de ahora con la frecuencia que merece.
CARLA FILIPCIC  previsiblemente hizo una Leonora de excepción porque lo posee todo para cantar y actuar la parte, dominio del alemán, una bellísima voz de timbre oscuro que desciende con facilidad a los graves y se remonta con total seguridad a los agudos, un volumen vocal que desafía a la orquesta y a los coros, bellísimos pianísimos en los momentos en que son requeridos. Y cabe elogiar a los vestuaristas que supieron diseñar ropas que fueron amables con la figura de la cantante, que no es fácil de vestir..Una Leonora en suma digna de las ovaciones que recogió  y que debería pasearse por los teatros del mundo porque no hay muchas sopranos capaces  de cantar este difícil papel en ese nivel.
SABRINA CIRERA a su vez tuvo un debut consagratorio. Gran música, con toda la extensión requerida pese a ser esencialmente una soprano lírica con color vocal de tal,  excelente actriz fue la suya una gran interpretación, que seguramente crecería en lo dramático si hubiera una frecuentación posterior del papel, pero quien sabe cuando el Teatro Colon tan reacio últimamente a presentar óperas tradicionales, volverá a incluirla en  sus elencos.
Los dos tenores tuvieron pasajera dificultad en la difícil culminación del aria con  sus agudos obligato  Pero ENRIQUE FOLGER  deslumbró con su bellísima voz de coloración baritonal, su puntillosa musicalidad y su tremenda fuerza expresiva
ZORAN TODOROVICH  dio una versión muy correcta del papel pero su voz es menos agradable al oído (quizás por los años de carrera) y su interpretación, correcta, no llegó a conmover. Folger debió ser primer elenco, sin duda.
Marcelina es un papel traicionero en su aparente simplicidad. El Colón tuvo dos muy buenas sopranos lírico ligeras con toda la extensión y el volumen necesario para hacerse oír en los conjuntos. Ambas además muy buenas actrices .JAQUELINA LIVIERI tiene una voz realmente importante que ella maneja admirablemente, con  un centro de gran sonoridad que hace pensar que dentro de unos años estará cantando bien otro repertorio. CARLA PAZ ANDRADE estuvo deliciosa, muy musical y muy desenvuelta como actriz.
SANTIAGO BURGI Y SERGIO SPINA tuvieron que luchar contra la apariencia física que la regie decidió que tuvieran, con un delantal largo que más parece una falda y una corona de laureles ridícula en la cabeza. Ambos cantaron bien el personaje que no ofrece grandes dificultades. Burgi pareció más cómodo escénicamente interpretando al joven enamorado de Marcelina.
MANFRED HEMM Y CARLOS ESQUIVEL  fueron  ambos muy sólidos Rocco. Esquivel exhibió  una voz más importante y Hemm mayor experiencia y flexibilidad con  el papel especialmente en la parte recitada.
LEANDRO ESTEVEZ  fue un   Pizarro sonoro, algo exigido en la zona aguda y HOMERO PEREZ MIRANDA impresionó por la potencia de su registro central pero desfalleció  y fue cubierto por la orquesta   en graves y agudos extremos.  Actoralmente Pérez Miranda logró una gran composición de su malvado personaje, que en sus manos pareció un sibarita de la crueldad.
Sólida presencia de ALEJANDRO MEERAPFEL  como Don Ferrando portador además de uno de los más bonitos acentos alemanes del elenco. Una creación memorable de HERNAN ITURRALDE que recuerda a versiones gloriosas en las que este pequeño papel por su importancia era encarado por grandes divos como PREY Y FISCHER DIESKAU
Excelentes los 4 prisioneros JUAN GONZALEZ CUETO Y SEBASTIAN ANGULEGUI  en el abono y  FERMIN  PRIETO Y LEONARDO FONTANA  en la extraordinaria.
Una gran noche del coro masculino que sonó glorioso en sus dos intervenciones. Es evidente que ha habido una gran renovación de integrantes y que los  nuevos no sólo cantan maravillosamente  bien sino que además  actúan.
La orquesta no estuvo en una de sus mejores tardes, especialmente en la función extraordinaria en la que se notaron algunos desajustes serios en los cornos. Además el director privilegió tiempos lentos que quitaron vitalidad al primer acto. Felizmente el 2o. acto apenas terminada la obertura Leonora 3 adquirió bien otra fuerza.
EUGENIO ZANETTI  tuvo buenas marcaciones para con los intérpretes solistas, totalmente en consonancia con la acción. Sucumbió en cambio a su inclinación por la grandilocuencia gratuita incluyendo una serie de escenas que bordearon el ridículo por lo kistch y la escasa o nula adecuación a la letra de la obra.,
Si ya en DON CARLO se hacían notar algunas exageraciones en el recargamiento visual, en Fidelio que no ocurre en una fastuosa corte sino en el vientre del absolutismo los excesos visuales trabajaron en contra de la versión  

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN  THE WORLD

LA BOHEME- TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
SEGUNDO ELENCO

Una alegría ver el Teatro Argentino de la Plata nuevamente repleto en todas su localidades (de hecho en la función del Domingo con el elenco titular, hubo localidades agotadas. Una prueba de que el público sabe lo que quiere y que no es programando títulos elitistas como el 50% de esta temporada que lo van a traer de vuelta.
Yo recuerdo las épocas no tan lejanas en que bajo la administración del maestro Cenzabella el Argentino fletaba 4 y 5 ómnibus desde Buenos Aires y las funciones de fin de semana agotaban siempre las localidades. El teatro en épocas recientes pareció empeñarse en una campaña exitosa para alejar al público. Yo he llegado a ser en dos funciones el único que compro pasaje en el ómnibus y a haber sido llevado en un coche remise para reducir la pérdida.
Había causado alarma el escaso público de las dos primeras funciones, pero apenas fue funcionando el boca a boca de los espectadores, y tan pronto como se conocieron las críticas de los pocos órganos de prensa que le dedicaron atención al espectáculo ( OPERA IN THE WORLD fue uno de ellos y creemos que nuestro comentario francamente favorable tuvo mucho que ver en la reacción del público dada la amplia difusión que tuvo generando el mayor número de visitas a la página de los últimos tiempos ) se produjo un vuelco en la situación, al punto de que es una pena que no haya más funciones previstas porque volverían a agotar las localidades. Se habla y ojalá se concrete de hacer circular la versión por Teatros de las ciudades de la Provincia que dispongan de escenarios adecuados para ello, lo cual sería una doble justicia. Para los cantantes porque les proporcionaría mayores oportunidades de trabajo y una chance muy bienvenida de madurar en sus partes.
Y para los ciudadanos de dichas ciudades, que contribuyen con sus impuestos a mantener el Teatro de la –capital de la Provincia del cual pueden enorgullecerse pero que muy poco disfrutan.
Este elenco tuvo como atracción principal la excepcional Mimi de MARINA SILVA en una actuación que seguramente la promoverá al equipo de primeras cantantes del medio. Por primera vez cantando un papel que cae 100% en su registro vocal, Marina hizo gala de una potente voz de soprano lírica con un fuerte y sólido registro central, que llega con facilidad al grave y de bellísimos pianísimos que sabe usar como arma expresiva. –fue una gran Mimi, digna de ser lucida fuera del país. La voz de Marina está pidiendo Colón. Espero que le llegue.
Interpretativamente yo diría que logró un menor grado de compenetración romántica con su Rodolfo, por lo que sus escenas de amor tuvieron algo menos de emotividad. La escena de la muerte, en cambio, con una marcación bien diferente que la mostró más debilitada en los momentos previos, resultó más creíble si bien se repitieron el vestido y el maquillaje inadecuados.
UN LUJO PARA EL TEATRO ARGENTINO TENER DOS MIMí DE ESTE NIVEL.
Son increíbles los progresos que ha hecho JUAN CARLOS VASALLO. La naturaleza le ha dado una voz (y un físico) difícil de manejar. –como decía un gran barítono internacional hablando de su propia voz : es más difícil maniobrar un camión con acoplado que un Fiat 600- Vasallo tiene una voz importante con un registro de lírico spinto que le ha permitido encarar papeles como MANRICO, OTELLO , DON JOSE ( desgraciadamente lo vi enfermo ) decorosamente sin pecar por falta de recursos naturales. Pero ha tenido que luchar arduamente con la emisión, una tendencia a cantar fuera de tono que era muy audible en sus primeras apariciones, y una carencia de recursos actorales casi total. Aquí asombró por su grado de entrega emotiva, por su expresividad facial y de los movimientos de los brazos (el tronco aún resta algo rígido en los movimientos) por la afinación y por el uso inteligente de los pianísimos. Es una lástima el accidente con el DO del aria, que ha intimidado a muchos tenores y que yo atribuyo más a nerviosismo que a otro factor. Al final del acto, prudentemente escogió no hacer el agudo optativo junto con la soprano dejando esa responsabilidad sólo en las manos de Marina, que cumplió. Pero interpoló un agudo impresionante en el final del acto 2, que no recuerdo haber oído antes.
CONSTANZA DIAZ FALU sacó muy buen partido de una voz de soprano ligera de bellísimo timbre y fácil agudo, que a priori parece de poco volumen pero que se oye perfectamente en los concertantes. Una muy buena Musetta, pese a la marcación que tuvo en su escena la gafe más digna de ser objetada. En efecto, en lugar de lo que pide Puccini que es que Musetta arme un escándalo para atraer la atención de Marcello que se finge indiferente, el regisseur optó por hacerla embestir directamente contra la mesa del grupo arrojando por el aire los platos y el pollo que estaba servido. Un exceso, que contradice el espíritu de la escena pero que no llegó a empañar una regie que tiene muchísimo más para aplaudir que para criticar.
GUSTAVO GIBERT fue un sólido Marcello, muy bien interpretado. ALBERTO JAUREGUI LORDA sonó y lució demasiado señorial para el papel de Schaunard, que cantó y actuó con total corrección.
Y las interpretaciones de FERNANDO ALVAR NUÑEZ Y LUCIANO MIOTTO fueron un placer aparte que dejó con gusto a poco a los que los vimos.

Luis Baietti
Exclusivo para operaintheworld

“La viuda alegre”, opereta en tres actos.

Juventus Lyrica – Teatro Avenida.
Libreto: Víctor León y Leo Sean.
Música: Franz Lehár.
Director musical: André Dos Santos.
Directora escénica escenografía y vestuario: Ana D’Anna.
Cantantes: Maria Goso, Ernesto Bauer, Ivana Ledesma, Duilio Smiriglia , Carlos Kaspar, Norberto Lara y elenco.
Coro de Juventus Lyrica (director Hernán Sánchez Arteaga) y Orquesta.

Estrenada en el Theater an der Wien en Viena el 30 de diciembre de 1905, se convirtió en un éxito desde el momento de su estreno. Es sin dudas una obra más importantes en su género, se representa en todo el mundo con gran asiduidad (de hecho fijara como número 23 entre las óperas y operetas más representadas). Aúna una deliciosa música, un ambiente festivo y un seguro que los espectadores saldrán tarareando alguna de sus pegadizas melodías.
Lehár realizó algunos cambios para las versiones de Londres y Berlín e incluso compuso una obertura en 1940 para la Filarmónica de Viena.
La versión presentada por Juventus Lyrica tuvo un puntal en el excelente trabajo del maestro Dos Santos. Con precisos tiempos y la chispa necesaria realizó un excelente trabajo, respetando siempre el balance orquesta y foso. La orquesta siguió sus directivas y siempre sonó con delicadeza, y buen gusto. Un placer en la parte musical.
Otro punto importante de la versión fue el trabajo de Ana D’Anna. Con una bella escenografía en estilo art noveau, delicada, fácil para los cambios y con su tradicional buen gusto. Es un cuadro fijo que solo requiere pequeños agregados según los actos. También ella es la diseñadora de un vestuario totalmente en época, con hermosos diseños, aunque la paleta de colores elegida es, por momentos, demasiado oscura.
En general marcó con eficacia a los cantantes, aunque hubiera sido necesario trabajar más sobre el personaje de Hanna Glawari..
Excelente trabajo del Coro dirigido por Hernán Sánchez Arteaga.
María Goso, a quien nuestra revista la premió como revelación del año 2015 por sus estupendos trabajos como Micaela y Susana, no parece presentar la misma comodidad como Hanna. No se vio en ella la sensualidad y el estilo que el papel requiere. Por supuesto sigue siendo portadora de una excelente voz, cantó correctamente la más conocida pieza de esta opereta: "Es lebt eine Vilja", mostrando agradables pianísimos. Pero la codiciada millonaria nunca estuvo presente. Creo que debe trabajar más en el personaje, tal vez pueda ser una muy buena Hanna Glawari en el futuro. No fue favorecida por un vestuario que puede ser correcto para el papel pero no para ella. Igual su voz y desenvoltura no se ven empañadas para un futuro. Fue algo precoz cantar “Viuda” con tan poca experiencia en su carrera?
Por el contrario Ernesto Bauer, como Danilo, canto en forma segura con un bello timbre de voz y dio a la perfección lo que el Papel de Danilo requiere, distinción, clase.
Tal vez lo mejor de la función llegó de la mano de Ivana Ledesma (quien alternará como Hanna (y realmente lamento no poder verla). Con un hermoso timbre de soprano lirico-ligera, excelente volumen y notables dotes de actriz, fue una placer verla y escucharla. Si sabe - y puede – elegir el repertorio tiene un gran futuro asegurado.
Muy buen actuación de Duilio Smiriglia, hermoso timbre, adecuada línea de canto y buen actor. Parece que las dimisiones del Teatro Avenida le sientan más a su voz que las del Teatro Colón. Aquí su voz corrió en forma espléndida, escuchándose en todo momento.
Excelente idea la de incluir al actor Carlos Kaspar como el Barón. Le dio al papel una importancia que no ocurre generalmente. Y no se extrañó que la parte cantada fuera reemplazada por un parlato, ya que compensó con creces su actuación. También excelente, haciendo dúo con Kaspar fue el desempeño de Norberto Lara. Correcto el resto del elenco.
Es un logro hacer la versión original en alemán, pero la dicción en general fue bastante pobre.
A pesar de estas salvedades la brillante música de Franz Lehár hacen que el público se sienta en una fiesta y que salga canturreando las más pegadizas melodías. Siempre la “La viuda alegre” depara un tiempo de placer, de alegría y los que vayan no se sentirán defraudados.

Dr. Alberto Leal

TEATRO ARGENTINO

LA BOHÈME – domingo 8 de mayo
Muy buena apertura de temporada
Opera de Giacomo Puccini con libreto de Giuseppe Giacosa Y Luigi Illica
Director de Orquesta: Carlos Vieu
Director escénico y adaptador de vestuario: Mario Pontiggia
Director de Coro: Hernán Sánchez Arteaga – Coro de niños: Mónica Dagorret
Producción Escénica realizada en los talleres del Teatro Argentino
Orquesta y Coro Estables – Coro de Niños

Estrenada en 1896 en el Teatro Regio de Turín poco podemos agregar de esta magnífica obra del Maestro Puccini.
Solo con decir que es la cuarta ópera más representada en el mundo, queda en claro el interés que despierta en todos los amantes de la ópera.
La versión con que abrió su temporada el Teatro Argentino deber ser considerada de excelencia, demostrando una vez más que bien elegido el reparto nuestros cantantes pueden realizar excelentes prestaciones.
El Maestro Carlos Vieu, siempre una garantía al frente de la orquesta estable, brindó una excelente versión musical, impecable en estilo, supo equilibrar foso y escenario, nunca tapando a los cantantes y brindar brillantez cuando era requerida. Gran trabajo que fue acompañado por la orquesta estable en todo momento.
Mario Pontiggia generó una escenografía en dos planos, muy interesante, aunque la segunda planta no fue muy usada, dio un muy buen marco visual. Como es sabido no soy proclive a los cambios de época en las óperas en general. Sin embargo aquí, trasladada alrededor de 1940, fue coherente en todo momento y no alteró mayormente la trama.
El vestuario, también de Pontiggia fue mucho menos convincente. No hay forma de justificar que Mimí llegue moribunda con el peinado recogido impecable como usó en toda la representación ni vestida de impactante floreado (todo esto restó fuerza dramática al final) Tampoco es explicable que en Paris en pleno invierno y en la calle salgan bailarinas en malla. Hay muchos detalles de este tipo pero lo valioso es que marcó muy bien a los cantantes, quienes respondieron en gran forma, creando momentos de comicidad de buen cuño y otros de notable sensibilidad.
Lo vocal nunca bajó de un nivel de excelencia. Daniela Tabernig, una de las jóvenes figuras con segura transcendencia a nivel internacional, brindo una brillante Mimí, con hermoso timbre, importante volumen y una gran facilidad para matizar. Actuó en forma siempre correcta, aunque la escena de la muerte – tal vez no favorecida por el entorno - fue lo menos convincente de su trabajo.
Gustavo López Manzitti, en uno de los mejores trabajos que le he visto en todos estos años, junto al Werther del Colón. Cantó con bella línea de canto, sensibilidad y notables matices. Fue un convincente actor y esta vez – a diferencia del Colón – usó una peluca perfecta que parecía absolutamente natural. El esperado Do del aria fue algo más tirante que el resto de su canto, pero seguro. Como en otras ocasiones su timbre algo falto de armónicos y punta no dio la fuerza de los típicos timbres mediterráneos. Pero en un todo es un más que respetable Rodolfo. Y como ha probado todos estos años es un tenor “todo terreno” que puede pasar de Verdi, Puccini a ópera francesa, alemana o contemporánea y siempre está perfecto en estilo.
Ricardo Crampton, en su vuelta a nuestro país, ya que está radicado en Italia haciendo una interesante carrera, mostró su hermoso timbre de barítono, su canto tiene ahora más soltura, lo mismo que su físico, pero manteniendo siempre su línea de canto y su importante volumen. Actuó y cantó con total solvencia, favorecido además por su apariencia física. Operaintheworld siempre vio en él un elemento para hacer una carrera internacional y puede verse en las críticas de la época que residía en nuestro país. Sin dudas de lo más notorio del reparto. Esperemos verlo en nuestro querido Teatro Colón en poco tiempo.
Una total revelación fue la joven soprano chilena Yaritza Véliz. Una Musetta no fácilmente olvidable. Tiene un hermoso timbre de soprano ligera con suficiente volumen, su canto siempre fue expresivo, matizado y su actuación del segundo acto, cantando y actuando con gran sensualidad fue totalmente un logro. Un verdadero hallazgo haberla contratado.
Otro punto destacado fue la actuación de Emiliano Bulacios, luciendo una importante voz de bajo y conmoviendo en su aria “Vecchia zimarra, senti “.
Mario Di Salvo, completó con solvencia vocal y escénica el grupo de bohemios.
Un nivel de total corrección brindó el resto del elenco.
Gran trabajo del coro, dirigido por Hernán Sánchez Arteaga, lo mismo que el de niños dirigido por Mónica Dagorret.
Una gran apertura de temporada con un “Boheme” que merece ser vista.
Nota: Una pregunta para el Director General y Artístico Sr Martin Bauer, si en una función de “La Boheme”, un domingo por la tarde, con excelente elenco, dirección y atractiva puesta, además de un precio absolutamente acomodado, no logró llenar la platea, con varias filas vacías en la parte trasera y notables blancos en el resto de la sala, que se puede esperar para las funciones de ópera contemporánea? Es para pensar……

Dr. Alberto Leal

GALA LIRICA

FUNCIÓN A BENEFICIO DEL PROGRAMA DE BECAS DE LA FUNDACIÓN TEATRO COLON

Un gracias es poco para valorar la incansable labor del Dr. Alejandro Cordero. Esta magnífica gala fue solo una muestra de todo lo que realiza desde la Fundación y todos los que amamos la música tenemos que estar hondamente agradecidos con él.
En un Colón repleto, con una espléndida decoración floral, fue una noche realmente de gran placer. El Colón no suele hacer recitales como se realizaban en una época. De hecho he visto sábados por la tarde varios, desde Ghena Dimitrova hasta Mirtha Garbarini. Una pena porque se realizan en todos los grandes teatros del mundo. Aquí solamente cuando vienen grandes figuras y con entradas a un precio bastante inaccesible. Esta Gala muestra que el público está ávido de escuchar a nuestros cantantes y músicos, siempre que, como en esta oportunidad, sea a un precio accesible. En este caso además, valoro que fuera a beneficio de los jóvenes artistas locales y esperemos que se repita. Gracias para todos los cantantes y al pianista acompañante por su desinteresada participación.
El nivel general fue de excelencia pero sería imposible hablar de cada uno en particular dado a la gran cantidad de participantes, si voy a comentar lo más saliente a mi criterio.
El Maestro Marcelo Ayub, realizó un trabajo titánico. Siempre en el estilo justo, tocó con gran precisión y volumen. Fue uno de esos casos donde no se extrañó la orquesta. Bravo!
Gustavo Feulien, a quien escuchaba por primera vez, aunque tal vez lo viera en papeles menores antes de radicarse en el exterior, presentó una contundente voz de barítono, excelente volumen, admirable línea de canto. Brilló en “Nemico della Patria” de Andrea Chenier y lució sus condiciones histriónicas en los dúos de Don Pasquale y Don Carlo, aunque en ambos se produjo una falta de balance por la diversidad de volumen. Es un artista completo que canta en el exterior primeros papeles, cuyo Scarpia fue comentado muy favorablemente por el NY times y el Wall Street journal. Cuesta entender que el Teatro Colón lo traiga para el elenco alternativo como Masetto. Solo es de esperar volver a verlo pronto en un rol que su capacidad amerita.
Enrique Folger, aquí no hubo sorpresa alguna, cantó en forma excelente “E lucevan le stelle” de Tosca y brindó, junto a Alejandra Malvino una memorable versión de su papel fetiche, Don José, cantando con gran hondura dramática y excelente nivel vocal, la escena final de Carmen. Un punto de los más altos de la Gala y en lo personal lo hubiera usado para cerrar la misma en lugar del sexteto de Lucía.
Daniela Tabernik cantó con bella y potente voz y gran entrega un emocionante “Un Bel di vedremo” y el dúo del segundo acto de “Madame Butterfly” junto a Alejandra Malvino. Tavernik es de los valores jóvenes con más futuro, puede pasar de ópera italiana a rusa, etc. y siempre su trabajo es más que destacable.
Marina Silva espléndida de ver y escuchar, brindó una notable versión del aria de Pagliacci y brilló en las escenas de conjunto en las que participó. Lo mismo de Jaquelina Livieri, luego de una deliciosa versión del aria de” La Rondine””, se destacó se destacó en cada una de sus participaciones grupales.
Los tres cantantes con más experiencia, María Luján Mirabelli, Alejandra Malvino y Omar Carrión se mostraron en excelente forma vocal. Mirabelli se lució en “O mio Fernando”, Malvino en el dúo de Carmen y en una hermosa versión de “Mon Coeur S’Oubre A Ta Voix” y Carrión volvió a dar una lección de cómo se canta Verdi con un magnífico “Cortigiani Vil Razza Danatta” de “Rigoletto”.
Muchos otros cantantes lucieron su talento, algunos tal vez en un repertorio que no era el más indicado para sus voces. Pero la Gala en si fue un lujo, una fiesta. Felicitaciones a todos los que la hicieron posible y que se repita. Placer para los amantes de la música por una excelente causa.

Alberto Leal

DON GIOVANNI , CON ELENCO ALTERNATIVO QUE NO DESMERECE EN LA COMPARACION CON EL ELENCO TITULAR PESE A LA AUSENCIA DE SUS DOS GRANDES FIGURAS MASCULINAS

DON GIOVANNI OPERA DE W.A.MOZART LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE DIRECCIÓN MUSICAL –MARC PIOLLET DIRECCIÓN DE ESCENA-EMILIO SAGI ESCENOGRAFÍA-DANIEL BLANCO CORO DEL TEATRO COLÓN BAJO LA DIRECCIÓN DE MIGUEL MARTÍNEZ ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN FUNCION FUERA DE ABONO CON ELENCO ALTERNATIVO

DON GIOVANNI es por sobre todas las cosas una obra de ensemble, donde todos deben interactuar y tener niveles de calidad similar so riesgo de que el espectáculo no funcione. Y aquí tuvo un elenco de pareja calidad con cada personaje siendo servido en gran estilo tanto en el canto como en la escena, y una gran predisposición al trabajo en equipo. En este sentido lo más destacado fue la dupla Perez Miranda- Debevec que lograron una excelente química,virtieron sus recitativos con gran teatralidad y lograron contrastar muy bien sus personajes La mayor ovación de la noche la obtuvo LUCAS DEBEVEC MEYER que logró una magnífica composición de su personaje al que supo revestir de comicidad pero también de sentimientos y angustias. Vocalmente estuvo excelente manejando con gran clase los diversos registros que posee su voz y utilizando con inteligencia el volumen de sus notas agudas para darle formalidad al personaje cuando intenta asimilarse a su amo. Sutilísimo trabajo el de HOMERO PEREZ MIRANDA, muy atento a todos los matices y alternativamente meloso, noble, brutal, servido con una voz de gran flexibilidad y con un buen volumen que se hizo oír sin problemas en el Teatro, un gran uso de la mezza voce y solamente un relativo desfallecimiento en el aria champagne donde uno hubiera haber querido ver y oír más brillantez y un volumen más importante. Bellísima la serenata DEH VIENI ALLA FINESTRA, y en general magnificos todos sus recitativos .. Una agradabilísima sorpresa el DON OTTAVIO de SANTIAGO BÜRGI netamente superior al que había hecho en el Avenida. Bürgi ha venido frecuentando papeles más pesados que su repertorio original y su voz luce un crecimiento en el centro y los graves que en el anterior Don Ottavio le plantearon algunas dificultades sorteadas con habilidad y esfuerzo . Aquí parece haber reganado el timbre leve que el papel requiere, estuvo impecable en las coloraturas, resolvió con un excelente pianísimo y algunos portamenti la parte más lírica del DALLA SUA PACE y en general usó su timbre más central y la fuerza de sus graves para proyectar un Don Ottavio más viril y más decidido de lo que usualmente se presenta en el papel. Un muy buen trabajo realmente, completado por su siempre confiable calidad como actor. DANIELA TABERNIG no cesa de asombrarme . Va de fuerte en fuerte y compuso aquí una Doña Anna impetuosa, con un bellísimo timbre y una voz que no le teme ni a los momentos más dramáticos de la entrada o del OR SAI CHE L ONORE, pero que se explaya con facilidad en las partes agudas de los concertantes y en la difícil aria de coloratura final. Un gran trabajo. MONICA FERRACANI sonó como si hubiera cantado Mozart toda su vida, con una levedad y un timbre lírico tales que parecieron desmentir que estamos en presencia de una soprano que ha cantado AIDA,NABUCCO,TOSCA, DER FLIEGENDE HOLLANDER y logró cantar con absoluta precisión la coloratura de MI TRADI. En verdad su voz llegó a sonar tan lírica que por comparación sus notas graves parecieron restringidas. MARISU PAVON fue una deliciosa Zerlina linda de ver y de oír GUSTAVO FEULIEN un muy correcto Masetto y EMILIANO BULACIOS un impactante Comendador, que logró además sonar imponente en los fragmentos amplificados que estuvieron muy bien logrados. Una gran noche en suma. Desde ya quedo comprometido a ver los elencos de extraordinarias de FIDELIO, MACBETH Y TOSCA donde además puede haber alguna sorpresa si se confirman los rumores de que algunas de las figuras anunciadas de hecho no se harían presentes. Pero prefiero no comentar rumores habida cuenta del resbalón sufrido por un colega.

LUIS G BAIETTI ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD.

FAUSTO

OPERA DE CHARLES GOUNOD CON LIBRETTO DE MICHEL CARRE Y JULES BARBIE
BASADO EN EL DRAMA DE GOETHE
DIRECCION MUSICAL: JAVIER LOGIOIA ORBE
REGISSEUR: PABLO MARITANO
ESCENOGRAFIA: ENRIQUE BORDOLINI Y PABLO MARITANO
ILUMINACION: ENRIQUE BORDOLINI
CORO DE BAL DIRIGIDO POR JUAN CASABELLAS
BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

La labor que cumplen las Compañías privadas de Opera como BUENOS AIRES LIRICA, es cada día que pasa más importante, en la medida en que el Teatro Colón se aleja cada vez más del repertorio lírico tradicional y cuando se acerca lo hace con puestas en escena “ creativas “ que se apartan sustancialmente de la concepción original de la Opera muchas veces tornándola incomprensible o hasta a veces ridícula.
Cuánto hace que no veíamos FAUSTO DE GOUNOD Y CUALES LAS PROBABILIDADES QUE TENDRÍAMOS DE VERLO EN EL FUTURO INMEDIATO SI DEL Colón EXCLUSIVAMENTE DEPENDIERA ¿? Y cuales las posibilidades de que si se diera la circunstancia inesperada de verlo lo hiciéramos en una puesta que desnaturalizaría completamente el texto y lo volviera algo en lo que el autor ciertamente no soñó y no permitiría de estar vivo ¿?
Pero lo más interesante de todo es que las puestas de las Cias. privadas y de BAL muy especialmente cada vez son más profesionales, más dignas del texto que se está representando. Y ES POR ESO QUE RECOMIENDO SIN RESERVAS AL PUBLICO QUE CONCURRA A VER ESTE ESPECTACULO. Verán una Opera clave en el desenvolvimiento del Teatro Lírico, con melodías bellísimas, y presentada en una versión de gran dignidad y de gran respeto al autor y a su obra.
Voy a comenzar elogiando el equipo que realizó la puesta en escena, porque últimamente es un gusto que me puedo dar muy rara vez..La escenografía diseñada por BORDOLINI Y MARITANO es excelente, en la medida en que crea todos los ambientes que son necesarios a la obra y realza el acontecer teatral. Comenzando por el inmenso pizarrón cubierto de fórmulas matemáticas, todo un hallazgo en la primer escena, la adecuadamente modesta pero sólida y pulcra casita donde vive Margarita, con el pequeño jardín, la deslumbrante escena de la Iglesia aquí convertida en un lugar donde de hecho se celebra una misa negra, con el Diablo en persona administrando la comunión ayudado por un demonio, todo ello presidido por un enorme crucifijo con la imagen de Jesus crucificado, colocado con la cabeza para abajo,y culminando por la despojada escena final en la cárcel , con esa pared enorme al fondo cubierta por una gran cantidad de pequeñas cruces pintadas. Bordolini como iluminador además realzó los elementos de la puesta con una inteligente elección de los énfasis lumínicos, sin descuidar la necesidad de hacer visibles a los cantantes solistas que fueron constantemente seguidos por un reflector, como se hacía antes de que se volviera moda ambientar las escenas en la penumbra y no permitir que el público vea las expresiones de los intérpretes.
MARITTANO demuestra a su vez todo lo que sabe de teatro en una puesta donde la creatividad no se riñe con el respeto. Algunas ideas formidables, como la entrada de Mefistófles por la platea, su permanencia en uno de los palcos observando con expresión irónica la seducción de Margarita por Fausto, la forma en que se evita la remanida fórmula de que Fausto vea a Margarita por primera vez a través de una pared de su estudio que se hace translúcida sustituída aquí por un libro en el que Mefistófeles le muestra Margarita a Faust, libro del que emana una potente luz, toda la escena de la Iglesia que es realmente obsesionante,y la brillante ejecución de la escena de la redención de Margarita.
Todo esto además de marcar a cada personaje en todo momento la expresión que corresponde a lo que está viviendo. Un gran trabajo de dirección realmente.
Hubo , es verdad algunas soluciones que me gustaron menos, pero en definitiva son cuestiones no centrales al drama y en las cuales cabe que haya gustos y concepciones diferentes. No me gusta por ejemplo que Mefistofeles entre en escena vestido de una manera que contradice la descripción que el personaje hace de su vestimenta ( L /EPEE AU COTE , etc. ) y tampoco que se sustituyan las espadas por revólveres, si bien en las dos escenas en que esto ocurre Maritano supo salir con gran talento de la encerrona en que él mismo se había colocado. En la primera, porque se supone que Valentin viendo que el Diablo ha derretido el acero de su espada, la da vuelta y la transforma en una cruz con la que espanta al demonio ( C /EST UNE CROIX QUE DE L/ ENFER NOUS GARDE ). Aquí al no tener la espada porque estaba armado de un revolver, él y todo el coro se colocan de rodillas y enfrentan al demonio haciendo el signo de la cruz sobre sus cuerpos.
En la segunda durante el duelo entre Fausto y Valentin Maritano tiene una gran trouvaille : Fausto se niega a dispararle a Valentin que se queda inmóvil. Mefistófeles le toma el arma a Fausto y le dispara a Valentín casi sin mirarlo, como un acto de rutina subalterna. Y por último no me pareció lo más adecuado presentar el coro de los soldados que vuelven como una canción cantada por un conjunto de hombres inválidos y temerosos. Pero repito son asuntos menores, cuestiones de gusto opinables, y en nada afectan lo que fue en su conjunto una gran dirección.
El trabajo más árduo seguramente le tocó a JAVIER LOGIOIA ORBE, ya que no es fácil montar un FAUST con la reducida orquesta disponible y con un coro de limitada cantidad de componentes. El Maestro logró un sólido trabajo, quizás por momentos algo impersonal de tanto extremarse en hacer sonar bien la partitura y mantener el equilibrio entre el foso y el escenario- Tanto el coro, que suena extremamente bien , especialmente su cuerda de tenores, como la orquesta estuvieron a la altura de sus labores.
Genial trabajo de HERNAN ITURRALDE como Mefistófeles, una interpretación que engalanaría a cualquier teatro. –Absolutamente seguro en toda la extensión de la partitura, con un timbre de bajo-barítono extremamente agradable al oído, una pronunciación francesa impecable , y un desenvolvimiento escénico que hizo que constantemente las miradas repararan en él con su ironía , su aire divertido y el mal contenido gesto de impaciencia al final cuando oye de los ángeles que Margarita se ha salvado. ABSOLUTAMENTE GENIAL,un placer irrestricto, un motivo fuertísimo para ir al Teatro Avenida, porque no hay muchas oportunidades de ver un Mefistófeles de este nivel.
Hace mucho que no veía a DARIO SCHMUNCK tan a sus anchas con un papel. La partitura le sienta bien a su voz y le permite lucir su registro agudo que es de una precisión y de una belleza notables., e impactar con un par de agudos que hacen sufrir a algunos tenores pero que en manos de Darío parecieron rutina. No es la de Schmunck una voz de gran volumen, si bien corre muy bien , aún en las exigidas notas graves, especialemente en el 1er.acto. Y en general canta todo a viva voz o mezzo forte, careciendo de pianísimos que servirían de contraste. En lo actoral lució muy comprometido en la escena inicial y mucho más aún en la escena final y limitadamente expresivo en la escena de la kermesse y sobretodo en la escena del jardín, donde faltó fuego.
MARINA SILVA impactó con una impecable versión vocal de Margarita, con apenas un par de estridencias ocasionales en notas del extremo agudo, un par de pianísimos interesantes, impecable coloratura en la escena de las joyas, y una fuerte composición dramática en la escena de la Iglesia , de la muerte de Valentín y de la cárcel. Ahora que finalmente Buenos Aires la ha descubierto es de esperar que le de muchas satisfacciones al público en proyectos venideros.
En la escena del jardín faltó a ella y al tenor ese algo inasible que es la e