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WERTHER, DE JULES MASSENET

LIBRETO DE  GEORGES HARTMANN, PAUL MILLIET Y EDOUARD BLAU BASADO EN LOS SUFRIMIENTOS DEL JOVEN WERTHER, DE GOETHE
DIRECCION MUSICAL MARTIN JORGE DIRECCION ESCENICA – ALEJANDRO CHACON
ESCENOGRAFIA  -NICOLAS BONI
VESTUARIO- ADAN MARTINEZ
ILUMINACION- CAETANO VILELA
TEATRO SOLIS
Werther es junto con MANON la obra más conocida y representada de MASSENET. Es para mí además su obra maestra, superando a Manon por su concentración dramática total, que no es interrumpida prácticamente por  disgresiones.
La partitura es de desbordante melodismo y de creciente intensidad trágica.

Es además una obra de climas, que debe ser tratada con mucho cuidado para que los mismos se instalen en escena y no haya nada que los disipe.
Tiene una tremenda dificultad a la hora del casting : el papel de tenor es terrriblemente exigente. Canta casi todo el tiempo, está muy exigido en el agudo, y se le pide una itensisima expresividad . Es la típica Opera ( como LA TRAVIATA, MADAMA BUTTERFRLY, ELEKTRA ) en la cual el resto del elenco puede quizás arruinar la función si son muy malos, pero jamás salvarla si el tenor no logra triunfar en su parte .
La versión del Solis fue francamente buena, con un sólido elenco, pero faltó ese algo inasible que es el clima.
Muy solventes en sus papeles ALFONSO MUJICA, ORIANA FAVARO,  MARCELO OTEGUI, BRINDARON interpretaciones totalmente logradas tanto en lo vocal como en lo escénico.
FLORENCIA MACHADO  es una de las más destacadas cantantes del medio lírico argentino y se le deben varias valiosas interpretaciones. Es portadora de una impecable musicalidad,  y un centro vocal suntuoso, que la cantante sabe usar  para dar fuerza y emotividad a sus represen taciones. Charlotte parece en algunos momentos plantearle exigencias en el extremo agudo, que la cantante resuelve con solvencia pero a expensas de la belleza del sonido que en algunas notas se hace ácido. Dramáticamente muy correcta, yo diría que le faltó algo de mayor levedad en la primer escena y un grado mayor de fuerza trágica en las restantes. Es difícil evaluar hasta qué punto influyeron las circunstancias personales que rodearon su presentación. Yo diría que gracias al excelente trabajo del vestuarista poco y nada se notó su tan comentado estado de gravidez, quedando abierto a discusión  en qué medida influyó por ejemplo en una cierta explicable cautela en los desplazamientos especialmente cuando le tocó hacerlo en la parte más inclinada o escalonada del escenario, una inseguridad que fue percibible también en el tenor que creo no estaba embarazado.
Muy solvente el Werther del joven tenor JONATHAN TETELMAN con una voz de timbre agradable, buena proyección y agudos certeros aunque algo incoloros. Razonable como intérprete tiene aún mucho para desarrollar, lo cual es de esperar lo consiga especialmente si tiene la suerte de trabajar con frecuencia con directores inteligentes y sensibles como ALEJANDRO CHACON.
La escenografía, que repite un tic de algunos puestas europeas, sustituyó los escenarios naturales por paneles manuscritos que simulan ser el diario del protagonista.
Decididamente fea, fue crucial en la falta de clima  del primer acto donde entró en colisión con la minuciosa y conmovedora descripción orquestal que nos  legó MASSENET

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD.

PELLEAS ET MELISANDE , DE CLAUDE DEBUSSY SOBRE LA OBRAP TEATRAL DE MAURICE MAETERLINCK

DIRECCION MUSICAL –ENRIQUE ARTURO DIEMECKE
DIRECTOR ORIGINAL –GUSTAVO TAMBASCIO
COMPLETADA POR SUSANBA GOMEZ DESPUES DEL FALLECIMIENTO DE AMBASCIO
ESCENOGRAFIA –NICOLAS BONI
VESTUARIO JESUS RUIZ
ILUMINACION JOSE LUIS FRANCISCO
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO COLON
TEATRO COLON

Un público aletargado y reducido en número asistió a la presentación de PELLEAS ET MELISANDE en el abono vespertino. El director musical en uno de los finales de acto (la obra se presentó innecesariamente con 2 intervalos, elevando así la duración a proporciones casi wagnerianas con 3h40 de espectáculo) llegó a resentirse de la frialdad de los aplausos del público, que parecía semidormido estimulando con las manos a que elevaran el volumen de los mismos.
La verdad es que tanto la ópera, que es bellísima, sutil, híper expresiva, como la versión con una hermosa puesta y un sólido elenco solista, merecían otro tipo de recepción.
La ópera de Debussy es un auténtica obra maestra con libretto de gran valía poética, una orquestación de belleza inusitada a la cual Diemecke y la Orquesta del Colón hicieron honor en una gran ejecución, pero falla en atraer el entusiasmo del público en primer lugar por su estilo contenido y por la línea del canto que es más una sucesión de recitativos musicalizados en los cuales afloran algunas melodías, pero que están muy lejos de llegar al nivel de las arias, dúos, concertantes que es lo que mayoritariamente el público de Opera ambiciona oír. Hay entonces una discordancia entre quienes programan las temporadas del Teatro, que fruncen el ceño ante Operas muy amadas por el público y se han dado el lujo de casi desterrar el bel canto de los programas ( en estos días se puede ver en LUZ Y FUERZA  ROBERTO DEVEREUX una de las obras cumbre de DONIZETTI junto con su hermana  MARIA ESTUARDA, ambas Operas aún no estrenadas en el Colón ) y se sacan el gusto de proponer frecuentes versiones de este título, que ya va por su novena presentación en los abonos .
La versión fue visualmente de gran belleza, con un agobiante retrato de la gris existencia en el castillo, rodeado además por una hambruna de la población, que es el marco en el cual se desarrolla el drama. No consiguió liberarse del deseo de introducir el simbolismo del ángel caído, un recurso que parece volverse repetitivo ( lo vimos hace poco en el TRISTAN E ISOLDA de Barenboim/Kupfer ), que no llegó a molestar, pese a que deformó parcialmente la escena final concebida para ocurrir en las habitaciones del castillo y trasladada aquí inexplicablemente a exteriores. Un momento de gran creatividad de la puesta fue en el tercer acto, donde apartándose de las indicaciones del autor y contrariando el texto situó a Pelleas y Melisande en edificios enfrentados , cada uno de ellos en su habitación y los hizo protagonizar una suerte de sexo virtual con el tenor visiblemente masturbándose, y sin embargo lo hizo con tal convicción y consiguió de ambos intérpretes una versión tan intensa, que la escena resultó creíble y conmovedora.
Vocalmente el elenco fue de muy buen nivel , comenzando por las breves interpretaciones de CRISTIAN DE MARCO  que como pastor cantó una única frase pero lo hizo con tal fuerza vocal que consiguió sobresalir, de ADRIANA MASTRANGELO en un papel que tiene pocas líneas y nos privó de oír con mayor extensión su bella voz de mezzo, pero en compensación le permitió explayar su elegante expresividad en toda una serie de sutiles contra escenas, de ALEJO LACLAU un sólido y sobrio médico, y de la niña MARIANELLA NERVI FADOL, cuya vocecita desapareció en varios momentos tras el volumen orquestal.
En los papeles centrales ,  absoluto lucimiento de LUCAS DEBEVEC MAYER en impresionante estado vocal y con una fuerza expresiva de gran intensidad que descolló en las escenas finales. VERONICA CANGEMI tiene una hermosísima voz que maneja con gran musicalidad y expresividad. Es además una gran actriz, lo cual le permitió sumando todo componer una Melisande de gran impacto visual y auditivo, salvo en un par de escenas finales en que a mi juicio se salió bastante del estilo contenido del autor  e incursionó en otros estilos musicales. Es con todo una gran actuación que indica que deberíamos tenerla en nuestros elencos  con mayor frecuencia. DAVID MAZE estuvo en total comando de su parte musicalmente, pese a que no posee un gran volumen vocal y en ese sentido se desmereció frente a las gigantescas interpretaciones oídas en el pasado ( VAN DAM, BACQUIER MARK BARRARD- el deslumbrante  Golaud de hace 11 años en el Colon y ANGEL MATTIELLO , descomunal barítono argentino que tuvo durante años el monopolio de la parte en el SODRE  de Montevideo donde la ópera se representó con relativa frecuencia y contaba con gran receptividad en el público en gran medida gracias a su hipnótica intervención). Actoralmente fue creciendo con el papel desde un comienzo algo inexpresivo hasta alcanzar las cumbres dramáticas de las escenas finales, en las cuales sin embargo yo diría que le faltó estatura trágica.
GIUSEPPE FILANOTTI  hizo un uso inteligente de su bella voz de tenor, con sus fáciles agudos y de su figura física, ideal para el papel del joven enamorado, y negoció con clase los extremos más graves de una partitura que está concebida para un tipo muy especial de voz a medio camino entre el tenor y el barítono .

LUIS BAIETTI

EXCELENTE DOBLE PROGRAMA DE JUVENTUS LYRICA

Aunque estamos acostumbrados a los espectáculos de calidad que brinda el equipo de Juventus Lyrica –  Sra. Ana D`Anna, Maestro Antonio Maria Russo, Maria Jaunarena y Gonzalo Córdoba, en este caso se logró un nivel de excelencia que lo hace imperdible. Gianni Schicchi, con una bella y práctica escenografía, que se fue armando delante del público y un elenco perfectamente elegido generó una versión para ser atesorada. Muy buen trabajo del Maestro Russo y la orquesta.
Maria Jaunarena ideó un espléndido vestuario, en época y con una agradable paleta de colores.
Artífice principal de esta versión fue el fantástico desempeño de Luis Gaeta. Además de muy buen cantante siempre lo hemos considerado como un gran actor. Aquí luce un perfecto histrionismo y una voz todavía lozana y con excelente volumen. Magnífico trabajo.
Excelentemente elegido el resto del elenco, Laura Polverini, que cantó en forma notable y se la vio muy bella, creo en lo personal que ya su voz está para papeles más pesados como los que frecuentó el año pasado. Pablo Urban es un espléndido actor, como lo demostró en ambas óperas, posee un timbre muy agradable y canta con notable soltura. Creo que debe trabajar para que su voz suene en todo momento más cristalina, cosa que no ocurrió aquí.
Como nos tiene acostumbrados Juventus el resto del elenco, con gente joven fue perfecto, MILAGROS SEIJO, LAUTARO CHAPARRO.LUCIA ALONSO, ELEONARA GAUDELLI, LEANDRO GAUNA, FELIPE CUDINA BERGOVIC Y LUCIA ALONSO. Solo se destaca  a nivel individual la rotunda voz de CARLOS ESQUIVEL.
PAGLIACCI logró un resultado parecido. Solo es de lamentar los tiempos algo lentos del Maestro Russo.
Seguramente habrá tenido sus razones.
Marcelo Gómez es de esas voces que aparecen muy pocas veces. Un timbre entre spinto y dramático, una libertad total en la parte aguda y un temperamento perfecto para el rol. Creo que debe trabajar en emparejar su registro. Voces como las de él no se encuentran todos los días y creo que es la voz más importante aparecida en nuestro medio en el último tiempo. Se llevó, con total justicia la ovación más grande de la noche.
Carolina Gómez, a quien creo que escuchaba por primera vez, brindó una excelente NEDDA. Hermoso timbre, gran facilidad para matizar y absolutamente correcta como actriz. Tal vez su voz sea más ligera que las NEDDA que estamos acostumbrados, pero su prestación fue impecable.
Juan Font (finalmente reconocidos sus méritos) fue un excelente Tonio – actuado y cantado – con un más que brillante prólogo.
Manteniendo siempre su buen nivel, Fernando Grassi fue un muy buen Silvio.
Pablo Urban, aquí con más lucimiento se mostró como un gran actor y vocalmente con la voz más limpia que en SCHICCI.
Excelente el trabajo del Coro.
El cambio de época no molestó para nada y el drama surgió con la misma fuerza.
Notable el trabajo de Ana D`Anna, siempre logra excelente versiones con pocos elementos.
Creo que una de las funciones mejores que he visto este año, pero no me asombra, Juventus ya nos tiene acostumbrados. IMPERDIBLE!!!

Dr. Alberto Leal

TRISTAN UND ISOLDE

OPERA DE RICHARD WAGNER SOBRE LIBRETTO PROPIO BASADO EN EL ROMANCE DE
GODOFREDO DE ESTRASBURGO.
PRODUCCIÓN INVITADA DE LA STAATSOER BERLIN
ORQUESTA: STAATSKAPELLE-BERLIN
CORO ESTABLE DEL TEATRO COLON
DIRECCIÓN MUSICAL DANIEL BARENBOIM
DIRECCIÓN ECÉNICA HARRY KUPFER
ESCENOGRAFÍA HANS SCHAVERNOCH
TEATRO COLON

Salí del primer acto convencido de que estaba viendo el espectáculo lírico más grandioso de los últimos 30 años. Confluyeron en ello la superlativa calidad de los instrumentistas que integran la Orquesta de la Staatsoper Berlin, y el absolutamente fabuloso trabajo de dirección musical del genio que es Barenboim que entre otras cosas dirige esta difícil y extensa obra sin tener la partitura en el atril, muy al estilo Toscanini.
Se sumó a ello, la gran actuación de la soprano  IRENE TEHORIN, una dramatische soprano con toda la potencia vocal del caso, incisivos agudos, un sólido registro grave y ante todo una poderosa garra expresiva donde cada palabra y cada gesto tienen un sentido propio, la sutil Brangania de ANGELA DENOKE, una voz quizás no demasiado wagneriana por el volumen pero que supo dar gran relieve a su Brangania y el excelente Kurwenal de  BOAZ DANIEL.
Pero lamentablemente la obra tiene tres actos y el nivel fue decayendo por obra y gracia principalmente del tenor.
Se sabe que el talón de Aquiles de todo  TRISTAN ISOLDA  moderno, desde que no tenemos más a los LAURITZ MELCHIOR, RAMON VIANY, WOLGANG WINDGASSEN, LUDWIG SUTHAUS  o SET SVANHOM y más recientemente el gran JON VICKERS, el último gran Tristán, está en la interpretación del tenor.  PETER SEIFFERT tiene tras de si una larga y destacada carrera como tenor lírico con elogiadas actuaciones por ejemplo como LOHENGRIN. Como muchos tenores líricos al avanzar la edad (tiene actualmente 64 años declarados) se ha dedicado al repertorio de heldentenor, en el cual brilla por su fraseo poco común en este tipo de voces, pero tiene carencias propias de una voz que está cantando fuera de su registro natural.
Esto no fue particularmente notorio en el primer  acto, donde en realidad el tenor interviene poco, y lo hizo con gran clase, pero comenzó a ser más apreciable en el segundo acto donde no tuvo el lirismo requerido para el dúo y se hizo angustiante en el tercer acto donde el aria de Tristán, una verdadera prueba de resistencia para cualquier tenor, superó a sus fuerzas y comenzó a exhibir signos de fatiga vocal que desembocaron en un par de notas fallidas sobre el final.
Es un actor razonable, que se vio muy perjudicado por la marcación que constantemente le estuvo exigiendo agacharse y levantarse, en lo que tuvo que ser asistido por sus colegas, y en la última escena lo colocó en constante peligro de caer con la escarpada escenografía. No es de extrañarse entonces que entre la cautela vocal y la cautela física el vigoroso dramatismo de la escena final le haya resultado esquivo.
KWANCHUL YOUN fue un excelente, sobrio, intenso Marke y FLORIAN HOFFMANN  un muy logrado pastor (era necesario traerlo de Alemania ¿?).
GUSTAVO LOEZ MANZITTI tuvo el honor de ser el único integrante nativo del elenco, dando una sólida y muy en estilo composición de MELOT.
La regie de Kupfer fue excelente con muy buenas, intensas marcaciones.
La escenografía de Shavernoch, supuestamente simbólica, vaya uno a saber de qué, molestó poco salvo por  el constante peligro de caída en que colocó a todos los cantantes.
Una suerte que hayamos podido disfrutar de este espectáculo de calidad, que quien sabe  cuando tendremos la oportunidad de volver a tener a nuestro alcance, dados los cortes presupuestales que se avecinan para el 2019, que seguramente golpearán duramente al Teatro por no ser una necesidad de carácter prioritario a la hora de decidir donde se harán las mayores economías.

Luis Baietti

EL CASTILLO DE BARBA AZUL
DE BELA BARTOK SOBRE LIBRETO DE  BELA BALAZS,
BASADO EN UN CUENTO DE PERRAULT

ORQUESTA FILARMÓNICA DE MONTEVIDEO
DIRECCIÓN MUSICAL: LIGIA AMADIO
DIRECCIÓN DE ESCENA: MARIANELLA MORENA

Es la única Opera que compuso Bartok y tuvo un nacimiento bastante perturbado. Escrita en 1911 recién consiguió ser estrenada en 1918 en Budapest, luego de ser sometida a revisiones por el autor en 1912 y 1917. No obtuvo éxito. Fue otra vez reescrita y reestrenada en 1938 en el MAGGIO MUSICALE FIORENTINO, esta vez sí alcanzando un gran suceso.

Pese a su reducida duración (1 hora y poco) no es una ópera fácil de montar. Es muy exigente con la orquesta y con sus dos solistas y requiere una puesta en escena compleja que presente el Castillo del protagonista y el carácter fantasmal que es descripto en la partitura, con los sucesivos universos que se abren junto a cada una de sus 7 puertas.

Es una favorita de muchos  cantantes y ha sido grabada entre otros por CHRISTA LUDWIG, TATIANA TROYANOS, JULIA VARADY, ELENA OBRATSOVA, EVA MARTON JESSYE NORMAN  del lado de las mujeres y WALTER BERRY, DIETRICH FISHER DIESKAU, SAMUEL RAMEY LAZSLO POLGAR del lado de los hombres.

El Teatro Solís presentó una versión fantástica en lo auditivo y pobre en lo visual.

La Orquesta Filarmónica, bajo la dirección precisa e intensa de LIGIA AMADO, que se ha ganado en buena ley  el corazón y el respeto de los melómanos de esta ciudad,  tuvo una noche excepcional dando con gran fuerza el clima enrarecido del Castillo y el crescendo dramático a medida que se van abriendo las sucesivas puertas, hasta el final.

Hubo dos interpretaciones de lujo de HERNAN ITURRALDE Y ADRIANA MASTRANGELO, ambos en estado de gracia vocal,  favorecidos además por su ubicación en el proscenio con la Orquesta detrás de ellos ocupando lo que normalmente es  el escenario, exhibiendo no sólo bellísimos timbres vocales y un  volumen rotundo sino  también  una gran fuerza dramática  que fue acompañada por un intenso desempeño actoral.

Marianella Morena acertó en lleno en la conducción de los actores, de los cuales obtuvo dos magistrales creaciones plenas de intensidad y en un todo adecuado al texto que se está cantando,  cada inflexión, cada sílaba. Sólo una gran directora teatral trabajando con dos grandes actores podía obtener semejante resultado.

Pero fracasó en el intento de encontrar una sustitución para la escenografía inexistente en esta versión anunciada como SEMI MONTADA  (quizás debió optar por utilizar proyecciones, que dieran el clima) –En un escenario desnudo, con únicamente una cama y una mesita de luz no consiguió dar la imagen del Castillo y lo que es peor no consiguió crear un sustituto a las puertas que se abren y la observación de lo que hay en el interior de ellas. Esto le hizo un flaco favor a la Opera en cuanto a su divulgación, porque quien no la haya visto antes  (yo recuerdo una bellísima puesta del Met con la gran Jessye Norman) simplemente se quedará sin entender de qué se trata. Para colmo hubo algunos trechos en los que los  subtítulos  brillaron por  su ausencia.

LUIS G BAIETTI

AIDA

OPERA DE GIUSEPPE VERDI
LIBRETTO DE ANTONIO GHISLANZONI
PRODUCCION DEL TEATRO COLON DE 1996 A CARGO DE ROBERTO OSWALD
MAESTRO REPOSITOR Y DISEÑADOR DEL VESTUARIO –ANIBAL LAPIZ
DIRECCION DEL CORO MIGUEL ESTEVEZ
COREOGRAFIA –ALEJANDRO CERVERA
DIRECCION MUSICAL – CARLOS VIEU
TEATRO COLON

FUNCIONES EXTRAORDINARIAS DE LOS DIAS 30.5 Y 2.6 – FUNCION DE ABONO VESPERTINO DEL 3.6.18

Iba a ser el festejo del 100 aniversario del Teatro y el entonces Director de la Orquesta Estable CARLOS VIEU  estaba disfrutando de antemano del gran momento que le esperaba. No pudo ser.
 La reforma que mantenía cerrada la sala (como la que hoy mantiene cerrado al ARGENTINO DE LA PLATA Y al TEATRO PRESIDENTE ALVEAR que según confesó el Jefe de Gobierno de la ciudad ni siquiera ha empezado) se interpuso y el festejo quedó para otra oportunidad. Pues la oportunidad acaba de llegar y el Teatro Colón ha festejado su 110 aniversario con esta reposición y ha tenido la sutileza de invitar al Maestro Vieu para que sea quien la dirija.
En los 10 años que han pasado el Teatro ha visto deteriorarse su repertorio, con demasiadas fechas dedicadas a actividades ajenas al Estatuto del Teatro y ha sufrido la invasión del modernismo que ha reducido la presentación de títulos del repertorio clásico lírico o los ha sometido a radicales revisiones que los desfiguran como la reciente ITALIANA EN ARGEL que declaradamente usó como modelo una revista del Maipo (sic).
La puesta de ROBERTO OSWALD era y sigue siendo una maravilla, espectacular sin ser particularmente costosa (al fin y al cabo se trata mayormente de telones pintados) da a la perfección el clima donde se desarrolla el drama, permite los despliegues de masas requeridos por la obra y adicionalmente proporciona un adecuado marco sonoro que facilita la proyección de las voces hacia la sala, un detalle que los puestistas modernos no siempre tienen en cuenta.
Su socio, amigo y alumno ANIBAL LAPIZ tuvo a su cargo la reposición que es evidente que ha hecho con absoluto amor, y la ha vestido con un vistoso vestuario, donde solo es dable criticar la exagerada suntuosidad de las ropas de la protagonista, demasiado próximas al nivel de su real rival. Lapiz es obviamente más inspirado como vestuarista que como director teatral y la versión debido a ello padece en algunos momentos de estatismo, pero tiene algunos momentos magistrales como la Escena del Juicio y es francamente monumental en la célebre Escena Triunfal que no falla en provocar demoradas y entusiastas ovaciones del público, que finalmente está viendo lo que quiere ver.
Noches de gloria del coro del Teatro brillantemente dirigido por MIGUEL MARTINEZ, que derrochó belleza sonora y fuerza expresiva, con especial destaque para el coro masculino.
Otro tanto puede decirse del magnífico rendimiento de la ORQUESTA ESTABLE y de la labor del Maestro Vieu, que ratifica en esta ópera compleja de montar sus dotes como director de espectáculos operísticos, que varias veces he dicho ocupa un lugar de privilegio dentro del medio.
Esta vez el Colón consiguió reunir 4 intérpretes excepcionales de altísimo nivel, dignos de cualquier teatro mundial de primera línea, para los cuatro papeles principales (AIDA, AMNERIS RADAMES AMONASRO) pero lamentablemente no consiguió ubicarlos en el mismo elenco. Felizmente los intérpretes que alternaron con ellos en los diversos elencos tuvieron un alto nivel de calidad aunque en algunos casos fue inevitable que se percibieran desniveles.
EL ELENCO DE LAS FUNCIONES DE ABONO – tuvo en LETONIA MOORE  una magnífica protagonista,  dotada de la voz ideal del personaje, con un bello timbre oscuro, poderosos graves, bellísimos pianísimos y un volumen importante de voz. Muy  buena actriz y de buena presencia escénica no comparto las críticas que se centraron en su aspecto físico, porque en primer lugar es una mujer ágil y juvenil de muy buena presencia estética y en segundo lugar porque es absurdo fijarse en ciertos detalles cuando alguien canta al nivel que lo hace ella. Es una cantante joven en pleno proceso de formación pero que se intuye desarrollará una importante carrera. Su momento menos logrado fue el aria del Nilo con un agudo a viva voz, demasiado contundente y al que llegó de una manera no convencional, interrumpiendo la línea melódica  para ganar impulso.
A su lado MARIA LUJAN IRABELLI salvó la función al reemplazar a la indispuesta NADIA KRASTEVA, repitiendo su interpretación del día 30 que comentaré cuando hable de dicho elenco.
RICARDO MASSI demostró tener una bella voz tenoril con un muy agradable registro grave y buenos agudos al par que un buen volumen vocal. No me gustó su tendencia a sustituir vocales para ayudarse en la emisión. Y fue notorio que su desempeño en los actos 3 y 4 no fue del mismo nivel que en los actos 1 y 2, muy visiblemente afectado por el cansancio muy explicable dado el carácter  agotador de la parte.
MARK RUFFALO  fue un eficiente Amonasro con alguna dificultad en el dúo con Aida que tiene un fragmento que requiere una agilidad que aparentemente no tiene.
EN LA FUNCION DEL 30.5.18  HAYDEE DABUSTI cantó una bella y sentida AIDA, demostrando haber superado ciertos problemas técnicos que habían aflorado en algunas de sus recientes actuaciones. Tuvo su mejor desempeño en las escenas líricas del tercer acto donde sacó a lucir bellos pianísimos. Proyectó muy bien la voz en los concertantes y dejó algo que desear en la sonoridad de los graves que en algunos momentos fueron cubiertos por la orquesta. Me pareció extraña la manera de llegar al agudo del aria del Nilo, que fue en verdad un luminoso pianísimo.
MARIA LUJAN MIRABELLI se entregó con alma y vida a su AMNERIS  luciendo temperamento, buena línea actoral, y generosos agudos y graves de pecho, usados como una poderosa arma expresiva. Me gustó más esta función que la que cantó con los intérpretes del abono. Algo previsible ya que cantaba aquí con el elenco con el cual ensayó.
ENNRIQUE FOLGER  directamente apabulló con una excepcional interpretación que lo tuvo todo: un volumen vocal impresionante (este Radamés fue perfectamente audible en todos los conjuntos), bello timbre oscuro con graves baritonales, un certero registro agudo y todavía se permitió colocar diversos pianísimos  (raros en una voz tan poderosa) cuando la situación lo permitiera. Debe haber pocos Radames en el mundo de sus quilates.
Lo de LEONARDO LOPEZ LINARES es prácticamente un abuso, con su poderoso instrumento vocal que no deja de impactar cada vez que uno lo escucha y sus descollantes agudos, uno de los cuales  (DEI FARONI TU SEI LA SCHIAVA) mantuvo todo el tiempo que quiso, con la colaboración del Maestro Vieu que sabe como respaldar y lucir a sus cantantes.
En la función del 2.6 el shock avasallador fue la volcánica interpretación de GUADALUPE BARRIENTOS haciendo Amneris, haciendo gala de una voz de impresionante volumen que además llega con solvencia a ambos extremos con graves apoyados que producen escalofríos. La interpretación, intensa, acompañó a la voz. Una Amneris para el recuerdo.
MONICA FERRACANI, gran cantante, ratificó su muy buena  Aída, musicalmente irreprochable con un buen volumen vocal, graves certeros y buena actuación. Su registro agudo es algo idiosincrático pero vale la pena habituarse a él para disfrutar de una valiosa interpretación.
-LOS BAJOS
Tanto LUCAS DEBEVEC MEYER  como EMILIANO BULACIOS estuvieron más a sus anchas como Rey, papel en el que además oímos una interesantísima voz de bajo de ROY PULLEN LLEMERMANOS, algo nervioso e inseguro como si tuviera falta de ensayos.
Como RAMFIS, tanto Bulacios como Debevec estuvieron muy sólidos pero lucieron demasiado baritonales especialmente el primero de ellos.
ROBERTO SCANDIUZZI lució toda su experiencia y autoridad y una voz que aún rinde pero  ya no es la de sus mejores épocas.
Muy buenas ambas sacerdotisas MARISU PAVON  y CAROLINA GOMEZ y los mensajeros de RAUL IRIARTE y SERGIO SPINA.
La gran pregunta es por qué si el Colón tiene una fantástica puesta de una Opera que todo el mundo adora ver y oír, y la puede atender con un elenco enteramente nacional, no la repone con mayor frecuencia y no lo hace con un mayor número de funciones.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

EXCELENTE APERTURA DE TEMPORADA DE JUVENTUS LYRICA
EL MURCIELAGO

OPERETA DE JOHANN STRAUSS CON LIBRETO DE CARL HEFFNER Y RICHARD GENEE SOLISTAS Y CORO DE JUVENTUS LYRICA DIRIGIDO POR HERNAN SANCHEZ ARTEAGA
DIRECION MUSICAL: HERNAN SANCHEZ ARTEAGA
DIRECCION ESCENICA Y ACTORAL Y ESCENOGRAFIA: ANA D ANNA
VESTUARIO: MARIA JAUNARENA
JUVENTUS LYRICA
TEATRO AVENIDA

Estrenada el 5 de abril de 1874 en Theater an der Wien en Viena sigue siendo hasta hoy una de las operetas más representados, de hecho en los últimos años ha ocupado el puesto 16 de las operas/operetas mas representadas. Es una excelente pintura de la sociedad vienesa y por supuesto su preferencia por el baile..No deja de tener un nivel de sátira social, pero su espléndida música la hará perdurar a través de los tiempos. La versión presentada por Juventus Lyrica mostró en general un excelente nivel, creo que debe ser vista por todos los que amen al género o no. El Maestro HERNAN SANCHEZ ARTEAGA realizó un excelente trabajo, tiempos precisos y siempre manteniendo el espíritu de la obra. Y tanto la orquesta como el Coro respondieron en forma notable. Con una puesta totalmente minimalista de ANA D ANNA, DONDE POCO HAY DE LUJO AL QUE ESTAMOS ACOSTUMBRADOS, PERO CON UNA EXCELENTE MARCACIÓN DE LOS CANTANTES. Su versión desnuda y siempre caracterizada por tintes violeta, no desmerece la acción, por el contrario, en algunos momentos la potencia. Creo que aquí es factor fundamental el hermoso vestuario creado por MARIA JAUNARENA. Como siempre Juventus tiene un gran tino en elegir los repartos de cada una de sus representaciones. Monserrat Maldonado brindó una espléndida Rosalinda. Su voz, de importante volumen, no tuvo problema alguno en los pasajes de coloratura, puede pasar con total facilidad del verismo a Strauss. Impecable técnica y excelente actriz. Esperemos verla pronto en el Colón en un papel importante. Laura Penchi como Adela mostró un gran adelanto en su técnica superando un vibrato ligero que tenía hace un tiempo. Tiene una gran facilidad tanto para las coloraturas como en la zona aguda. Como siempre se mostró como una consumada actriz. Mirko Tomas como Eisenstein mostró gran presencia, notable nivel actoral y vocal. Ernesto Bauer adicionó a su elegante presencia su hermoso timbre, cantando con clase su aria. Sobresaliente fue el trabajo del tenor Santiago Martinez, excelente actor dotado de una voz importante – como lo demostró el año pasado el Casto José de “la Corte del Faraón” en La Plata, hizo suyo el primer acto, incluyendo partes de arias de opera y hasta un bolero, en perfecta concordancia con la acción. Solo esperamos que siga progresando, talento le sobra. Excelente en sus partes Gabriel Carasso, Patricio Olivera y sobre todo el notable trabajo de Roció Arbizu, tanto vocal como actoralmente. El actor Carlos Kasper volvió a componer un excelente Frosch, quien también fue maestro de ceremonias en la fiesta del segundo acto. Bienvenido los invitados a la fiesta, que no son habituales en nuestro país, como si en otros teatros del mundo. El pianista Matías Galíndez y el violinista Serdar Geldymuradov bridaron una hermosa versión del Ave Maria de Piazzola, tan vez algo fuera de lugar para el clima festivo reinante, correcto el tenor Justo Pastor Rodríguez y un placer volver a ver y escuchar a Soledad de la Rosa, en una vena cómica que no le conocíamos, luciendo una esbelta figura y cantando un godspell con notable gracia. En resumen, un espectáculo que debe ser visto por su excelente versión. Imposible no salir tarareando de la sala! IMPERDIBLE

Dr. Alberto Leal

TRES HERMANAS
DE PETER OTVOS

LIBRETO DEL AUTOR Y DE KLAUS HENNEBERG BASADO EN LA OBRA TEATRAL DE CHEJOV
DIRECCION MUSICAL CHRISTIAN SCHUMANN Y SANTIAGO SANTERO (segunda orquesta)
DIRECCION TEATRAL RUBEN SZUCHMACHER
ESC. Y VESTUARIO JORGE FERRARI
ILUMINACION -GONZALO CORDOVA
TEATRO COLON

La objetividad de los comentaristas es una quimera. Toda opinión crítica sea del ámbito que sea está fuertemente influenciada por las convicciones personales de quien la formula. Y esto es así en ámbitos relativamente fáciles de objetivar como Economía (si se juntan 3 economistas a discutir un tema seguramente se oirán 4 opiniones) Derecho (cuantos manuales interpretativos de textos constitucionales se han escrito con interpretaciones diametralmente opuestas de sus normas) Y por cierto es mucho más así en materia de arte, donde las emociones y los gustos personales están más a flor de piel
Yo creo firmemente que quien comenta debe dar a conocer cuáles son sus pautas personales para que quien lo lea sepa descontar cuánto hay de personal en sus opiniones y rehúya a la tentación de considerar como la Biblia revelada la opinión del que escribe sólo porque está escrito. Y no resisto recordar el famoso chiste de dos amigos que discutían acaloradamente sobre un film que uno consideraba maravilloso y el otro horrible. Al día siguiente el que decía que era horrible se disculpó y dijo que el otro tenía razón. Cuando este le preguntó cómo había llegado a esa conclusión le dijo que había leído la crítica en el diario y que esta le daba la razón. CLARO, SI LA ESCRIBI YO, le replicó su amigo.
Por eso en este caso que bastante extremo voy a dar a conocer de entrada cuales son las pautas desde las cuales analizo el espectáculo. SOY UN CULTOR IRREDENTO DE LAS OPERAS CLASICAS, AQUELLAS QUE VAN DESDE LAS OPERAS DE MOZART A LAS OPERAS DE RICHARD STRAUSS. En general las Operas previas a Mozart con sus interminables da capo repitiendo ad eternum la misma frase, me resultan soporíferas. Y son muy pocas las Operas posteriores a Strauss que he llegado a reconocer y disfrutar como música con mayúscula.
Y eso viene a cuento de esta Opera que el Colon acaba de estrenar imponiéndola en el Abono Anual.
El autor utiliza dos orquestas, una en el foso y otra en el escenario, con sendos directores de Orquesta. Pero a lo largo de la noche no conseguí distinguir un solo motivo musical que quisiera volver a oír, y todo me sonó más bien al barullo que producen los instrumentos cuando se están calentando y afinando antes de empezar la función. (Exagero, lo sé) Y los cantantes pasan buena parte de la obra hablando, declamando, aullando (no es un giro idiomátic: aúllan de verdad) con algunos pocos momentos líricos.
Detrás de todo esto hay una bella obra de Chejov, mi autor teatral favorito, que es traicionada de varias maneras, pero la principal es creando un clima que poco y nada tiene que ver con el clima nostálgico, agridulce, serenamente triste de sus textos.
Admito que algunas escenas me gustaron sin embargo: los dos solos del médico y Andrei, y la bellísima escena final, donde en ambos se respira Chejov finalmente. En la versión del Colón estas escenas fueron valorizadas especialmente por un par de notables interpretaciones CARLOS ULLAN estuvo magnífico como el Doctor en una terrible escena de dolor, con una partitura endiablada de la cual el tenor tomó buena cuenta, con un resultado impactante. El aria de Andrei tuvo en LUCIANO GARAY, una de las más bellas voces baritonales del ambiente, un intérprete ideal. Y en la escena final el dolor de Masha magníficamente interpretada por ANNA LAPKOVSKAJA y el silente, azorado, digno dolor de su marido interpretado por WALTER SCHWARTZ lograron un momento de teatro conmovedor donde se vio nítida la mano de ese genio teatral que es SZUCHMACHER.
En el resto se vio una buena producción teatral y buenas interpretaciones de una partitura que ofrece pocas posibilidades de lucimiento a los cantantes, y que por momentos es terriblemente exigente con ellos, como en el caso de MARIO DE SALVO excelente con gran uso de su registro grave y de en una chirriante composición de MARISU PAVON que debe haberle requerido no poco esfuerzo.
MI OPINION NO ES OBVIAMENTE LA DE LA MAYORIA. El público permaneció hasta el final (no había intervalos que facilitaran la fuga) y aplaudió con un tibio entusiasmo al espectáculo y a los cantantes. No se registraron reacciones desfavorables. Y los entendidos hablaron maravillas de lo visto, no sé si sinceramente o por aquello de que el traje del rey lo pueden ver sólo los que son inteligentes, como en la fábula clásica del rey desnudo.
Yo como no soy inteligente no tengo miedo de decir que esta tarde EL REY NO ESTABA DEL TODO VESTIDO.

LUIS BAIETTI

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