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TOSCA – SEGUNDO ELENCO

No sucede con frecuencia que el Sr. Baietti y yo estemos presentes en la misma función. Ello es fruto de la política que está siguiendo nuestra revista de comentar no sólo el elenco del estreno de sino también los elencos alternativos, algo en el cual somos pioneros y que no llegan a hacer los medios más poderosos que cuentan con recursos de los que nosotros carecemos.

Implícitamente el acuerdo ha sido que yo cubra el elenco de los estrenos y Luis el elenco alternativo. Pero como tanto Luis como yo somos amantes rendidos de la Opera y gustamos ambos seguir la carrera de nuestros cantantes locales, ha ocurrido en más de una oportunidad que de hecho yo vea la función del elenco alternativo que no habré de comentar y que Luis haga lo propio con la del elenco del estreno que él no habrá de comentar. Y en estos casos también intentamos lograr que nuestras visiones se complementen. Luis no es, como yo, un profesional formado en las artes musicales y la técnica de canto. _Es un hombre esencialmente intuitivo que ha visto mucha ópera pero también mucho teatro. Y una de las razones de mi decisión de incorporarlo al staff de la revista ha sido precisamente recibir de él el aporte enriquecedor de una visión menos centrada en los aspectos técnicos musicales y más centrada en los aspectos teatrales, para lo cual Luis suele ubicarse en un lugar de privilegio para ver la función de teatro que es en el fondo toda función de ópera, y yo escoja la ubicación más favorable a la audición de los aspectos musicales. Es por eso que aún estando en la misma función nunca estamos uno al lado del otro en el Teatro habiendo varias filas de la platea entre nosotros dos. Y es curioso que dadas las diferencias de formación a las que se suman las diferencias de ubicación hayamos tenido casi siempre coincidencias tan claras , que nos llamaron a ambos la atención cuando aún no nos conocíamos ni soñábamos con algún día trabajar juntos, coincidencias que también fueron un factor determinante a la hora de elegirlo como colaborador para la Revista, ya que un órgano como el nuestro no puede tener oficialismo y oposición como si fuera un órgano donde trabajan multitudes.

Es por eso que esta función en la que Luis y yo hemos visto la Tosca del elenco alternativo sentados uno junto al otro en la platea haya sido una ocasión excepcional , que felizmente se dio que fuera también una función excepcional, como pocas hemos visto en el Teatro Colón de los últimos tiempos y en otros teatros del mundo , donde todo pareció confabularse para que alcanzara un nivel histórico cercano a la perfección y se produjera un clima que parecía indicar la presencia de algún valor extrateatral como la presencia del espíritu de Puccini o quizás del gran maestro homenajeado con estas funciones, el gran realizador ROBERTO OSWALD a quien tanto le debe el Teatro o quizás el espíritu de CARLOS PALACIOS, valioso colaborador que el Teatro perdió en la mañana del día de ayer y que fue debidamente homenajeado con un emotivo minuto de silencio con el público todo en pie, antes de dar inicio a la función.

Es por eso que he decidido que en esta oportunidad el comentario sea un comentario conjunto escrito a cuatro manos por mí y por el Cr. Baietti que somos conjuntamente los autores de la nota que reproduzco a continuación.

UNA FUNCION HISTORICA

Pocas veces el Teatro Colón nos ha brindado en los últimos tiempos una versión de gran vuelo artístico como la que nos fue dado presenciar en la noche del Martes. Una función en primer lugar de gran factura musical, pero también con una intensa teatralidad sin la cual el texto de Puccini no puede funcionar porque es de las óperas más teatrales que jamás se hayan escrito, una ópera donde más allá de los constantes logros melódicos que uno puede esperar de un genio como Puccini, hay una decisión de poner integralmente la música al servicio del texto teatral, redimiendo lo que no deja de ser un melodrama convencional, y elevándolo a la categoría de una obra maestra., Momentos sublimes como el deslumbrante Tedeum que cierra el primer acto, todo el crescendo emocional del segundo acto, que bien cantado y bien actuado llega a ser agobiante, y la excelente dramatización del final que con suprema inteligencia Puccini ha hecho que fuera precedido por un fragmento elegíaco , con el amanecer y el canto inocente de un pastor, para permitir que se disipe el clima de tensión creado en el acto anterior y permitirnos sumergirnos en la escena de dolor que nos espera en el final de la obra. No hay muchas óperas tan bien escritas y por algo ha sido y es una favorita de todos los tiempos, una favorita que continúa confirmando su atracción sobre el público como lo prueban los llenos totales obtenidos aún en las funciones extraordinarias que no contaban con el gancho de los famosos artistas extranjeros, y que seguramente hubiera agotado localidades en varias funciones más si el Teatro hubiera tenido el tino de ofrecerlas. Una ratificación además de que la Opera no está muriendo y que cuando un gran texto es presentado por artistas inteligentes y sensibles con el debido respeto a las intenciones del autor, el público responde y además corona los esfuerzos con las notables ovaciones que marcaron el final de esta función, que tuvo varias actuaciones consagratorias dignas de cualquier teatro lírico en el mundo.

Aparte del elenco del cual hablaremos a continuación dos factores fueron esenciales en este importante logro que nos hace recordar con nostalgia las épocas en que el Colón producía maravillas como esta en varias de sus funciones de abono, que el público llegó a considerar normal y rutinario que así fuera.

En primer lugar la fantástica escenografía de ROBERTO OSWALD con una mágica recreación de los los ambientes que enmarcan la tragedia. Una escenografía que sabe ser suntuosa y detallista ( baste ver los techos del Palazzo Farnese en el segundo acto ), una escenografía que no es además exageradamente costosa ya que se ha recurrido a un inteligente uso de las gigantografías y las proyecciones que, contrariamente a lo que algunos espectadores desavisados piensan, no son una invención de los registas modernistas sino que ya eran conocidas y utilizadas con gran talento por quien fue uno de los mayores realizadores que hayan puesto sus pies en el escenario del Teatro. Una escenografía que debería ser conservada y presentada en las sucesivas reposiciones de la obra, que esta función demuestra pueden ser logradas en grado superlativo de calidad sin recurrir a costosas contrataciones de cantantes extranjeros, sólo con los elementos que tenemos a mano, reposiciones que el público vería de muy buen grado por ser una de las óperas más populares de todos los tiempos y que lamentablemente tememos no podremos ver en los próximos años con la frecuencia que quisiéramos dada la orientación que se busca darle al Teatro privilegiando los textos de la OPERA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA, que acaparan la atención de las actuales autoridades del Teatro.

El segundo elemento fue la excelente dirección de CARLOS VIEU que condujo a la orquesta con el delicado instinto de un orfebre , haciendo sonar todos los diversos colores que Puccini magistralmente ha incluido en su paleta musical, ha sabido darle tensión dramática impulsando con firmeza el drama, pero también dando oportunidad a respirar a los cantantes permitiendo en algunos momentos que luzcan las características de su vocalidad – Vieu se regodeó con el sonido de una de las mejores orquestas del mundo rindiendo aquí al nivel de su valía, y con el desempeño del coro con muy especial destaque para el glorioso coro infantil que actuó y cantó con mágica belleza. Pero supo también respetar el trabajo de los intérpretes en el palco escénico. Claro que Vieu a veces propone un sonido orquestal que pone a prueba el caudal vocal de sus cantantes, pero aquí nada tenía que temer porque contaba con el elenco apropiado.

Y QUE ELENCO ¡! El Colón vuelve otra vez a producir un elenco alternativo que hace palidecer en la comparación al elenco al elenco importado (esto no lo vio Luis, que vio la función de las cancelaciones pero si Alberto que vio el elenco importado completo) como ya ocurriera recientemente en títulos como CARMEN, MADAMA BUTTERFLY.

ENRIQUE FOLGER en primer lugar por un deslumbrante trabajo vocal, que corresponde a alguien que tiene el registro vocal adecuado para la parte y no tiene temor alguno con ninguna de sus exigencias, llegando a momentos de gran lucimiento como tenor spinto en los momentos de fuerza (LA VITA MI COSTASE , VITTORIA VITTORIA , este último un calderón impresionante por su duración pero también por la seguridad y belleza de la nota aguda ), pero que también sabe sacar a lucir un tierno lirismo en los momentos en que ello es requerido y colocar algunos conmovedores pianísimos. –Folger es además un actor consumado que por otra parte se entrega con sangre y fuego a las partes que interpreta. Fue en suma un Cavaradossi magnífico de ver y oír que debiera estar siendo visto y oído en los principales teatros del mundo y que sólo no lo es por la para nosotros inexplicable decisión del intérprete de no proseguir su carrera allende al mar, decisión de la cual nos alegramos por puro egoísmo porque seguiremos viendo interpretaciones notables, si bien ya estaría llegando la hora de que el Colón despertase y viese el material que tiene entre manos y dejara de considerarlo un sustituto adecuado para el cantante original, que no siempre es un intérprete del prestigio bien ganado que tiene el titular de esta Tosca.

FABIAN VELOZ es por lejos la voz más importante en su cuerda que la lírica argentina ha producido en los últimos años. Desde que comenzó su creciente carrera internacional, además ha venido limando sus recursos interpretativitos y estos aunados al poderío de un órgano vocal que le permitió entre otras cosas hacerse oír con generosidad en medio del ultra sonoro TE DEUM en el cual _Vieu no tuvo piedad porque sabía lo que tenía en escena, produjo una interpretación notable de un Scarpia recostado en su lado brutal y violento que debería también ser vista en los principales teatros del mundo.

Lo de EIKO SENDA es próximo al milagro. Una cantante que siempre fue muy apreciada por sus características vocales que le han permitido brillar por ejemplo en la reciente ISOLDA del Teatro Argentino, no se la asociaba hasta ahora con un desempeño interpretativo y actoral de la emotividad alcanzada en esta Tosca total encarnada con gran convicción dramática, con momentos de angustiante dramatismo como toda la escena desde que da el si a Scarpia hasta que lo mata, vivida con un constante temblor que sacudió todo su cuerpo y que fue realmente angustiante. Una actriz totalmente entregada y en control dramático de la situación . Pero con una voz a la altura, donde no hubo una sola nota estridente ( y vaya si el enfrentamiento con Scarpia produce oportunidades usualmente bien aprovechadas por las sopranos para producir estridencias ) Su voz resplandeció en los agudos ( hasta el IO QUELLA LAMA fue cantado y no gritado ) sonó amplia en los graves ( consiguió hacer que se oyera el OR GLI PERDONO! usualmente cubierto por la orquesta ) y administró inteligentemente su registro central que es la zona menos sonora de su voz. Habrá que revisar conceptos sobre esta soprano doblemente oriental (por japonesa, por uruguaya) y exigirle en consecuencia de aquí en más. Y pronto tendremos una oportunidad ya que ha sido contratada para cantar el elenco alternativo de MACBETH que ya encaró con grandes elogios en el Teatro Solís bajo la dirección de Vieu y que esperamos repita aquí en el Colón en la medida en que la regie lo permita.

Como cuando algo debe salir perfecto todo se confabula para que así lo sea, hubo un parejo desempeño de gran calidad en las partes complementarias, con muy especial destaque para el Angelotti de EMILIANO BULACIOS, una sonora voz de bajo que está pidiendo compromisos más demandantes.

AL - LGB

TOSCA

ÓPERA EN TRES ACTOS (1900)
MÚSICA DE GIACOMO PUCCINI
LIBRETO DE LUIGI ILLICA Y GIUSEPPE GIACOSA
BASADO EN LA PIEZA HOMÓNIMA DE VICTORIEN SARDOU
PRODUCCIÓN TEATRO COLÓN
HOMENAJE AL MAESTRO ROBERTO OSWALD

DIRECTOR MUSICAL: Carlos Vieu
CONCEPCIÓN ESCÉNICA, DISEÑO
DE ESCENOGRAFÍA Y DE ILUMINACIÓN: Roberto Oswald
DIRECTOR DE ESCENA: Aníbal Lápiz
ESCENÓGRAFO ASOCIADO: Christian Prego
REPOSICIÓN DE ILUMINACIÓN: Rubén Conde
DISEÑO DE VESTUARIO: Aníbal Lápiz

INTÉRPRETES
FLORIA TOSCA: Eva-María Westbroek
MARIO CAVARADOSSI: Marcelo Álvarez
BARON SCARPIA: Vissi d'arte
SACRISTÁN: Luis Gaeta
y elenco

"ESTUPENDA EN LO VISUAL Y DESPAREJA EN LO VOCAL"
Sin dudas esta versión de “Tosca” era de lo más esperado para los amantes de la opera, en una temporada no proclive a los clásicos operísticos. La reposición de la magnífica escenografía del Maestro Oswald ( que esta vez fue un homenaje más que merecido, complementada con el siempre excelente vestuario de Aníbal Lápiz (que cuesta entender porque el Teatro Colón no lo contrata con más asiduidad, ya que es sin dudas uno de los mejores vestuaristas locales), complementado con la presencia luego de muchos años del tenor argentino, de gran carrera internacional, Marcelo Alvarez y la presencia de la afamada soprano Eva-María Westbroek, hacían presagiar una serie de funciones con éxito descontado.
La realidad mostró otra cosa….
Con la excelente dirección del Maestro Vieu, siempre en estilo y acompañado de la Orquesta en un gran trabajo, solo es de lamentar que por momentos la relación foso y escenario no lograron un acuerdo y por momentos, las escenas de Carlos Álvarez y algunos pianísimos de Marcelo Alvarez fueran tapados por la orquesta.
Poco se puede agregar de la hermosa escenografía del Maestro Oswald, es un trabajo de profunda belleza y que el Colon (como lo hacen la mayoría de los grandes teatros del mundo) tendría que mantener porque es absolutamente un Clásico, y los clásicos no tiene ni edad ni moda.
Desde el punto de vista vocal, la estrella indiscutida fue Marcelo Alvarez. Canta con una técnica perfecta, su voz mantiene el hermoso timbre que le conocimos, aunque con un volumen no muy importante. Por momentos pareció más preocupado por su canto que por su personaje. Es un excelente actor pero no corre riesgos vocales, algo que fue claro en su “Vittoria, Vittoria”. De todas formas su prestación fue lo mejor desde el punto de vista vocal.
Eva-María Westbroek, de gran prestigio internacional, ya no está en su mejor momento vocal. Mi duda es, porque se la contrató para Tosca, rol que no asume en los últimos 20 años? Su importante voz lució despareja, con agudos ora gritados o velados. Mostró no tener en claro la sicología de su personaje y su “Vissi d'arte” no tuvo emoción y fue cantado con muy poca sutileza. Es una reconocida cantante a nivel mundial en un título que no es para ella y en un momento vocal que tampoco la ayuda. Sería bueno verla en un rol Wagneriano que es su fuerte.
El barítono español Carlos Alvarez no posee ni el peso vocal ni el temperamento para Scarpia. Su canto fue siempre correcto, ayudado además por su presencia. Pero fue inaudible en el “Te Deum” y poco aportó en el segundo acto, perjudicado además por una marcación muy poco sutil.
Un placer ver a Luis Gaeta como Sacristán y correcto el resto del elenco, con un muy buen trabajo del Coro en el primer acto.
De todas formas es una TOSCA que debe verse por el espléndido marco visual, por ver nuevamente a Marcelo Alvarez, luego de tanto años de ausencia y porque es de los pocos títulos de repertorio que brinda el Teatro Colón en la presente temporada.

Alberto Leal

Orfeo & Euridice
Juventus Lyrica- Temporada 2016
Teatro Avenida 19/8/2016

Música de Christoph W. Gluck. Libreto de Raniero de’ Calzabigi
Estrenada en el Burgtheater de Viena, 1762. Editor: Alkor-Edition GmbH (versión 1762). Publicado por Anna Amalie Abert y Ludwig Finscher (Gluck. Sämtliche Werke)

Dramaturgia, adaptación sobre textos órficos y otros escritos sobre el mito de Orfeo: María Jaunarena
Dirección musical: Hernán Schvartzman
Dirección escénica: María Jaunarena
Dirección del coro de Juventus Lyrica: Hernan Sanchez Arteaga
 
Elenco:
ORFEO: Martin Oro
EURIDICE: Maria Goso 
AMOR: Victoria Gaeta  
INTELECTUAL 1- CARONTE: Oreste Valente
INTELECTUAL 2 - MEDICO: Carlos Kaspar;
MADRE - ENFERMERA: Cristina Ferrajoli
MUJER 1; Laura D'Anna ; MUJER 2: Marbella Alejandra Gil Aldana; Hombre 1: Giorgio Zamboni 
HOMBRE 2: Jeferson José Quipo Urdaneta ; ORFEO NIÑO: Eliseo Bossi

Personalmente no estoy de acuerdo con agregar personajes y/o textos a grandes obras históricas. Orfeo & Euridice estrenada en 1762 marca un punto más que importante en el mundo de la opera. Gluck ha tratado con sencillez volcar los grandes dramas griegos. No propone un virtuosismo vocal, y aunque fue modificada por él mismo, adaptándola al gusto francés, el espíritu de la misma nunca cambió.
María Jaunarena realizó un importante trabajo de investigación, agregándole textos y personajes no imaginados por el autor, además de presentarla en la época actual. El drama no pierde potencia con estos cambios, pero por momentos está totalmente lejos de Gluck y algunas situaciones resultan risibles. Una lástima ya que hemos visto excelentes trabajos de esta directora.
Excelente desde el punto de vista vocal y musical, logran no ser opacados por la caprichosa puesta.
Hernán Schvartzman es un excelente Director de Orquesta de quien vimos, entre otras cosas, un estupenda “Medea”. Con un trabajo impecable, siempre en estilo y con una orquesta que le respondió constantemente – a pesar de algunas leves desafinaciones – generaron un trabajo de excelencia.
Maria Gozo, mucho más cómoda aquí que en “La Viuda Alegre” mostró una perfecta línea de canto, su hermoso timbre e importante volumen, además de generar un nivel dramático notable. Gran trabajo.
Victoria Gaeta  como el Amor brindó una de sus mejores trabajos. Excelente en lo vocal, demostró notables dotes de actriz. Encantadora prestación.
El Contratenor Martin Oro, de notable carrera en Europa,
mostró una notable resistencia en un papel que no sale de escena nunca. Su voz tiene un hermoso timbre y suficiente volumen. Solo es de lamentar sus graves abaritonados y la falta de un registro parejo en toda su extensión. De todas formas su trabajo fue de una fuerte intensidad y dramatismo.
Excelentes el trabajo del Coro de Juventus Lyrica.
Una versión de excelencia vocal y musical y una puesta para los que gustan de versiones poco ortodoxas y que no le afecten los cambios efectuados a la obra.

Dr. Alberto Leal

ERNANI

OPERA DEGIUSEPPE VERDI CON  LIBRETTO DE JOSE MARIA PIAVE
BASADA EN LA OBRA TEATRAL H0MONIMA DE VICTOR HUGO
DIRECCION MUSICAL JUAN CASASBELLAS
DIRECCION ESCENICA  CRYSTAL MANICH
ESCENOGRAFIA- NOELIA GONZALEZ SVOBODA
VESTUARIO- MARIA EMILIA TAMBUTTI
ILUMINACION-RUBEN CONDE
CORO DE BUENOS AIRES LIRICA
ORQUESTA AD HOC
 BUENOS AIRES LIRICA
TEATRO AVENIDA

La defección de los Teatros oficiales, que han decidido especializarse en títulos del siglo 20, en desmedro del repertorio tradicional operístico, ha depositado en manos de las Compañías privadas una acrecentada responsabilidad, ya que son ahora las únicas que pueden hacernos llegar estos títulos del repertorio clásico como este joven Verdi, que no figura en el repertorio del Teatro Colón desde  hace 52 años y que no recuerdo que haya sido representada en el Teatro Argentino desde que yo tengo uso de razón (que no es poco tiempo) .Pero que felizmente ha sido montado ya otras 2 veces en los últimos 15 años fuera del ámbito oficial.
Y es una suerte que hayamos podido ver este título, que no es el Verdi maduro (es su quinta Opera) pero que es indudablemente Verdi y exhibe ya todo el genio que hará de él el mayor exponente de la Opera italiana, un título que a juzgar por lo que vienen produciendo los compositores más modernos no corre el riesgo de perder en los próximos años. Y de paso para aliviar un poco el síndrome de abstinencia al que estamos siendo sometidos  los amantes del canto lírico desde que lo que nos ofrecen es predominantemente otra cosa. Interesante y valiosa, puede ser, pero otra cosa.
ERNANI es doblemente interesante, por un lado para ver la evolución de Verdi, que con 31 años estaba avanzando a paso firme en su proceso de crecimiento  y podía ya producir escenas de fuerte dramatismo, donde se intuye el genio maduro que vendrá después, como lo son en esta opera el ruego de Silva en la escena con el Rey o la reflexión del rey Carlos a un paso de ser coronado Emperador. La Opera es por otra parte el inicio de su colaboración con JOSE MARIA PIAVE que habría de suministrarle el libretto para varias obras posteriores, y de su colaboración con el TEATRO LA FENICE, que sería sede de varios de sus más importantes estrenos. Es por otra parte la primera vez que pone en música una obra de VICTOR HUGO, el autor basado en el cual compondrá nada menos que RIGOLETTO  una de las óperas más queridas por el público de todos  los tiempos y todos los lugares.
Hay por lo tanto que agradecer a BUENOS AIRES LIRICA que haya tenido la iniciativa de entregarnos una nueva versión de este título y además de hacerlo con el nivel de calidad del que puede enorgullecerse este montaje.-
En el nivel visual hay que elogiar la escenografía, simple pero de muy buen gusto y adecuada a la acción, el fabuloso despliegue del vestuario (excepción hecha de la fea vestimenta del tenor en la última escena) y la excelente y expresiva iluminación que terminó de valorizar a ambas cosas. Una prueba de que no es necesario arrojar manteca al techo y gastar millones  para montar una versión lograda de una Opera, y de lo que podría lograr el Colón si administrara con más racionalidad sus recursos y no  gastara buena parte del presupuesto del año en montar un título estrella en perjuicio de la extensión de la temporada y de la calidad de las otras puestas y elencos.
Apoyada en estos elementos la directora marcó sensata y respetuosamente los movimientos en una puesta totalmente fiel a su texto, lo cual hoy en día es casi una extravagancia, dado que está primando el criterio contrario.
Musicalmente también hubo una dirección sensata, que lejos de buscar el preciosismo y el perfeccionismo, mantuvo el vertiginoso e intenso ritmo de la acción dramática propuesta por Verdi no permitiendo que en aras de la cautela se sacrificaran los tempi, que en esta ópera son de necesidad rápidos. Muy buen trabajo como concertador y un estupendo  trabajo con los coros, principalmente el masculino que se lució en las escenas en que fue solista y en los concertantes, impresionando además por la capacidad para actuar de sus intérpretes, una característica que no suele abundar en los coros. La orquesta muy correcta pese a algunos desajustes ocasionales, es siempre el factor limitante de estos espectáculos. Un conjunto de músicos reunidos especialmente para la ocasión que el resto del año trabajan en otras partes, y no están acostumbrados a tocar el uno junto al otro, y que tienen por añadidura limitado tiempo para ensayar, no es lo ideal, pero es lo que se puede. Me pregunto si no habrá llegado el momento de que las Cias existentes coordinen más sus actividades y piensen en la creación de una orquesta “ federal “ ´paga por partes por todas ellas, que pueda así tener la continuidad que cada una de ellas por separado no puede ofrecerle, con mengua para el rendimiento artístico.
Para completar un panorama que sólo merece elogios, hubo una muy buena elección de cantantes solistas  comenzando por la muy buena interpretación de los papeles secundarios por  LAURA SAN GIORGIO que en un par de breves intervenciones hizo lamentar que su personaje no cantara más, SERGIO VITTADINI y ROMAN MODZELEWSKI.
Y una muy buena elección de los protagonistas, que fue de lo solvente a lo excepcional.
Excepcional fuera de toda duda fue el rendimiento del gran bajo brasileño SAVIO SPERANDIO, de gran actividad en su país pero inexplicablemente de escasa actividad internacional. Posee una de esas voces que quedan en el recuerdo. Por el volumen, por la extensión, por el timbre, por la calidad de su canto. Frasea además como los dioses y es un actor de nivel poco frecuente en un cantante de Ópera. Todas sus participaciones fueron momentos de emoción, placer irrestricto  y asombro. Y acabó con justicia ovacionado.
Solvente  fue NAZARETH AUFE, un tenor de bella voz y buena extensión tanto hacia el grave como hacia las notas agudas, que es esencialmente un tenor lírico muy recomendable para papeles más livianos que Ernani, que aquí supo lucirse en los momentos más adecuados a su voz como el aria inicial (no la caballeta, cantada a la defensiva) y la escena final, y salir con honor a base de musicalidad y entrega en las escenas que piden una voz más dramática que la suya. Cabe preguntarse si es  una decisión prudente en este hombre joven asumir este tipo de responsabilidades que puede resultar un daño para su voz que es sumamente interesante. Fue notorio por ejemplo que en el esfuerzo para engrosar la voz y crearse un  timbre más oscuro debió comprometer la administración del fiato, generando algunas incómodas pausas para respirar en momentos que no son los indicados. Actoralmente supo sacar buen partido de su elegante figura y de su postura viril, para crear un galán creíble, lo cual no es demasiado habitual entre los tenores.
MONSERRAT MALDONADO, paraguaya, es la alumna más comentada del Instituto del Colón y es fácil explicarse por qué. Tiene un centro de voz de gran belleza, una enorme facilidad para los pianísimos que usados con generosidad e inteligencia dramática y una extensión hacia ambos extremos del pentagrama que le permite cantar sin dificultad alguna este papel que es para una lírico spinto, registro que por su juventud no es aún naturalmente suyo, pero al que tiende  con total certeza. Se lució en la caballetta del aria, con  impecables stacatti. Muy desenvuelta como actriz, y muy inteligentemente vestida y peinada, fue una bella presencia en escena que hizo creíble que 3 hombres se disputaran su amor.
LISANDRO GUINIS  tiene años de experiencia internacional y se le notan en la absoluta seguridad con que encaró este papel muy demandado por Verdi, sin dificultades en ambos extremos de la partitura y con un expresivo uso de la mezza voce, que es lo más atractivo de su paleta sonora. En la zona central de la voz se hicieron notar un incipiente vibrato bien controlado y algunas desigualdades tímbricas. Tendió a eludir los agudos a viva voz, utilizando como recurso su poco frecuente mezza voce. Actoralmente estuvo muy desenvuelto sin llegar a una gran caracterización personal.

LUIS G. BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

Die Soldaten

SOBRE LIBRETTO PROPIO BASADO EN LA OBRA TEATRAL DE JAKOB LENZ DIRECCION  MUSICAL BALDUR BRONNIMANN DIRECCION ESCENICA –PABLO MARITANO ESCENOGRAFIA E ILUMINACION – ENRIQUE BORDOLINI COREOGRAFIA -CARLOS TRUNSKY ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLON  ESTRENO SUDAMERICANO

Hay dos hechos positivos y uno negativo a resaltar con motivo del estreno  ( para Sudamérica ) de esta obra del compositor alemán, estrenada en  1965 en Colonia, inmediatamente presentada en otras ciudades alemanas  y finalmente en 1982 llegada a los EEUU donde se la vio en  en NY ( NYCO no el Met, algo que también se dio en   GB donde fue estrenada en la ENO  y no en el COVENT GARDEN ) y Boston , para luego caer en un relativo olvido con un muy escaso número de representaciones y de ciudades que la han visto. Con esta representación el Colón amortiza un relativo atraso que tiene en la presentación de óperas de autores alemanes del siglo 20, que conforman todo un movimiento y que no han logrado un espacio en la programación principalmente porque no se insistió en la idea del fallecido SERGIO RENAN  de un  abono de música contemporánea que llegó a crearse  y del cual rápidamente se desistió según se comenta por la escasa adhesión del público. Ahora vuelve dentro del Abono tradicional, con un público cautivo que tiene que comprar entradas para esta Opera le guste o no le guste verla porque es parte del menú obligatorio (de hecho algunos abonados optaron por no utilizar sus asientos y hubo algunas vacantes al menos en la Platea, que se  volvieron más abundantes pero no preocupantes después del único intervalo) Un Teatro oficial tiene que estar abierto a todas las formas del arte que tiene a su cargo y es saludable que conozcamos las Operas más modernas que se han escrito y no nos quedemos con solamente lo que se escribió de RICHARD STRAUSS  para atrás. Lo que causa en cierta medida preocupación y hasta irritación es el hecho de que estas inclusiones, que se han vuelto más frecuentes en las tres últimas direcciones artísticas del Teatro, en vez de ser ADICIONALES A son en SUSTITUCIÓN DEL repertorio más tradicional que no sólo está siendo ofrecido en un número menor sino que no está siendo presentado con  el brillo debido siendo de notarse una caída en el nivel de los elencos que se importan, a menudo superados por los elencos locales a cargo de las extraordinarias y con puestas en escena que desnaturalizan de tal manera las obras que por comparación las  obras más modernas llegan a parecer conservadoras.  (FELIZMENTE TOSCA, EL PROXIMO TITULO SRA UNA INSULA EN MEDIO DEL REPERTORIO CON  DOS ELENCOS DE EXCEPCION) El segundo factor positivo a destacar es la decisión de no traer un  regisseur de fuera y confiarle el arduo trabajo de montar esta difícil ópera a un director local, y aún más, a la hora de elegir el candidato inclinarse por un joven y talentoso director que ha venido desarrollando una carrera ascendente con presentaciones en varias ciudades del país y del exterior , inclusive en el Teatro Municipal de Santiago que es hoy por walk over del Colón la principal sala lírica del sub continente, siendo este su debut en la Sala. Indudablemente el logro absoluto de esta impactante puesta significará un espaldarazo en su carrera  que seguramente comenzará a tener repercusiones internacionales, muy especialmente si se llega a exportar o filmar esta versión. Die Soldaten no es nada fácil de escenificar porque el autor ha creado una acción envolvente donde se desarrollan varias escenas a la vez. Originalmente Zimmermann había proyectado una compleja estructura de 12 escenarios que envolverían al espectador, lo cual terminó siendo considerado como una locura irrealizable por las autoridades de Colonia que habían encargado la Opera, lo cual atrasó en varios años el estreno y obligó a que la partitura fuera reescrita. En representaciones posteriores se usaron recursos multimedia con diversas pantallas. La versión  de Maritano –Bordolini recurre al escenario giratorio del Colón pero también a estructuras en forma de torre que contienen espacios  cúbicos (en algunas escenas 21 de ellos ¡!) en los cuales se desarrollan las escenas paralelas, que incluyen una inusual serie de violaciones y actos sexuales más o menos violentos  Algunas escenas son de muy fuerte impacto,  muy especialmente - la escena 1 del acto 2, que es también un momento cumbre de la partitura, con la celebración masiva en el café y las peleas entre soldados que se producen en ella, y el impresionante sonido de percusión que producen  los soldados con sus tazas golpeando en la mesa al unísono. -la escena  5 del acto 3 con el enfrentamiento de la condesa con Marie - la escena 1 del acto 4 verdaderamente pesadillesca donde  recurriendo a dobles varias Marie aparecen en cada uno de los cubículos que resumen simultáneamente la historia de la degradación progresiva de Marie – -todo el cuadro final del acto que se inicia con el rechazo del  padre ( muy intenso en la escena final ) hacia su hija tornada ya en una prostituta mendicante, y la durísima escena final que culmina con  el grito mudo de la protagonista y el apagón total de las luces del Teatro. A lo largo de la obra y en sus escenarios simultáneos Maritano ha tenido que manejar gran cantidad de cantantes y figurantes obteniendo de todos y cada uno de ellos una gran concentración dramática y una gran compenetración con el personaje interpretado. El trabajo es tan notable que da para olvidar algunas locuras cometidas años atrás en el repertorio tradicional que quizás no hayan sido más que pechés de jeneusse. Si difícil es montar escénicamente la obra, más difícil aún es conducirla musicalmente. Con  una orquesta ampliada en número de instrumentos, grabaciones de voces, pasos  y sonidos bélicos, y la ausencia de una línea melódica que facilite la ejecución, de hecho mantener el todo unido es una tarea de ciclope, y el excelente director suizo  BALDUR BRONNIMANN  de hecho lo fue ( más allá del percance en la noche del estreno ),obteniendo un  óptimo rendimiento de todos los recursos empleados y muy especialmente de la Orquesta estable empeñada en la ejecución de una partitura que escapa notoriamente a su fach habitual. Hasta donde es posible juzgar a los cantantes en  una Opera que uno no conoce y que por otra parte tiene una música tan extraña, me pareció muy bueno el desempeño de todos ellos con un destaque absoluto para SUSANNE ELMARK excelente protagonista con una gran entrega actoral pero también con una voz que  bien quisiera oír en una música más normal. Buenos puntales fueron JULIA RIDLEY  como su hermana,  LEIGH METROSE como su novio, FRODE OLSEN como el padre ( muy intenso en la escena final ) y entre los locales EUGENIA FUENTE con una voz bien más grave que lo que le hemos oído últimamente y SANTIAGO BALLERINI que sobrepasó con facilidad la barrera de la orquesta y se hizo oír muy bien en la enorme sala del _Colon, una evidencia más de cómo su voz ha crecido en estos años. Me parecieron calantes los agudos del tenor  TOM RANDLE pero no podría jurar que no hayan sido escritos así, y desagradablemente estridentes y casi gritada la voz de NOEMI NADELMANN como la Condesa, pero nuevamente no puedo saber si está concebido así. En cuanto  a la obra en sí, se han tejido profundos análisis por parte de musicólogos, filósofos y literatos que le asignan  un  profundo contenido de denuncia de la violencia, en particular de las clases dominantes germanas , una crítica al militarismo  y hasta de la crueldad intrínseca del género humano. Y se ha calificado a su música como un  texto fundamental del arte musical moderno. original Puede ser. A mí el argumento de la obra me ha resultado bien similar al de tantos melodramas que he visto en cine y hasta en las Operas “anticuadas “–Una joven de familia burguesa que es seducida violada y prostituida y acaba en la mala. SE ha visto muchas veces y no tiene nada de original. Lo es la manera recargada, alucinante de presentarlo. Sobre la música puede ser que sea de verdad un hito en la historia de la música, pero con franqueza dudo mucho que de aquí a unos días me despierte con un deseo irrefrenable de volver a oír esa música que para mí la mayor parte del tiempo sonó simplemente a acompañamiento ruidoso de la acción. Y me quedo con las inteligentes e introspectivas palabras del propio Maritano en el programa ES LA OBRA DE UN HOMBRE QUE HA PERDIDO LA POSIBILIDAD DE DIALOGAR CON EL MUNDO Y SOLO PUEDE GRITARLE COMO EN UN DESCARGO VISCERAL, SIN ESPERAR NINGÚN TIPO DE RESPUESTA. Yo pertenezco a una generación que iba a la Opera a conmoverse con las emociones y la belleza de la música que se le ofrecía, no a que le griten.  Me ha gustado conocer la Opera, me ha interesado y en más de un momento me ha conmovido. Pero no anteveo que por lo menos en los próximos 5 años se me ocurra entrar en un Teatro para verla otra vez.

LUIS G BAIETTI

UNA VERSION AUSTERA, DE BAJO COSTO PERO DE GRAN CALIDAD VOCAL QUE VALE LA PENA VER
LA BOHEME

OPERA DE GICOMO PUCCINI CON LIBRETTO DE Giuseppe Giacosa Y Luigi Illica
DIRECCION MUSICAL –NATALIA SALINAS
DIRECCION ESCENICA –ANA CRAPIS
ACOMPAÑAMIENTO AL PIANO – FERNANDO BRITOS

MAGNA LIRICA está desarrollando una intensa actividad que incluye representaciones todos los miércoles en el Teatro HASTA TRILCE de la Opera LA BOHEME, de la cual quedan aun dos  representaciones, una versión infantil de LA FLAUTA MAGICA que estrena en estos días  y de la cual damos más detalles en la página FB de la revista, el estreno de COSI FANTUTTE  que irá en los meses de Noviembre y Diciembre próximos y un proyecto sobre el cual aún se conocen pocos detalles de montar una versión de LA VIUDA ALEGRE.
El Teatro HASTA TRILCE no había sido utilizado hasta el momento para espectáculos líricos. Tiene algunas ventajas y algunos inconvenientes que quizás sean subsanables. La peor limitación es la ubicación. La Sala está ubicada en la próspera región de la Avenida Rivadavia a un par de cuadras de Medrano y de la bellísima y muy de moda  confitería LAS VIOLETAS cuya reinauguración a todo trapo le ha dado vida a la región, pero está en una calle transversal (MAZA) que es algo desolada  y oscura para los tiempos que corren. La parte delantera del local está ocupada por un bar /restaurante de características originales, con una ambientación que incluye un salón biblioteca que está pidiendo ser escenario de un film por su decoración y su mobiliario antiguo. La noche que concurrí a ver LA BOHEME  había en curso una fiesta de cumpleaños con una mesa muy numerosa y en la que se sirvieron platos que por los menos a los ojos famélicos de este individuo sometido a la crueldad dietética de los médicos, le parecieron  más que interesantes y le dejaron con la idea fija de un día olvidar todo y comer allí.
La sala en sí es de buenas dimensiones, digamos que es una sala grande dentro de las pequeñas, con una buena capacidad y una visibilidad perfecta garantizada por una excelente disposición de la Platea con acusado desnivel de una fila a otra. Posee un escenario muy amplio, que permitió colocar un piano enorme en un costado del mismo y que prácticamente no se lo viera y que no obstaculizara la acción. Idealmente ofrece la chance, habiendo presupuesto, de sustituirlo por un pequeño conjunto de cámara que haga las veces de la Orquesta. Tiene un problema de acústica al cual en sucesivas presentaciones y ensayos deberán adaptarse los cantantes, que deberán reducir el volumen de sus prestaciones, que por obra de la sonoridad de la sala parecen demasiado rotundas y llegan a agobiar.
La propuesta de MAGNA LIRICA es austera, buscando presentar un espectáculo sin altos costos de producción, que posibilite la fijación del precio de la entrada (200 pesos la platea esta noche) en valores extremamente accesibles que permitan la afluencia de un público que ha sido dejado de lado por los altos precios que practica el Teatro Colón y los que se han visto obligadas a adoptar las Cias. Privadas de mayor porte debido a los altos costos y a las restricciones del mecenazgo provocadas por la crisis económica.
No tenemos entonces decorados ni mobiliario costoso, apenas una mesa y un conjunto de sillas (demasiadas en realidad para el acto 1 y el acto 4 donde el libretto habla claramente de LA  silla y se hacen un par de bromas al respecto de este solitario ejemplar del mobiliario) y un colchón extendido en el suelo que hace las veces de la cama. Esta disposición más la inexistencia del coro determinaron que hubiese que abreviar el final de la escena del acto 2 que pide  la presencia de  masas en el escenario y la del inicio del acto 3 que se inició con la llegada de Mimi renunciando a todo el inicio del mismo.
La dirección escénica me pareció correcta, aunque me dejó la impresión de que más bien cada uno de los intérpretes se auto dirigió y decidió  sus movimientos porque hubo una marcada diferencia de estilos interpretativos entre ellos. Los movimientos escénicos estuvieron en general muy bien diagramados haciendo un uso inteligente del vasto escenario y hasta de sus alrededores (la escalinata de la platea por ejemplo), pero pudo percibirse algún error derivado de no haber tomado lo suficientemente en cuenta el libretto, haciendo que dos personajes que comparten un secreto lo hagan con varios de los otros personajes colocados en el medio de ellos.
La dirección musical fue muy buena y supo mantener el espectáculo funcionando sin sobresaltos  con  una buena coordinación entre los solistas y entre estos y el piano. El instrumento desafortunadamente estaba muy desafinado y pudo provocar accidentes  de los cantantes, que felizmente no ocurrieron debido seguramente a la concentración con que se aplicaron a cantar e interpretar sus partes.
Hasta aquí la impresión es algo restrictiva, pero todo cambia a un elogio franco cuando entramos a juzgar el elenco puesto al servicio de la obra, que logró una valiosa versión que hizo olvidar todas las limitaciones e hizo que el espectáculo sea totalmente recomendable para que lo vean aún los aficionados de la Opera que frecuentan los Teatros de mayor porte.
En primer lugar, dos actuaciones  gloriosas de las dos sopranos   , ambas con voces importantes, absoluto dominio de la partitura en toda su extensión y un uso dramático de sus medios vocales.  MARIANA CARNOVALI fue una Mimi de lujo, con bellos agudos y pianísimos y un centro de voz y graves que  han crecido mucho y que parecen apuntar a un futuro desarrollo en el campo de las sopranos más pesadas (seguramente tendrá gran lucimiento su COME SCOGLIO cuando hagan más tarde la COSI FAN TUTTE  que tienen proyectada) y hacen soñar en una TOSCA  o aún en papeles de soprano más exigidos vocalmente. Pero la joven soprano con muy buen tino, no se apresura a encarar estos papeles y está dejando simplemente que la naturaleza, el tiempo y el refinamiento técnico hagan su trabajo. Por ahora nos dio una espléndida Mimi donde fue posible oír todas las notas, lo cual no siempre se da en los grandes teatros donde algunas sopranos líricas que han encarado la parte reducen al mínimo o soslayan algunas de las notas más graves de este papel que es lírico pero no para cualquiera.
LAURA POLVERINI está en espléndido estado vocal. No se oye todos los días una voz de soprano lírico-ligera con el sobresaliente, voluminoso centro vocal  que despliega y que este sea obtenido sin perjuicio del registro agudo tan seguro como siempre. Cantó una Mussetta que sería un lujo en cualquier teatro y que hace lamentar que la orientación modernista de nuestros dos  teatros oficiales (Colon, Argentino) que han vetado a Donizetti y su Lucia, nos impidan escucharla en el papel donde podría lucir ampliamente sus posibilidades. Polverini es además una actriz consumada, que pasó por encima de todas las restricciones escénicas de la versión y logró una magnifica, atrapante interpretación de su gran escena del acto segundo.
Luego de estas dos interpretaciones uno temería que el resto del elenco resultara opacado pero felizmente no fue el caso.
SEBASTIAN RUSSO no es a priori la voz ideal para Rodolfo, un papel que requiere un centro y graves más poderosos que los que puede ofrecer Russo que es nítidamente un  tenor ligero ideal para óperas como DON PASQUALE, EL ELIXIR DE AMOR que requieren este tipo de voz ultra aguda. El acierto del tenor fue no forzar la voz tratando de parecer más robusto, y cantar naturalmente con su voz que tiene valores no desdeñables. Resultó entonces un Rodolfo modesto en las zonas más centrales pero que impactó con  un esplendoroso registro agudo, cantando con  brillo el famoso y temido DO del aria, que aquí fue despachado y sostenido con una facilidad que muchos intérpretes recientes de la parte hubieran envidiado y se permitió el lujo de cerrar el acto haciendo el agudo final  a la par de la soprano, lo cual es opcional y no siempre se oye. Russo es un intérprete sensible (me impactó por ejemplo la forma natural y sentida conque en el tercer acto dijo su EBBENE. NON LO SON previo a su revelación del grave estado de salud de Mimi), tiene la apariencia juvenil ideal para un papel de galán como este y posee una generosa expresión facial muy visible además en un Teatro de las proporciones de este. Le falta un mayor dominio de la expresión corporal, soltarse más en los movimientos, aunque aquí en muchos momentos fue muy elogiable su disposición juvenil en  buena parte de la acción. En suma una interpretación perfectible pero disfrutable a la vez.
ALFREDO J MARTINEZ  tiene una importante voz baritonal y no desmereció para nada al lado de sus dos ilustres colegas femeninas, lo cual es ya de por sí una hazaña. Cantó con absoluta seguridad una parte que para él no ofrece terrores de ninguna especie y actuó   con naturalidad. En tren de ponerme crítico yo le pediría un uso más generoso de los pianísimos.
PABLO BASUALDO  y JUAN FEICO  fueron dos sólidos Colline y Schaunard tanto vocal como actoralmente.  Me gustó mucho el Alcindoro de LADISLAO HANCZYC que aparte de interpretar muy bien la parte la sirvió con una voz más sana y generosa de lo que es habitual. Me gustó menos su Benoit por la decisión de deformar la voz para dar la edad del personaje,  que afeó toda su intervención.
En suma un espectáculo muy interesante y recomendable para quienes quieran ver otra BOHEME diferente, centrada en los cantantes y esté dispuestos a renunciar al lujo escénico de digamos un ZEFFIRELLI, y puedan entonces beneficiarse de un precio absolutamente accesible detalle no menor en los tiempos que corren.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

EL ELIXIR DE AMOR

OPERA DE GAETANO DONIZETTI
LIBRETTO DE FELICE ROMANI
BASADO EN EL LIBRETTO DE E.SCRIBE PARA LA OPERA LE PHILTRE
DIRECCIÓN MUSICAL JESUS MAGALLANES
DIRECCIÓN ESCÉNICA –CAROLINA BASALDUA
CANTIAMO BAIRES
TEATRO EMPIRE

En lo sucesivo habrá que seguir de cerca las actividades de CANTIAMO BAIRES que acaba de presentar una versión de calidad de la ópera de Donizetti, con un muy buen nivel musical y una presentación escénica austera pero que dio gran vida a la obra. Las limitaciones de presupuesto, en cierta medida debido al deseo de montar una producción de costo reducido que permita cobrar entradas también de valor reducido determinaron una puesta que simplificó al máximo el aspecto escenográfico y se benefició en el costo de los trajes de la decisión de trasladar la Opera a una pulpería en la pampa argentina en el momento actual, decisión que felizmente fue ejecutada sin violencia para el texto como desgraciadamente está siendo la tendencia en la Opera moderna especialmente si de Alemania hablamos. Esta austeridad llevó una disminución drástica del número de figurantes que hizo que Belcore llegara con un batallón compuesto de un solo soldado y a una entrada opaca de Dulcamara, desprovisto de un vehículo, asistentes y hasta de la famosa valija de fármacos. Esto fue compensado por la desopilante creación de JUAN SALVADOR TRUPIA un actor de primerísimo nivel, tan eficaz en el centro de la escena como en las contraescenas, evidenciando una solida formación actoral. Y vocalmente en un estado deslumbrante, con una voz segura en todo el registro, potente, de timbre placentero y un absoluto dominio de la coloratura. Yo vengo de ver hace relativamente poco el genial Dulcamara de ERWIN SCHROTT , el más famoso y demandado en el mundo en este momento y puedo decir que si alguien me pidiera recomendar un cantante para a formar un elenco alternativo alternando con el gran bajo-barítono uruguayo en la parte, propondría sin vacilar un instante el nombre de Trupia , seguro de que mi sugerencia sería agradecida cuando vieran la gran composición de este joven cantante argentino que inexplicablemente no fue convidado para cantar la parte cuando la obra fue dada en el TEATRO COLON, donde todavía n o se le ha dado la oportunidad de mostrar su talento.
El peligro de contar con un elemento así en el reparto es que acabe eclipsando a todo el resto del elenco dada la indisimulable superioridad de sus condiciones vocales ya actorales. No fue el caso en esta versión donde los también muy poco escuchados NATALIA BERESKY y LUIS ASMAT impactaron por su desempeño vocal y actoral. Ella posee una rara voz de soprano coloratura con un centro firme y agudos de un volumen que no es usual para este tipo de soprano, lo cual hace suponer que en breve estará cantando otro tipo de repertorio, más pesado. Impecable todo lo que cantó pero muy especialmente el aria IL MIO RIGOR DIMENTICA con su endiablada coloratura y su descenso brusco del agudo al grave, en la cual dio una verdadera lección de precisión vocal, a la cual quizás debiera haber asistido la soprano que trajeron cuando montaron la Opera en el Colon. El posee una voz de un timbre bellísimo en particular en la zona central, y un fácil ascenso al registro agudo que tiene un cierto color atenorado. Fue además una suerte contar con un barítono agudo permitiendo el contraste vocal con Dulcamara, usualmente un bajo bufo, aquí también en manos de un barítono pero de un color vocal más oscuro.
Simpática y con buena voz LORENA VENEGAS como Gianetta.
En cuanto al tenor ELIAS ONGAY, es un cantante realmente muy joven que aún no tiene la voz totalmente formada y aún no ha elegido totalmente su registro que yo tendería a penar que es el de contra tenor, dada su facilidad para el registro agudo que tiene una coloración absolutamente blanca. Cantó con una línea de canto impecable y con refinamiento vocal, si bien en muchos fragmentos desapareció tras el coro o algunos de sus compañeros solistas debido al escaso volumen que comanda. Y en otros debió dar una versión sumamente lánguida del personaje para adaptarlo a su voz. Eso sí: es un excelente actor que logró una gran interpretación visual de Nemorino, especialmente de su dolor de ser rechazado. Pienso que es alguien de quien vamos a sentir hablar mucho en el futuro no muy lejano.
Un coro correcto con algunos desajustes en los momentos más complicados y con una inusual predisposición actuar, detrás de la cual se intuye la mano de la directora escénica que obtuvo tan buenos resultados con ellos como con los solistas.
Asombró la calidad de la orquesta, integrada por músicos de no más de 30 años, excelentemente dirigida por el Maestro JESUS MAGALLANES a quien criticaría solamente una ejecución a la cual le falto algo de leveza y que abuso de la sonoridad de la orquesta, algo doblemente peligros o en un Teatro que como el Empire no tiene foso y la orquesta actúa al nivel de la Platea. Pena el accidente con el oboe en el comienzo del aria del tenor.
Un espectáculo entonces de muy buen nivel que pone en la mira a una nueva organización operística que promete mucho.

Luis Baietti para operaintheworld

MUY GRATA VERSION DE “LA BOHEME”

Ni el frío, el viento, la lluvia y la final de un Campeonato de fútbol pueden frenar a Puccini.
Con una sala casi colmada transcurrió la versión Semimontada de “La Boheme” presentada por el Ensamble Lírico Orquestal. Fue un gran placer ver cómo año a año esta Institución está creciendo, con cantantes más experimentados y un muy buen nivel orquestal y coral.
Solo es de lamentar que lo logrado el año anterior, sacando varias filas de platea y dándole un lugar a la orquesta, no se verificó en esta oportunidad y tuvo que compartir el escenario con los cantantes.
La Maestra Susana Frangi, como ya nos tiene acostumbrados, brindó una excelente versión de la hermosa partitura de Puccini, a pesar de contar con una reducida orquesta pero que le respondió en todo momento. Totalmente en estilo y con un buen nivel de afinación y volumen, fue un trabajo de excelencia.
La versión contó con un parejo elenco mayoritariamente de cantantes con experiencia.
Mariela Schemper – que por esas cosas que ocurren en nuestro país hace tiempo no veía – cantó una muy buena Mimí. Su voz tiene un importante volumen y su canto se lució, especialmente, en el último acto rico en matices. Su voz en el sector agudo puede tornarse algo metálica, tal vez no sea el timbre más adecuado para el rol. Pero cumplió con eficacia, actuó con naturalidad y esperemos verla con más asiduidad en nuestros escenarios.
El tenor rosarino Andrés Novero, que creo debutaba en Buenos Aires posee una voz de hermoso color. Creo que fue una prueba de fuego debutar con Rodolfo, en un teatro tan grande y con la orquesta en el escenario. La primera impresión fue que su volumen no era suficiente, si sus agudos que los emite con total facilidad y muy buen volumen. No pasó lo mismo con su registro medio y grave, poco audibles en los primeros actos. Pero fue mejorando – tal vez ya menos nervioso – y brindó un muy buen último acto donde su voz se escuchó con claridad en todo el registro. Algo parco como actor, tal vez por la falta de frecuentación en roles de importancia. Realmente me gustaría escucharlo, ya con más experiencia en un Teatro como el Avenida. Tiene sin dudas condiciones sobre todo en una cuerda que no abundan.
Laura Pisani brindó una excelente Musetta, con voz clara, suficiente volumen y muy desenvuelta como actriz. Emitió hermosos pianísimos en el difícil segundo acto, que en general no se escuchan. Gran trabajo.
Fernando Grassi como Marcello, se mostró sólido en lo vocal y como nos tiene acostumbrados muy desenvuelto en la parte actoral. Lentamente su voz va tomando más cuerpo, más volumen y eso le posibilitará poder abordar otros roles.
Mario De Salvo repitió su muy buen Colline que hace poco tiempo le hemos visto en el Teatro Argentino.
Las dos sorpresas agradables de la versión, Juan Font como Schaunard y Claudio Rotella como Benoit. Font, quien fue uno de los premiados el año anterior como revelación del año por nuestra revista, desplegó un canto franco, con buen volumen y una arrolladora personalidad que hizo que fuera el centro en todas las escenas de conjunto. Bravo. Tal vez el Ensamble Lirico Orquestal le de la oportunidad de cantar Rigoletto, el próximo título de opera programado.
Claudio Rotella dueño de una importante voz y en total comando de la misma, generó un Benoit de los mejores que visto luego de tantas” Boheme” que pasaron por mi vida. En un pequeño papel cantado generalmente por cantantes en el final de su carrera, su voz y su sentido teatral demostraron que no hay pequeños papeles cuando existe talento.
Correcto el resto del elenco y muy buen trabajo de ambos Coros.
Raúl Marego cumplió una buena función, adaptándose a una acción que transcurre en medio escenario. Los errores – siempre criticados – estuvieron aquí también presentes, como ocurre en la mayoría de las puestas. Cuesta creer que Musetta sobreviva al frío de Paris en diciembre tan liviana de ropa, aunque con un hermoso vestido….pero ya estamos acostumbrados a esa “gafe”. Solo si pareció quitarle dramatismo al final al poner a cantar al tenor sus dos frases finales de espaldas al público.
El Ensamble Lírico Orquestal sigue demostrando su crecimiento, año a año da un paso más. Esto insume un gran esfuerzo, como a todas las Compañías privadas. Pero el trabajo se nota claramente. Por eso esta muy grata “Boheme” debe verse, aunque el frío o la lluvia exterior arrecien, la calidez de la versión es una buena recompensa.

Dr. Alberto Leal
operaintheworld

"Il Signor Bruschino"

Sol Lírica es sin duda la Compañía del “off” que más ha crecido en el último tiempo. Por la elección de los títulos, por la inclusión de orquesta, por sus inteligentes elecciones en los casting, merece todo el apoyo que se le pueda brindar.
Y fue un gran acierto reponer Il Signor Bruschino", que tan bien fue representado el año anterior en el Teatro Empire. En esta oportunidad en un teatro mayor como el ROMA de Avellaneda.
Pueden ver mi crítica del año anterior en nuestra revista: http://www.operaintheworld.com/paginas/criticas_2015.html
Aunque existió un sustancial cambio de elenco, no perdió para nada la magia generada el año anterior y se mantuvo el nivel musical, a cargo del Maestro Ulises Maino y la inteligente puesta en escena de Julián Garces, notable en la marcación de los cantantes y bien resuelto el aspecto visual.
Juan Salvador Trupia y Rodríguez (creo que es el momento de suprimir el Rodríguez) mejoró, si era posible, su prestación del año anterior. Es sin duda alguna uno de los mejores barítonos con que cuenta nuestro país. Un cantante todo terreno que puede abordar en una temporada roles tan disímiles como Carlo Gérard, Fígaro en Bodas, el Toreador en Carmen y Bruschino entre otros. Pero que es además un excelente actor, como quedó claramente demostrado este domingo en un papel abordado generalmente por bajos buffos. Su voz ha seguido creciendo en volumen, teniendo hoy una voz típica de barítono verdiano. Por esa razón, a pesar de su notable esfuerzo en reducir su volumen, por momentos su voz sonó demasiado grande para un teatro como el Roma. Vi por primera vez a Trupía en ese mismo teatro hace ya varios años en un excelente Pagliacci y se ha superado año a año. Sigo, como lo he dicho el año anterior, como a un cantante que reúne hermoso timbre, importante volumen, excelente línea de canto, además de ser un consumado actor no es llamado por el Teatro Colón (este año tenía una buena oportunidad dándole alguna función de Scarpia, que tan bien ha cantado en el Teatro Avenida) o por el Argentino de La Plata. Misterios que en lo personal nunca podré entender o no quiero entender….
Fue una grata revelación Constanza Díaz Falú, a quien escuché hace ya un tiempo en el Teatro Avenida y recibí elogiosos comentarios de su muy buena Musetta en la Boheme del Argentino.
Aunque no posee una voz de gran volumen, se escucha perfectamente debido a los armónicos de su bello timbre. Tiene una muy buena figura, es muy desenvuelta en lo actoral y sobresaliente en lo vocal.
Su voz es pareja en todo el registro, siempre afinada, impecable en las coloraturas y con más que placenteros sobreagudos. Fue un placer escuchar su muy difícil aria  "Ah voi condur volete". Un joven valor que esperamos siga creciendo y se den las oportunidades que su talento merece.
Muy buena composición de Gabriel Vacas, impecable en las escenas de conjunto, acompañado de un canto franco.
El mismo nivel mantuvo el resto del elenco, Augusto Nureña Santi (Filiberto), Matías Klemm (Florville), Leticia Leiva (Signora Filiberto), Cecilia Pérez San Martin (Marianna) y Ramiro Pérez (Bruschino figlio/Comissario).
Una función que contagió alegría para mitigar un clima desapacible.
Bravo Sol Lírica!
Ahora nos toca esperar hasta octubre, donde ofrecerán en el Teatro Empire “Il Mondo Della Luna, con un elenco que incluye a Juan salvador Trupía, Laura Polverini, Gabriel Vacas, etc.
Esperamos con ansiedad este nuevo trabajo y que todos los amantes de la ópera se hagan presentes, no solo el esfuerzo sino también porque los excelentes resultados lo ameritan.

Dr. Alberto Leal
operaintheworld

I CAPULETI E I MONTECCHI

OPERA DE VINCENZO BELLINI
LIBRETTO DE FELICE ROMANI
DIRECION MUSICAL JORGE PARODI
DIRECCION ESCENICA Y ESCENOGRAFIA MARIO PERUSSO
BUENOS AIRES LYRICA
TEATRO AVENIDA

Capuleti no se basa como uno podría pensar en ROMEO Y JULIETA DE SHAKESPEARE sino en la leyenda toscana en la cual se inspiró éste para componer su célebre tragedia. Quizás radique allí una de las limitaciones de CAPULETI como ópera. Le falta a la Opera un auténtico esqueleto dramático. La acción evoluciona más bien a los porrazos (literalmente en el caso de esta puesta) y de tanto en tanto se detiene para explorar una situación.
Pero hay por cierto otras causas que han incidido. En primer lugar la inexperiencia de Bellini que, con 26 años, no había compuesto aún ninguna de sus grandes obras y no había evidenciado hasta el momento un particular talento para las escenas de conjunto, que recién comenzarían a aparecer con importancia en I PURITANI iniciando un período de maduración que infelizmente quedó trunco a la muerte del autor, con escasos 34 años de edad.
Pero hubo además circunstancias particulares. Como consecuencia del suceso de su Opera IL PIRATA, Bellini fue convidado por LA FENICE a escribir una nueva Opera con un plazo de 40 días para hacerlo. Y para sumar limitaciones al proceso creativo FELICE ROMANI le propuso piratear el libretto que él había compuesto para NICOLA VACAJ sobre el mismo tema. Bellini no estaba acostumbrado, como Rossini o Donizetti a trabajar a esta velocidad. Tomó prestado mucho material de su Opera ZAIRA, y no logró un auténtico ensamblado de un material tan diverso..
Estamos entonces ante una Opera imperfecta con muchos momentos donde el interés decae, compensados por otros grandes momentos donde aflora el genio de Bellini y su certero temperamento dramático. Pongo por ejemplo la sublime escena del enfrentamiento de Tebaldo con Romeo. Ambos rivales están por trabarse en un duelo mortal cuando llega la noticia entre llantos lúgubres de que ha muerto Julieta. Y la situación se invierte. Cuando antes querían matar al enemigo ambos quieren ser muertos por él. Todo eso con la belleza indescriptible de la melodía belliniana.
Algunas de las limitaciones de la Opera quedaron más en evidencia por la imprudente decisión de abrir los cortes usuales, ya que al presentar la partitura en su integralidad se hicieron más evidentes las escenas donde predomina un material de menor interés, perdiéndose la concentración en los que son más logrados.
BUENOS AIRES LYRICA presentó una versión con una correcta (y no más) dirección musical, en varios momentos traicionado por los vientos, una regie más entre anodina y desafortunada de MARIO PERUSSO que al menos no se dedicó a
destruir el argumento. Un desempeño brillante del coro a cargo de JUAN CASASBELLAS (QUE BONITAS LAS VOCES DE LOS TENORES ¡!) y una orquesta correcta con altibajos
En el elenco SEBASTIAN ANGULEGUI volvió a impactar con su importante voz baritonal desplegada con generosidad y convicción, WALTER SCHWARZ dio a Capellio toda su autoridad vocal y visual.
ROCIO GIORDANO luchó contra una tesitura que no es la suya, especialmente en la zona aguda y un estilo bel cantista que no domina. Y en general fue tanto vocal como visualmente una mujer demasiado fuerte para la ingenua y oprimida Julieta.
SANTIAGO BALLERINI continúa afirmándose en este repertorio con un bellísimo timbre, certeros agudos, bellos pianísimos usados con inteligencia y adecuados graves (su voz se ha extendido bastante en esta zona en la que antes se mostraba menos sonoro) salvo dos o tres notas de la escena del cementerio donde sonó limitado.
CECILIA PASTAWSKI tiene en esencia una voz lírica de bellísimo timbre, con un potente registro agudo, bellos pianísimos, un centro menos voluminoso y graves adecuados. Quizás no sea la voz ideal para el Romeo que ha hecho la felicidad de las grandes mezzos acontraltadas del pasado, que podían emitir las notas y decir los parlamentos con la fuerza de un hombre, e imponerse en los conjuntos. Pero a cambio de ello Cecilia ofreció una impecable línea de canto, precisión musical, gran entrega anímica, y una composición visual tal que uno se sentiría tentado de exigir una revisación médica para constatar que se trata realmente de una mujer simulando ser un jovencito, tal la precisión de todos su movimientos: la manera de decir, de moverse, de no moverse, etc. Logró en general una composición admirable con algunos momentos de gran emotividad como la escena del duelo con _Tebaldo y la escena final. Cantó además con una delicadeza que por momentos pareció salida de un recital de cámara, culminando con un deslumbrante pianísimo en su exclamación final interrumpida por la muerte. Desde ya una actuación que deberá ser tenida en cuenta a la hora de elegir las mejores interpretaciones del año.
En suma un espectáculo que nos trae el Bellini que no es el de las grandes obras maestras que todos le admiramos, con Norma a la cabeza, pero que tiene muchos momentos de gran calidad musical y dramática que en la versión presentada están muy bien servidos por buena parte del elenco, con un especial énfasis en las soberbias interpretaciones de la mezzo y el tenor. Vale la pena verlo, especialmente si se tiene en cuenta el carácter poco frecuente de los montajes de esta Opera que no será perfecta pero no se merece estar tan olvidada.

Luis Baietti
operaintheworld

FIDELIO

OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)

Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
FIDELIO, OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)
Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
Recibida con poco entusiasmo en su versión inicial fue luego convirtiéndose en un éxito y es hoy la Opera nro.34 entre las 100 más representadas en los Teatros de Ópera y la 5ta.  del repertorio alemán.
En cierto sentido la obra resume la evolución musical del genio de Beethoven y  la historia de la Opera alemana. Se inicia como un amable singspiel con fragmentos hablados y cantados, va adquiriendo fuerza dramática en un magistral 2do. Acto y culmina en una desbordante cantata al estilo de lo que sería el movimiento final de su 9ª. Sinfonía.
No es una Opera difícil de representar desde el punto de vista de la producción  escénica dado que debido a su ambientación  en una cárcel y en las mazmorras de la misma no tiene grandes exigencias en materia de decorados.
Es en cambio una Opera difícil de representar en lo musical y dramático.  Beethoven es muy exigente con su soprano y con el tenor y hay varios otros papeles en apariencia menores pero que no son nada fáciles de encarar.
LEONORA  ha sido un rol favorito de todas las grandes sopranos dramáticas alemanas de la historia. Son muy recordadas las interpretaciones de BIRGIT NILSSON, KIRSTEN FLAGSTAD, MARTHA MODL, ASTRID VARNAY, EVA MARTON, GUNDULA JANOWICZ, SHIRLEY VERRETT en su etapa de soprano. Requiere una gran voz con una extensión inusual, muy exigida en los graves pero con una agotadora sucesión de agudos en la escena final. Es necesario además que quien la cante sea una gran actriz.
FLORESTAN es también un papel arduo de cantar, desde la primer palabra que canta  GOTT ¡! (DIOS)  que JON VICKERS  inmortalizó cantándola pianísimo, seguida de un aria de creciente dificultad que culmina con una sucesión de agudos incómodamente acelerados que han creado problemas a varios de los mayores cantantes del mundo.
 
Y los otros papeles no le van en zaga.
Pero además FIDELIO es un glorioso canto a la libertad, a la resistencia al odio y la opresión, un tema que es atemporal y puede tocar el alma de públicos de las más diferentes épocas y lugares.  De hecho en el Colón hubo hace unos años un grave problema que casi llevó a la prohibición de la Opera cuando el regisseur contratado quiso incluir en escena militares con ropas actuales muy parecidas a las de nuestro ejército y detenidos con la cabeza cubierta por capuchas. Todo ello bajo el gobierno de Videla.
Simbólicamente fue la Opera elegida por la STAATSOPER WIEN  para inaugurar la reconstrucción de su sala en 1955, 10 años después de su destrucción total durante un bombardeo norteamericano que según se alegó confundió el techo de la Opera con  el techo de una estación de ferrocarril.
El Colón se había rodeado de un elenco importado en los tres principales papeles (soprano, tenor, bajo) y había previsto un elenco nacional para las extraordinarias.
Pero las cosas no funcionaron según lo previsto y a poco de iniciarse los ensayos la soprano alemana que recientemente había protagonizado una muy buena Kundry en Parsifal, tuvo que desistir de cantar el papel cuyas exigencias agudas la superaban. Las funciones de abono fueron fáciles de resolver porque el elenco de las extraordinarias estaba encabezado por CARLA FILIPCIC HOLM, una gran soprano dramática hecha a la medida para este papel, que sólo por una de esas injusticias que a menudo se cometen, no figuraba en los planes iniciales como cabeza del elenco  principal. El problema era conseguir con tan breve anticipación (la Opera ya estaba siendo ensayada) una cantante que se atreviera a aprender el papel en el escaso tiempo que quedaba  y que tuviera los atributos vocales y dramáticos requeridos. El Colon  tuvo suerte porque encontró a SABRINA CIRERA , una brillante soprano lírica con  algo más, que ha venido especializándose en papeles dificultosos en los teatros del off, y ha podido entonces unir lo útil a lo agradable y reparar una injusticia que clamaba al cielo y programar finalmente el debut de Cirera en la sala, en la cual espero se la vea a partir de ahora con la frecuencia que merece.
CARLA FILIPCIC  previsiblemente hizo una Leonora de excepción porque lo posee todo para cantar y actuar la parte, dominio del alemán, una bellísima voz de timbre oscuro que desciende con facilidad a los graves y se remonta con total seguridad a los agudos, un volumen vocal que desafía a la orquesta y a los coros, bellísimos pianísimos en los momentos en que son requeridos. Y cabe elogiar a los vestuaristas que supieron diseñar ropas que fueron amables con la figura de la cantante, que no es fácil de vestir..Una Leonora en suma digna de las ovaciones que recogió  y que debería pasearse por los teatros del mundo porque no hay muchas sopranos capaces  de cantar este difícil papel en ese nivel.
SABRINA CIRERA a su vez tuvo un debut consagratorio. Gran música, con toda la extensión requerida pese a ser esencialmente una soprano lírica con color vocal de tal,  excelente actriz fue la suya una gran interpretación, que seguramente crecería en lo dramático si hubiera una frecuentación posterior del papel, pero quien sabe cuando el Teatro Colon tan reacio últimamente a presentar óperas tradicionales, volverá a incluirla en  sus elencos.
Los dos tenores tuvieron pasajera dificultad en la difícil culminación del aria con  sus agudos obligato  Pero ENRIQUE FOLGER  deslumbró con su bellísima voz de coloración baritonal, su puntillosa musicalidad y su tremenda fuerza expresiva
ZORAN TODOROVICH  dio una versión muy correcta del papel pero su voz es menos agradable al oído (quizás por los años de carrera) y su interpretación, correcta, no llegó a conmover. Folger debió ser primer elenco, sin duda.
Marcelina es un papel traicionero en su aparente simplicidad. El Colón tuvo dos muy buenas sopranos lírico ligeras con toda la extensión y el volumen necesario para hacerse oír en los conjuntos. Ambas además muy buenas actrices .JAQUELINA LIVIERI tiene una voz realmente importante que ella maneja admirablemente, con  un centro de gran sonoridad que hace pensar que dentro de unos años estará cantando bien otro repertorio. CARLA PAZ ANDRADE estuvo deliciosa, muy musical y muy desenvuelta como actriz.
SANTIAGO BURGI Y SERGIO SPINA tuvieron que luchar contra la apariencia física que la regie decidió que tuvieran, con un delantal largo que más parece una falda y una corona de laureles ridícula en la cabeza. Ambos cantaron bien el personaje que no ofrece grandes dificultades. Burgi pareció más cómodo escénicamente interpretando al joven enamorado de Marcelina.
MANFRED HEMM Y CARLOS ESQUIVEL  fueron  ambos muy sólidos Rocco. Esquivel exhibió  una voz más importante y Hemm mayor experiencia y flexibilidad con  el papel especialmente en la parte recitada.
LEANDRO ESTEVEZ  fue un   Pizarro sonoro, algo exigido en la zona aguda y HOMERO PEREZ MIRANDA impresionó por la potencia de su registro central pero desfalleció  y fue cubierto por la orquesta   en graves y agudos extremos.  Actoralmente Pérez Miranda logró una gran composición de su malvado personaje, que en sus manos pareció un sibarita de la crueldad.
Sólida presencia de ALEJANDRO MEERAPFEL  como Don Ferrando portador además de uno de los más bonitos acentos alemanes del elenco. Una creación memorable de HERNAN ITURRALDE que recuerda a versiones gloriosas en las que este pequeño papel por su importancia era encarado por grandes divos como PREY Y FISCHER DIESKAU
Excelentes los 4 prisioneros JUAN GONZALEZ CUETO Y SEBASTIAN ANGULEGUI  en el abono y  FERMIN  PRIETO Y LEONARDO FONTANA  en la extraordinaria.
Una gran noche del coro masculino que sonó glorioso en sus dos intervenciones. Es evidente que ha habido una gran renovación de integrantes y que los  nuevos no sólo cantan maravillosamente  bien sino que además  actúan.
La orquesta no estuvo en una de sus mejores tardes, especialmente en la función extraordinaria en la que se notaron algunos desajustes serios en los cornos. Además el director privilegió tiempos lentos que quitaron vitalidad al primer acto. Felizmente el 2o. acto apenas terminada la obertura Leonora 3 adquirió bien otra fuerza.
EUGENIO ZANETTI  tuvo buenas marcaciones para con los intérpretes solistas, totalmente en consonancia con la acción. Sucumbió en cambio a su inclinación por la grandilocuencia gratuita incluyendo una serie de escenas que bordearon el ridículo por lo kistch y la escasa o nula adecuación a la letra de la obra.,
Si ya en DON CARLO se hacían notar algunas exageraciones en el recargamiento visual, en Fidelio que no ocurre en una fastuosa corte sino en el vientre del absolutismo los excesos visuales trabajaron en contra de la versión  

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN  THE WORLD

LA BOHEME- TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
SEGUNDO ELENCO

Una alegría ver el Teatro Argentino de la Plata nuevamente repleto en todas su localidades (de hecho en la función del Domingo con el elenco titular, hubo localidades agotadas. Una prueba de que el público sabe lo que quiere y que no es programando títulos elitistas como el 50% de esta temporada que lo van a traer de vuelta.
Yo recuerdo las épocas no tan lejanas en que bajo la administración del maestro Cenzabella el Argentino fletaba 4 y 5 ómnibus desde Buenos Aires y las funciones de fin de semana agotaban siempre las localidades. El teatro en épocas recientes pareció empeñarse en una campaña exitosa para alejar al público. Yo he llegado a ser en dos funciones el único que compro pasaje en el ómnibus y a haber sido llevado en un coche remise para reducir la pérdida.
Había causado alarma el escaso público de las dos primeras funciones, pero apenas fue funcionando el boca a boca de los espectadores, y tan pronto como se conocieron las críticas de los pocos órganos de prensa que le dedicaron atención al espectáculo ( OPERA IN THE WORLD fue uno de ellos y creemos que nuestro comentario francamente favorable tuvo mucho que ver en la reacción del público dada la amplia difusión que tuvo generando el mayor número de visitas a la página de los últimos tiempos ) se produjo un vuelco en la situación, al punto de que es una pena que no haya más funciones previstas porque volverían a agotar las localidades. Se habla y ojalá se concrete de hacer circular la versión por Teatros de las ciudades de la Provincia que dispongan de escenarios adecuados para ello, lo cual sería una doble justicia. Para los cantantes porque les proporcionaría mayores oportunidades de trabajo y una chance muy bienvenida de madurar en sus partes.
Y para los ciudadanos de dichas ciudades, que contribuyen con sus impuestos a mantener el Teatro de la –capital de la Provincia del cual pueden enorgullecerse pero que muy poco disfrutan.
Este elenco tuvo como atracción principal la excepcional Mimi de MARINA SILVA en una actuación que seguramente la promoverá al equipo de primeras cantantes del medio. Por primera vez cantando un papel que cae 100% en su registro vocal, Marina hizo gala de una potente voz de soprano lírica con un fuerte y sólido registro central, que llega con facilidad al grave y de bellísimos pianísimos que sabe usar como arma expresiva. –fue una gran Mimi, digna de ser lucida fuera del país. La voz de Marina está pidiendo Colón. Espero que le llegue.
Interpretativamente yo diría que logró un menor grado de compenetración romántica con su Rodolfo, por lo que sus escenas de amor tuvieron algo menos de emotividad. La escena de la muerte, en cambio, con una marcación bien diferente que la mostró más debilitada en los momentos previos, resultó más creíble si bien se repitieron el vestido y el maquillaje inadecuados.
UN LUJO PARA EL TEATRO ARGENTINO TENER DOS MIMí DE ESTE NIVEL.
Son increíbles los progresos que ha hecho JUAN CARLOS VASALLO. La naturaleza le ha dado una voz (y un físico) difícil de manejar. –como decía un gran barítono internacional hablando de su propia voz : es más difícil maniobrar un camión con acoplado que un Fiat 600- Vasallo tiene una voz importante con un registro de lírico spinto que le ha permitido encarar papeles como MANRICO, OTELLO , DON JOSE ( desgraciadamente lo vi enfermo ) decorosamente sin pecar por falta de recursos naturales. Pero ha tenido que luchar arduamente con la emisión, una tendencia a cantar fuera de tono que era muy audible en sus primeras apariciones, y una carencia de recursos actorales casi total. Aquí asombró por su grado de entrega emotiva, por su expresividad facial y de los movimientos de los brazos (el tronco aún resta algo rígido en los movimientos) por la afinación y por el uso inteligente de los pianísimos. Es una lástima el accidente con el DO del aria, que ha intimidado a muchos tenores y que yo atribuyo más a nerviosismo que a otro factor. Al final del acto, prudentemente escogió no hacer el agudo optativo junto con la soprano dejando esa responsabilidad sólo en las manos de Marina, que cumplió. Pero interpoló un agudo impresionante en el final del acto 2, que no recuerdo haber oído antes.
CONSTANZA DIAZ FALU sacó muy buen partido de una voz de soprano ligera de bellísimo timbre y fácil agudo, que a priori parece de poco volumen pero que se oye perfectamente en los concertantes. Una muy buena Musetta, pese a la marcación que tuvo en su escena la gafe más digna de ser objetada. En efecto, en lugar de lo que pide Puccini que es que Musetta arme un escándalo para atraer la atención de Marcello que se finge indiferente, el regisseur optó por hacerla embestir directamente contra la mesa del grupo arrojando por el aire los platos y el pollo que estaba servido. Un exceso, que contradice el espíritu de la escena pero que no llegó a empañar una regie que tiene muchísimo más para aplaudir que para criticar.
GUSTAVO GIBERT fue un sólido Marcello, muy bien interpretado. ALBERTO JAUREGUI LORDA sonó y lució demasiado señorial para el papel de Schaunard, que cantó y actuó con total corrección.
Y las interpretaciones de FERNANDO ALVAR NUÑEZ Y LUCIANO MIOTTO fueron un placer aparte que dejó con gusto a poco a los que los vimos.

Luis Baietti
Exclusivo para operaintheworld

“La viuda alegre”, opereta en tres actos.

Juventus Lyrica – Teatro Avenida.
Libreto: Víctor León y Leo Sean.
Música: Franz Lehár.
Director musical: André Dos Santos.
Directora escénica escenografía y vestuario: Ana D’Anna.
Cantantes: Maria Goso, Ernesto Bauer, Ivana Ledesma, Duilio Smiriglia , Carlos Kaspar, Norberto Lara y elenco.
Coro de Juventus Lyrica (director Hernán Sánchez Arteaga) y Orquesta.

Estrenada en el Theater an der Wien en Viena el 30 de diciembre de 1905, se convirtió en un éxito desde el momento de su estreno. Es sin dudas una obra más importantes en su género, se representa en todo el mundo con gran asiduidad (de hecho fijara como número 23 entre las óperas y operetas más representadas). Aúna una deliciosa música, un ambiente festivo y un seguro que los espectadores saldrán tarareando alguna de sus pegadizas melodías.
Lehár realizó algunos cambios para las versiones de Londres y Berlín e incluso compuso una obertura en 1940 para la Filarmónica de Viena.
La versión presentada por Juventus Lyrica tuvo un puntal en el excelente trabajo del maestro Dos Santos. Con precisos tiempos y la chispa necesaria realizó un excelente trabajo, respetando siempre el balance orquesta y foso. La orquesta siguió sus directivas y siempre sonó con delicadeza, y buen gusto. Un placer en la parte musical.
Otro punto importante de la versión fue el trabajo de Ana D’Anna. Con una bella escenografía en estilo art noveau, delicada, fácil para los cambios y con su tradicional buen gusto. Es un cuadro fijo que solo requiere pequeños agregados según los actos. También ella es la diseñadora de un vestuario totalmente en época, con hermosos diseños, aunque la paleta de colores elegida es, por momentos, demasiado oscura.
En general marcó con eficacia a los cantantes, aunque hubiera sido necesario trabajar más sobre el personaje de Hanna Glawari..
Excelente trabajo del Coro dirigido por Hernán Sánchez Arteaga.
María Goso, a quien nuestra revista la premió como revelación del año 2015 por sus estupendos trabajos como Micaela y Susana, no parece presentar la misma comodidad como Hanna. No se vio en ella la sensualidad y el estilo que el papel requiere. Por supuesto sigue siendo portadora de una excelente voz, cantó correctamente la más conocida pieza de esta opereta: "Es lebt eine Vilja", mostrando agradables pianísimos. Pero la codiciada millonaria nunca estuvo presente. Creo que debe trabajar más en el personaje, tal vez pueda ser una muy buena Hanna Glawari en el futuro. No fue favorecida por un vestuario que puede ser correcto para el papel pero no para ella. Igual su voz y desenvoltura no se ven empañadas para un futuro. Fue algo precoz cantar “Viuda” con tan poca experiencia en su carrera?
Por el contrario Ernesto Bauer, como Danilo, canto en forma segura con un bello timbre de voz y dio a la perfección lo que el Papel de Danilo requiere, distinción, clase.
Tal vez lo mejor de la función llegó de la mano de Ivana Ledesma (quien alternará como Hanna (y realmente lamento no poder verla). Con un hermoso timbre de soprano lirico-ligera, excelente volumen y notables dotes de actriz, fue una placer verla y escucharla. Si sabe - y puede – elegir el repertorio tiene un gran futuro asegurado.
Muy buen actuación de Duilio Smiriglia, hermoso timbre, adecuada línea de canto y buen actor. Parece que las dimisiones del Teatro Avenida le sientan más a su voz que las del Teatro Colón. Aquí su voz corrió en forma espléndida, escuchándose en todo momento.
Excelente idea la de incluir al actor Carlos Kaspar como el Barón. Le dio al papel una importancia que no ocurre generalmente. Y no se extrañó que la parte cantada fuera reemplazada por un parlato, ya que compensó con creces su actuación. También excelente, haciendo dúo con Kaspar fue el desempeño de Norberto Lara. Correcto el resto del elenco.
Es un logro hacer la versión original en alemán, pero la dicción en general fue bastante pobre.
A pesar de estas salvedades la brillante música de Franz Lehár hacen que el público se sienta en una fiesta y que salga canturreando las más pegadizas melodías. Siempre la “La viuda alegre” depara un tiempo de placer, de alegría y los que vayan no se sentirán defraudados.

Dr. Alberto Leal

TEATRO ARGENTINO

LA BOHÈME – domingo 8 de mayo
Muy buena apertura de temporada
Opera de Giacomo Puccini con libreto de Giuseppe Giacosa Y Luigi Illica
Director de Orquesta: Carlos Vieu
Director escénico y adaptador de vestuario: Mario Pontiggia
Director de Coro: Hernán Sánchez Arteaga – Coro de niños: Mónica Dagorret
Producción Escénica realizada en los talleres del Teatro Argentino
Orquesta y Coro Estables – Coro de Niños

Estrenada en 1896 en el Teatro Regio de Turín poco podemos agregar de esta magnífica obra del Maestro Puccini.
Solo con decir que es la cuarta ópera más representada en el mundo, queda en claro el interés que despierta en todos los amantes de la ópera.
La versión con que abrió su temporada el Teatro Argentino deber ser considerada de excelencia, demostrando una vez más que bien elegido el reparto nuestros cantantes pueden realizar excelentes prestaciones.
El Maestro Carlos Vieu, siempre una garantía al frente de la orquesta estable, brindó una excelente versión musical, impecable en estilo, supo equilibrar foso y escenario, nunca tapando a los cantantes y brindar brillantez cuando era requerida. Gran trabajo que fue acompañado por la orquesta estable en todo momento.
Mario Pontiggia generó una escenografía en dos planos, muy interesante, aunque la segunda planta no fue muy usada, dio un muy buen marco visual. Como es sabido no soy proclive a los cambios de época en las óperas en general. Sin embargo aquí, trasladada alrededor de 1940, fue coherente en todo momento y no alteró mayormente la trama.
El vestuario, también de Pontiggia fue mucho menos convincente. No hay forma de justificar que Mimí llegue moribunda con el peinado recogido impecable como usó en toda la representación ni vestida de impactante floreado (todo esto restó fuerza dramática al final) Tampoco es explicable que en Paris en pleno invierno y en la calle salgan bailarinas en malla. Hay muchos detalles de este tipo pero lo valioso es que marcó muy bien a los cantantes, quienes respondieron en gran forma, creando momentos de comicidad de buen cuño y otros de notable sensibilidad.
Lo vocal nunca bajó de un nivel de excelencia. Daniela Tabernig, una de las jóvenes figuras con segura transcendencia a nivel internacional, brindo una brillante Mimí, con hermoso timbre, importante volumen y una gran facilidad para matizar. Actuó en forma siempre correcta, aunque la escena de la muerte – tal vez no favorecida por el entorno - fue lo menos convincente de su trabajo.
Gustavo López Manzitti, en uno de los mejores trabajos que le he visto en todos estos años, junto al Werther del Colón. Cantó con bella línea de canto, sensibilidad y notables matices. Fue un convincente actor y esta vez – a diferencia del Colón – usó una peluca perfecta que parecía absolutamente natural. El esperado Do del aria fue algo más tirante que el resto de su canto, pero seguro. Como en otras ocasiones su timbre algo falto de armónicos y punta no dio la fuerza de los típicos timbres mediterráneos. Pero en un todo es un más que respetable Rodolfo. Y como ha probado todos estos años es un tenor “todo terreno” que puede pasar de Verdi, Puccini a ópera francesa, alemana o contemporánea y siempre está perfecto en estilo.
Ricardo Crampton, en su vuelta a nuestro país, ya que está radicado en Italia haciendo una interesante carrera, mostró su hermoso timbre de barítono, su canto tiene ahora más soltura, lo mismo que su físico, pero manteniendo siempre su línea de canto y su importante volumen. Actuó y cantó con total solvencia, favorecido además por su apariencia física. Operaintheworld siempre vio en él un elemento para hacer una carrera internacional y puede verse en las críticas de la época que residía en nuestro país. Sin dudas de lo más notorio del reparto. Esperemos verlo en nuestro querido Teatro Colón en poco tiempo.
Una total revelación fue la joven soprano chilena Yaritza Véliz. Una Musetta no fácilmente olvidable. Tiene un hermoso timbre de soprano ligera con suficiente volumen, su canto siempre fue expresivo, matizado y su actuación del segundo acto, cantando y actuando con gran sensualidad fue totalmente un logro. Un verdadero hallazgo haberla contratado.
Otro punto destacado fue la actuación de Emiliano Bulacios, luciendo una importante voz de bajo y conmoviendo en su aria “Vecchia zimarra, senti “.
Mario Di Salvo, completó con solvencia vocal y escénica el grupo de bohemios.
Un nivel de total corrección brindó el resto del elenco.
Gran trabajo del coro, dirigido por Hernán Sánchez Arteaga, lo mismo que el de niños dirigido por Mónica Dagorret.
Una gran apertura de temporada con un “Boheme” que merece ser vista.
Nota: Una pregunta para el Director General y Artístico Sr Martin Bauer, si en una función de “La Boheme”, un domingo por la tarde, con excelente elenco, dirección y atractiva puesta, además de un precio absolutamente acomodado, no logró llenar la platea, con varias filas vacías en la parte trasera y notables blancos en el resto de la sala, que se puede esperar para las funciones de ópera contemporánea? Es para pensar……

Dr. Alberto Leal

GALA LIRICA

FUNCIÓN A BENEFICIO DEL PROGRAMA DE BECAS DE LA FUNDACIÓN TEATRO COLON

Un gracias es poco para valorar la incansable labor del Dr. Alejandro Cordero. Esta magnífica gala fue solo una muestra de todo lo que realiza desde la Fundación y todos los que amamos la música tenemos que estar hondamente agradecidos con él.
En un Colón repleto, con una espléndida decoración floral, fue una noche realmente de gran placer. El Colón no suele hacer recitales como se realizaban en una época. De hecho he visto sábados por la tarde varios, desde Ghena Dimitrova hasta Mirtha Garbarini. Una pena porque se realizan en todos los grandes teatros del mundo. Aquí solamente cuando vienen grandes figuras y con entradas a un precio bastante inaccesible. Esta Gala muestra que el público está ávido de escuchar a nuestros cantantes y músicos, siempre que, como en esta oportunidad, sea a un precio accesible. En este caso además, valoro que fuera a beneficio de los jóvenes artistas locales y esperemos que se repita. Gracias para todos los cantantes y al pianista acompañante por su desinteresada participación.
El nivel general fue de excelencia pero sería imposible hablar de cada uno en particular dado a la gran cantidad de participantes, si voy a comentar lo más saliente a mi criterio.
El Maestro Marcelo Ayub, realizó un trabajo titánico. Siempre en el estilo justo, tocó con gran precisión y volumen. Fue uno de esos casos donde no se extrañó la orquesta. Bravo!
Gustavo Feulien, a quien escuchaba por primera vez, aunque tal vez lo viera en papeles menores antes de radicarse en el exterior, presentó una contundente voz de barítono, excelente volumen, admirable línea de canto. Brilló en “Nemico della Patria” de Andrea Chenier y lució sus condiciones histriónicas en los dúos de Don Pasquale y Don Carlo, aunque en ambos se produjo una falta de balance por la diversidad de volumen. Es un artista completo que canta en el exterior primeros papeles, cuyo Scarpia fue comentado muy favorablemente por el NY times y el Wall Street journal. Cuesta entender que el Teatro Colón lo traiga para el elenco alternativo como Masetto. Solo es de esperar volver a verlo pronto en un rol que su capacidad amerita.
Enrique Folger, aquí no hubo sorpresa alguna, cantó en forma excelente “E lucevan le stelle” de Tosca y brindó, junto a Alejandra Malvino una memorable versión de su papel fetiche, Don José, cantando con gran hondura dramática y excelente nivel vocal, la escena final de Carmen. Un punto de los más altos de la Gala y en lo personal lo hubiera usado para cerrar la misma en lugar del sexteto de Lucía.
Daniela Tabernik cantó con bella y potente voz y gran entrega un emocionante “Un Bel di vedremo” y el dúo del segundo acto de “Madame Butterfly” junto a Alejandra Malvino. Tavernik es de los valores jóvenes con más futuro, puede pasar de ópera italiana a rusa, etc. y siempre su trabajo es más que destacable.
Marina Silva espléndida de ver y escuchar, brindó una notable versión del aria de Pagliacci y brilló en las escenas de conjunto en las que participó. Lo mismo de Jaquelina Livieri, luego de una deliciosa versión del aria de” La Rondine””, se destacó se destacó en cada una de sus participaciones grupales.
Los tres cantantes con más experiencia, María Luján Mirabelli, Alejandra Malvino y Omar Carrión se mostraron en excelente forma vocal. Mirabelli se lució en “O mio Fernando”, Malvino en el dúo de Carmen y en una hermosa versión de “Mon Coeur S’Oubre A Ta Voix” y Carrión volvió a dar una lección de cómo se canta Verdi con un magnífico “Cortigiani Vil Razza Danatta” de “Rigoletto”.
Muchos otros cantantes lucieron su talento, algunos tal vez en un repertorio que no era el más indicado para sus voces. Pero la Gala en si fue un lujo, una fiesta. Felicitaciones a todos los que la hicieron posible y que se repita. Placer para los amantes de la música por una excelente causa.

Alberto Leal

DON GIOVANNI , CON ELENCO ALTERNATIVO QUE NO DESMERECE EN LA COMPARACION CON EL ELENCO TITULAR PESE A LA AUSENCIA DE SUS DOS GRANDES FIGURAS MASCULINAS

DON GIOVANNI OPERA DE W.A.MOZART LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE DIRECCIÓN MUSICAL –MARC PIOLLET DIRECCIÓN DE ESCENA-EMILIO SAGI ESCENOGRAFÍA-DANIEL BLANCO CORO DEL TEATRO COLÓN BAJO LA DIRECCIÓN DE MIGUEL MARTÍNEZ ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN FUNCION FUERA DE ABONO CON ELENCO ALTERNATIVO

DON GIOVANNI es por sobre todas las cosas una obra de ensemble, donde todos deben interactuar y tener niveles de calidad similar so riesgo de que el espectáculo no funcione. Y aquí tuvo un elenco de pareja calidad con cada personaje siendo servido en gran estilo tanto en el canto como en la escena, y una gran predisposición al trabajo en equipo. En este sentido lo más destacado fue la dupla Perez Miranda- Debevec que lograron una excelente química,virtieron sus recitativos con gran teatralidad y lograron contrastar muy bien sus personajes La mayor ovación de la noche la obtuvo LUCAS DEBEVEC MEYER que logró una magnífica composición de su personaje al que supo revestir de comicidad pero también de sentimientos y angustias. Vocalmente estuvo excelente manejando con gran clase los diversos registros que posee su voz y utilizando con inteligencia el volumen de sus notas agudas para darle formalidad al personaje cuando intenta asimilarse a su amo. Sutilísimo trabajo el de HOMERO PEREZ MIRANDA, muy atento a todos los matices y alternativamente meloso, noble, brutal, servido con una voz de gran flexibilidad y con un buen volumen que se hizo oír sin problemas en el Teatro, un gran uso de la mezza voce y solamente un relativo desfallecimiento en el aria champagne donde uno hubiera haber querido ver y oír más brillantez y un volumen más importante. Bellísima la serenata DEH VIENI ALLA FINESTRA, y en general magnificos todos sus recitativos .. Una agradabilísima sorpresa el DON OTTAVIO de SANTIAGO BÜRGI netamente superior al que había hecho en el Avenida. Bürgi ha venido frecuentando papeles más pesados que su repertorio original y su voz luce un crecimiento en el centro y los graves que en el anterior Don Ottavio le plantearon algunas dificultades sorteadas con habilidad y esfuerzo . Aquí parece haber reganado el timbre leve que el papel requiere, estuvo impecable en las coloraturas, resolvió con un excelente pianísimo y algunos portamenti la parte más lírica del DALLA SUA PACE y en general usó su timbre más central y la fuerza de sus graves para proyectar un Don Ottavio más viril y más decidido de lo que usualmente se presenta en el papel. Un muy buen trabajo realmente, completado por su siempre confiable calidad como actor. DANIELA TABERNIG no cesa de asombrarme . Va de fuerte en fuerte y compuso aquí una Doña Anna impetuosa, con un bellísimo timbre y una voz que no le teme ni a los momentos más dramáticos de la entrada o del OR SAI CHE L ONORE, pero que se explaya con facilidad en las partes agudas de los concertantes y en la difícil aria de coloratura final. Un gran trabajo. MONICA FERRACANI sonó como si hubiera cantado Mozart toda su vida, con una levedad y un timbre lírico tales que parecieron desmentir que estamos en presencia de una soprano que ha cantado AIDA,NABUCCO,TOSCA, DER FLIEGENDE HOLLANDER y logró cantar con absoluta precisión la coloratura de MI TRADI. En verdad su voz llegó a sonar tan lírica que por comparación sus notas graves parecieron restringidas. MARISU PAVON fue una deliciosa Zerlina linda de ver y de oír GUSTAVO FEULIEN un muy correcto Masetto y EMILIANO BULACIOS un impactante Comendador, que logró además sonar imponente en los fragmentos amplificados que estuvieron muy bien logrados. Una gran noche en suma. Desde ya quedo comprometido a ver los elencos de extraordinarias de FIDELIO, MACBETH Y TOSCA donde además puede haber alguna sorpresa si se confirman los rumores de que algunas de las figuras anunciadas de hecho no se harían presentes. Pero prefiero no comentar rumores habida cuenta del resbalón sufrido por un colega.

LUIS G BAIETTI ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD.

FAUSTO

OPERA DE CHARLES GOUNOD CON LIBRETTO DE MICHEL CARRE Y JULES BARBIE
BASADO EN EL DRAMA DE GOETHE
DIRECCION MUSICAL: JAVIER LOGIOIA ORBE
REGISSEUR: PABLO MARITANO
ESCENOGRAFIA: ENRIQUE BORDOLINI Y PABLO MARITANO
ILUMINACION: ENRIQUE BORDOLINI
CORO DE BAL DIRIGIDO POR JUAN CASABELLAS
BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

La labor que cumplen las Compañías privadas de Opera como BUENOS AIRES LIRICA, es cada día que pasa más importante, en la medida en que el Teatro Colón se aleja cada vez más del repertorio lírico tradicional y cuando se acerca lo hace con puestas en escena “ creativas “ que se apartan sustancialmente de la concepción original de la Opera muchas veces tornándola incomprensible o hasta a veces ridícula.
Cuánto hace que no veíamos FAUSTO DE GOUNOD Y CUALES LAS PROBABILIDADES QUE TENDRÍAMOS DE VERLO EN EL FUTURO INMEDIATO SI DEL Colón EXCLUSIVAMENTE DEPENDIERA ¿? Y cuales las posibilidades de que si se diera la circunstancia inesperada de verlo lo hiciéramos en una puesta que desnaturalizaría completamente el texto y lo volviera algo en lo que el autor ciertamente no soñó y no permitiría de estar vivo ¿?
Pero lo más interesante de todo es que las puestas de las Cias. privadas y de BAL muy especialmente cada vez son más profesionales, más dignas del texto que se está representando. Y ES POR ESO QUE RECOMIENDO SIN RESERVAS AL PUBLICO QUE CONCURRA A VER ESTE ESPECTACULO. Verán una Opera clave en el desenvolvimiento del Teatro Lírico, con melodías bellísimas, y presentada en una versión de gran dignidad y de gran respeto al autor y a su obra.
Voy a comenzar elogiando el equipo que realizó la puesta en escena, porque últimamente es un gusto que me puedo dar muy rara vez..La escenografía diseñada por BORDOLINI Y MARITANO es excelente, en la medida en que crea todos los ambientes que son necesarios a la obra y realza el acontecer teatral. Comenzando por el inmenso pizarrón cubierto de fórmulas matemáticas, todo un hallazgo en la primer escena, la adecuadamente modesta pero sólida y pulcra casita donde vive Margarita, con el pequeño jardín, la deslumbrante escena de la Iglesia aquí convertida en un lugar donde de hecho se celebra una misa negra, con el Diablo en persona administrando la comunión ayudado por un demonio, todo ello presidido por un enorme crucifijo con la imagen de Jesus crucificado, colocado con la cabeza para abajo,y culminando por la despojada escena final en la cárcel , con esa pared enorme al fondo cubierta por una gran cantidad de pequeñas cruces pintadas. Bordolini como iluminador además realzó los elementos de la puesta con una inteligente elección de los énfasis lumínicos, sin descuidar la necesidad de hacer visibles a los cantantes solistas que fueron constantemente seguidos por un reflector, como se hacía antes de que se volviera moda ambientar las escenas en la penumbra y no permitir que el público vea las expresiones de los intérpretes.
MARITTANO demuestra a su vez todo lo que sabe de teatro en una puesta donde la creatividad no se riñe con el respeto. Algunas ideas formidables, como la entrada de Mefistófles por la platea, su permanencia en uno de los palcos observando con expresión irónica la seducción de Margarita por Fausto, la forma en que se evita la remanida fórmula de que Fausto vea a Margarita por primera vez a través de una pared de su estudio que se hace translúcida sustituída aquí por un libro en el que Mefistófeles le muestra Margarita a Faust, libro del que emana una potente luz, toda la escena de la Iglesia que es realmente obsesionante,y la brillante ejecución de la escena de la redención de Margarita.
Todo esto además de marcar a cada personaje en todo momento la expresión que corresponde a lo que está viviendo. Un gran trabajo de dirección realmente.
Hubo , es verdad algunas soluciones que me gustaron menos, pero en definitiva son cuestiones no centrales al drama y en las cuales cabe que haya gustos y concepciones diferentes. No me gusta por ejemplo que Mefistofeles entre en escena vestido de una manera que contradice la descripción que el personaje hace de su vestimenta ( L /EPEE AU COTE , etc. ) y tampoco que se sustituyan las espadas por revólveres, si bien en las dos escenas en que esto ocurre Maritano supo salir con gran talento de la encerrona en que él mismo se había colocado. En la primera, porque se supone que Valentin viendo que el Diablo ha derretido el acero de su espada, la da vuelta y la transforma en una cruz con la que espanta al demonio ( C /EST UNE CROIX QUE DE L/ ENFER NOUS GARDE ). Aquí al no tener la espada porque estaba armado de un revolver, él y todo el coro se colocan de rodillas y enfrentan al demonio haciendo el signo de la cruz sobre sus cuerpos.
En la segunda durante el duelo entre Fausto y Valentin Maritano tiene una gran trouvaille : Fausto se niega a dispararle a Valentin que se queda inmóvil. Mefistófeles le toma el arma a Fausto y le dispara a Valentín casi sin mirarlo, como un acto de rutina subalterna. Y por último no me pareció lo más adecuado presentar el coro de los soldados que vuelven como una canción cantada por un conjunto de hombres inválidos y temerosos. Pero repito son asuntos menores, cuestiones de gusto opinables, y en nada afectan lo que fue en su conjunto una gran dirección.
El trabajo más árduo seguramente le tocó a JAVIER LOGIOIA ORBE, ya que no es fácil montar un FAUST con la reducida orquesta disponible y con un coro de limitada cantidad de componentes. El Maestro logró un sólido trabajo, quizás por momentos algo impersonal de tanto extremarse en hacer sonar bien la partitura y mantener el equilibrio entre el foso y el escenario- Tanto el coro, que suena extremamente bien , especialmente su cuerda de tenores, como la orquesta estuvieron a la altura de sus labores.
Genial trabajo de HERNAN ITURRALDE como Mefistófeles, una interpretación que engalanaría a cualquier teatro. –Absolutamente seguro en toda la extensión de la partitura, con un timbre de bajo-barítono extremamente agradable al oído, una pronunciación francesa impecable , y un desenvolvimiento escénico que hizo que constantemente las miradas repararan en él con su ironía , su aire divertido y el mal contenido gesto de impaciencia al final cuando oye de los ángeles que Margarita se ha salvado. ABSOLUTAMENTE GENIAL,un placer irrestricto, un motivo fuertísimo para ir al Teatro Avenida, porque no hay muchas oportunidades de ver un Mefistófeles de este nivel.
Hace mucho que no veía a DARIO SCHMUNCK tan a sus anchas con un papel. La partitura le sienta bien a su voz y le permite lucir su registro agudo que es de una precisión y de una belleza notables., e impactar con un par de agudos que hacen sufrir a algunos tenores pero que en manos de Darío parecieron rutina. No es la de Schmunck una voz de gran volumen, si bien corre muy bien , aún en las exigidas notas graves, especialemente en el 1er.acto. Y en general canta todo a viva voz o mezzo forte, careciendo de pianísimos que servirían de contraste. En lo actoral lució muy comprometido en la escena inicial y mucho más aún en la escena final y limitadamente expresivo en la escena de la kermesse y sobretodo en la escena del jardín, donde faltó fuego.
MARINA SILVA impactó con una impecable versión vocal de Margarita, con apenas un par de estridencias ocasionales en notas del extremo agudo, un par de pianísimos interesantes, impecable coloratura en la escena de las joyas, y una fuerte composición dramática en la escena de la Iglesia , de la muerte de Valentín y de la cárcel. Ahora que finalmente Buenos Aires la ha descubierto es de esperar que le de muchas satisfacciones al público en proyectos venideros.
En la escena del jardín faltó a ella y al tenor ese algo inasible que es la elegancia francesa y en algún momento me hizo recordar por el estilo a un par de versiones en disco que tengo, que están cantadas en italiano con el correspondiente estilo itálico de los cantantes.
Muy buena la presencia de CONRADO BAUER como Valentín que cantó bellamente sus dos arias, dotándolas además de gran expresividad. Y CECILIA PASTAWSKI volvió a lucirse por su perfecta encarnación del mozalbete masculino, al punto que hasta que no cantó su primer palabra creí que habían adjudicado la parte a algún contra tenor.
Muy buena actuación de JUAN FONT en el breve papel de WAGNER, en el que supo lucirse especialmente en las contra escenas. Y un lujo asiático tener a VIRGINIA CORREA DUPUY para el papel menor de DAME MARTHE.

LUIS BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

DOS INTÉRPRETES MASCULINOS DE EXCEPCION PARA UNA LOGRADA PUESTA DE DON GIOVANNI
DON GIOVANNI

OPERA DE W.A.MOZART
LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE
DIRECCIÓN MUSICAL: MARC PIOLLET
DIRECCIÓN DE ESCENA: EMILIO SAGI
ESCENOGRAFÍA: DANIEL BLANCO
CORO DEL TEATRO COLÓN BAJO LA DIRECCIÓNDE MIGUEL MARTÍNEZ
ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN
FUNCION DE ABONO CON EL ELENCO TITULAR

REPARTO
DON GIOVANNI: ERWIN SCHROTT
LEPORELLO: SIMON ORFILA
DONNA ANNA: PAULA ALMERARES
DONNA ELVIRA: MARIA BAYO
DON JAQUELINA LIVIERI
MASETTO: MARIO DE SALVO
COMENDADOR: LUCAS DEBEVEC MEYER

El TEATRO COLÓN, como ya se ha comentado ampliamente, manteniendo lo que ha sido la tendencia en los últimos años, nos ha planteado una temporada que ofrece pocas satisfacciones a los amantes de la opera en el sentido tradicional del término. Una temporada en este sentido muy breve que se limita a 4 títulos y omite algunos componentes que son esenciales en la temporada de un teatro lírico respetuoso de las tradiciones, al punto que no se presentará este año ningún Wagner, ninguna ópera del repertorio francés, y ninguna opera belcantista (el Colón bien podría asombrarnos a todos estrenando la llamada Trilogía Tudor de Donizetti que nunca fue presentada en la sala, y de la cual sólo se conoce ANNA BOLENA en una versión que ya lleva décadas de ofrecida , tres óperas que son títulos clave en el desarrollo del arte lírico que el espectador capitalino sólo conoce gracias a puestas de las Cias. privadas con todas las limitaciones que ello supone) .Una temporada además en la cual los repartos no son nada excitantes y en la cual para colmo hay el peligro de que los pocos títulos clásicos sean sometidos a un tratamiento “ creativo “ que los desfigure. Dentro de este panorama desolador para quienes amamos la opera clásica, dos títulos atraían fuertemente las esperanzas de los espectadores : este DON GIOVANNI y la TOSCA que incluye el más sólido de los repartos al menos mientras no se anuncien cambios en el reparto de las principales figuras anunciadas como ha venido siendo el caso en los últimos años, y una regie que es toda una garantía de creatividad respetuosa de las intenciones del autor al escribir la opera ,y es por lo tanto el título que más esperanzas despierta y el que seguramente desencadenará la más dura competencia por adquirir entradas para verlo.
En buena medida las expectativas sobre DON GIOVANNI se centraban en la presencia en el reparto de ERWIN SCHROTT , una de las pocas figuras de primer nivel mundial en el mundo de la opera que el Colón nos trae este año, manteniendo la tendencia de los últimos años que han sido muy parcos en la inclusión de grandes cantantes, y en los cuales, como ya he dicho antes, una buena parte de los anunciados en definitiva no han venido. Schrott completa con esta actuación su tercera presencia en nuestro primer coliseo. La primera, cuando aún era un joven cantante uruguayo escasamente conocido fuera de fronteras, fue con un inolvidable Monterone en Rigoletto, que produjo gran impacto y logró ser el punto más destacado de la velada, pese al carácter secundario del papel y a la presencia en el reparto de un gran tenor argentino poco conocido hasta el momento y que después haría una rutilante carrera internacional, y que es de pleno derecho la figura más importante que nos visitará este año MARCELO ALVAREZ. La segunda en un fallido NOZZE DI FIGARO con una puesta harto cuestionable, en la cual el astro se movió con notoria incomodidad. Yo he tenido la suerte de verlo lejos de aquí en inolvidables interpretaciones del Rodolfo de LA SONAMBULA en Río, donde eclipsó al resto del elenco, algo realmente difícil de producir en una ópera donde el bajo es decididamente secundario, un desopilante DULCAMARA en VIENA, y varias versiones de NOZZE Y DON GIOVANNI que han sido su tarjeta de presentación en los grandes teatros del mundo. Schrott es bastante avieso a incorporar nuevos papeles a su repertorio en lo que muchos critican como una cierta falta de laboriosidad de parte del intérprete, y es una pena porque esa voz pediría otros compromisos.
Pero, tal como ha venido ocurriendo en el mundo todo, los primeros comentarios de la versión de esta obra maestra de Mozart se centraron en la polémica sobre la puesta en escena. Algo que viene ocurriendo sistemáticamente, ya que de alguna manera los registas se las han ingeniado para ser el centro de atención de los espectáculos aunque más no sea por la vía del escándalo, relegando a un segundo plano los comentarios sobre los aspectos musicales de la versión.
Debo decir que en realidad no he visto en esta versión de EMILIO SAGI nada de tan escandaloso o revolucionario y que me ha parecido en general, salvo en la escena final, una puesta bastante convencional, apegada al texto, y una puesta además donde se ha profundizado en la sicología de los personajes y se han obtenido actuaciones de gran valía (y lo digo por los dos elencos). Una puesta además, con una escenografía totalmente convencional, hasta diría que al borde de lo rutinario, pero bienvenida en cuanto aporta un marco de elegancia a la representación y en cuanto permite con rápidos cambios pasar de un ambiente a otro permitiendo así que la música fluya sin interrupciones entre un cuadro y otro (sólo ha habido un hiato antes del cuadro en el cementerio que ha sido cubierto por un fragmento solista ajeno a la obra, pero de un estilo compatible con ella). Una pena realmente lo que ocurre sobre el final. Se ha optado por no mostrar la figura de la estatua del Comendador a la cual se oye a través de los amplificadores del teatro sin tener una idea precisa acerca de de donde viene, como si estuviera llenando el ambiente, una opción que puede ser muy interesante, especialmente con un hábil juego de luces que haga predominar el color rojo para dar idea del infierno que se acerca y que acaba por “chupar “al libertino. Pero aquí se optó más bien por el grand guignol con el cadáver de DON GIOVANNI esparcido sobre la mesa de la frustrada cena (y en la versión fuera de abono con el pecho descubierto, lo que no ocurrió en la función con Schrotthaciendo trizas el libreto donde los personajes se preguntan sobre donde estará Don Giovanni y reciben de Leporello la descripción de lo que ha ocurrido y el anuncio de que nunca más lo verán, todo ello con el cadáver ominosamente presente bajo sus narices, y culminando con el tremendo efecto de mal gusto de todos los personajes profanando el cadáver y embadurnándolo con los restos de la cena inconclusa. Un lamentable despropósito que desgraciadamente por ocurrir en la escena final hace que los espectadores nos retiremos del teatro con el gusto amargo de haber asistido a una nueva profanación gratuita de una obra maestra que merecería bien otro respeto.
Y como ven, yo también he caído en la trampa y he comenzado por discutir la regie, que es lo que se busca con estas provocaciones.
Continuando con los aspectos generales de la versión diré que la dirección musical de Piollet me pareció delicada y preciosista, haciendo sonar bien la delicada partitura de Mozart en sus pequeños detalles, pero operando en contra de la teatralidad del texto, aunque favoreció netamente el desempeño de los cantantes por el ritmo holgado y por el volumen reducido de los acompañamientos, que en ningún momento compitieron con las voces. La orquesta respondió con su habitual nivel de calidad, y los coros - que tienen escasa participación en esta Opera- estuvieron a la altura del compromiso, siendo de destacarse el impacto de las voces graves del coro cantando desde la orquesta en la escena final.
Pasando a las interpretaciones individuales, Edwin Schrott ha sido en los últimos años uno de los intérpretes más destacados de DON GIOVANNI y se lo han estado disputando los grandes teatros líricos del mundo. No hace falta meditar mucho en el por qué. Francamente lo tiene todo para el papel: una voz espectacular, de gran extensión, volumen importante, con un timbre seductor, magníficos pianísimos, musicalidad y estilo, una pinta digna del personaje, y por sobre todas las cosas es un genial actor. A lo largo de sus sucesivas presentaciones en el papel con diferentes directores (entre ellos algunos de los mejores en su especialidad) ha ido madurando más y más el personaje que en este momento es casi una segunda personalidad suya. Eso le permite actuarlo con una naturalidad pasmosa, que en muchos casos hace sospechar que improvisa gestos y reacciones y que no los repite de una función a otra.
Todas estas cualidades no lucirían de la misma manera si no tuviera un compañero de reparto haciendo un Leporello de su nivel, porque comparten buena parte de las escenas y tiene que haber en ellos una total compenetración, casi diría una complicidad. Y el Colón tuvo el buen tino de contratar para la parte a SIMON ORFILA, que como me dijo el propio intérprete se ha paseado por el mundo cantando la ópera con Erwin, que es un excelente intérprete con una bella y rotunda voz de bajo y que ya había dejado una excelente impresión cuando hizo el DULCAMARA , un papel que quizás era menos adecuado a su voz que este, donde obtuvo un éxito total.
Entre ambos supieron mantener ese delicado y misterioso equilibrio entre la comedia y el drama que es el secreto de por qué DON GIVANNI ha mantenido su fascinación desde la época de su estreno a la fecha ,y por qué sigue siendo una obra abierta a interpretaciones diferentes que toman aspectos distintos del texto para destacarlos..

El terceto central masculino fue completado por JONATHAN BOYD un buen tenor con un volumen vocal más importante que lo usual en la parte, quien retrató un Don Ottavio entero y viril contrariamente a la usanza. Poseedor de atractivos pianísimos logró una versión excepcional del DALLA SUA PACE. En IL MIO TESORO en cambio lució algo menos seguro y las ornamentaciones fueron encaradas con extrema cautela, perdiendo efectividad
Completando el elenco masculino MARIO DE SALVO logró un muy buen retrato de su Masetto luciendo vocal y escénicamente con un aire juvenil que desmiente sus años de carrera. Y LUCAS DEBEVEC MEYER lució menos a sus anchas en la parte de Comendador que en su excelente retrato de Leporello en el otro reparto. Su voz lució muy exigida en la parte aguda en la escena final, un efecto que la amplificación terminó resaltando.
En las damas rotundo éxito de JAQUELINE LIVIERI una Zerlina deliciosa para conservar en el recuerdo tanto por el aspecto vocal como en el escénico.
Valiosa interpretación de PAULA ALMERARES. PAULA no es en realidad una elección natural para DONNA ANNA, un papel que tiene un complicado equilibrio entre momentos muy dramáticos que requieren un cierto peso vocal en la zona grave, y momentos donde tiene la batuta en la parte aguda de los concertantes rematando con una dificilísima aria de coloratura. No es casual que varias de las más importantes intérpretes de papeles más pesados se hayan tentado por el papel, algunas de ellas produciendo imborrables interpretaciones y otras sucumbiendo en cambio a las exigencias del papel en los momentos en que pide mayor agilidad. Almerares, gran cantante y gran actriz, supo dar una sólida versión vocal del difícil personaje, cantando y actuando con elegancia, estilo y expresividad, luciendo su legendario timbre central, uno de los más bonitos del país, y su mezza voce. Negoció con corrección las exigencias graves, salió airosa de la coloratura y sólo exhibió algunas ocasionales limitaciones en el volumen vocal en los momentos más dramáticos y una cierta estridencia de algunas notas agudas extremas.
MARIA BAYO es una gran cantante, muy buena actriz y tiene una importante carrera tras de sí en la que no han faltado los papeles mozartianos. Posee todos los recursos vocales para encarar el personaje. Pero la voz lamentablemente acusa el paso del tiempo en un timbre que se ha endurecido y que hace añorar con tristeza la belleza que emanaba de su canto unos cuantos años atrás cuando nos deleitó con su DOÑA FRANCISQUITA. Algunas de sus notas agudas se situaron cerca del límite de lo inaceptable. Creo que con sus condiciones y la voz que aún tiene puede dar mucho de sí en los escenarios de Opera, pero debiera ser más cuidadosa con los papeles que acepta. Este puso de relieve más sus limitaciones que sus fortalezas.

LUIS BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

LO MEJOR DEL AÑO 2015- VOTACION DE LOS CRÍTICOS DE LA REVISTA

MONTEVIDEO:

MEJOR ESPECTACULO: L ELISIR D AMORE (MARTIN JORGE- SERIO RENAN/FLORENCIA SANGUINETTI) – TEATRO SOLIS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-SOPRANO: EIKO SENDA (RASHOMON)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR - CARLOS VENTRE (OTELLO)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA EN PAPEL NO PROTAGONICO – MARCELO OTEGUI (LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA EN PAPEL NO PROTAGONICO - MARIANNE CARDOSO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPETACION MASCULINA- BAJO – EDWIN SCHROTT ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR DIRECCION MUSICAL – MARTIN JORGE ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR PUESTA – SERGIO RENAN Y FLORENCIA SANGUINETTI ( L ELISIR D AMORE )
CANTANTES IMPORTADOS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA- SOPRANO ) JACQUELINE LIVIERI ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-MEZZO FLORENCIA MACHADO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR ENRIQUE FOLGER ( OTELLO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA. BARITONO– LICIO BRUNO ( OTELLO )

EN BUENOS AIRES – TEATROS OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO – WERTHER ( IRA LEVIN –HUGO DE ANA ) CON EL REPARTO DE LAS EXTRAORDINARIAS
MEJORES ACTUACIONES
CANTANTES NACIONALES
TENOR- GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER Y DON CARLO )
BARITONO - FABIAN VELOZ ( CAVALLERIA Y PAGLIACCI )
SOPRANO -DANIELA TABERNIG Y MONICA FERRACANI ( PAGLIACCI )
MEZZO - GUADALUPE BARRIENTOS ( CAVALLERIA )
BAJO - EMILIANO BULACIOS ( DON CARLOS )

CANTANTES IMPORTADOS

TENOR -CHRISTOPHER VENTRIS ( PARSIFAL )
BARITONO -OMAN SADNIK ( EL ANGEL DE FUEGO )
SOPRANO-ELENA POPOVSKAYA ( EL ANGEL DE FUEGO )
MEZZO - NADJA MITCHELL (PARSIFAL )
BAJO - STEPHEN MILLING ( PARSIFAL ) Y ALEXANDER VINOGRADOV ( DON CARLO )
DIRECTORES
DIRECCION MUSICAL : ALEJO PEREZ ( PARSIFAL )
PUESTA : HUGO DE ANA ( WERTHER )

BUENOS AIRES – TEATROS NO OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO : CARMEN ( JUVENTUS ) – HENRIQUE SANCHEZ ARTEAGA – ANA D ANNA Y MARIA JAUNARENA
Y OBERTO ( CIA.LIRICA G.VERDI ) RAMIRO SOTO MONLLOR-ADRIANA SEGAL
MEJORES ACTUACIONES :
SOPRANO - DANIELA TABERNIG ( RUSALKA ) y SABRINA CIRERA ( OBERTO )
MEZZO- ANABELLA CARNEVALI ( IL TROVATORE )
TENOR- ENRIQUE FOLGER ( TOSCA ) -CARLOS ULLAN ( OBERTO ) Y GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER )
BARITONO – JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER – BODAS DE FIGARO – CARMEN, ETC) Y JUAN FONT ( OBERTO )
BAJO- CHRISTIAN DE MARCO ( IL TROVATORE )
ACTUACIONES EN PAPELES NO PROTAGONICOS
MEZZO - ELISABETH CANIS ( RUSALKA)
SOPRANO- MARIA GOSO ( CARMEN )
TENOR – SERGIO SPINA ( TOSCA )
BARITONO –MARIANO GLADIC ( CARMEN )

REVELACIONES :

SOPRANO –JACAQUELINE LIVIERI ( LA TRAVIATA , ELISIR, WERTHER )
MEZZO - CECLIA PASTAWSKI ( RUSALKA ) Y MARIA LUISA MERINO RONDA ( CARMEN)
TENOR : FERMIN PRIETO ( LA TRAVIATA, CAVALLERIA )
BARITONO : JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER, CAVALLERIA, IL SIGNOR BRUSCHINO, LAS BODAS DE FIGARO, CARMEN )
BAJO : EMILIANO BULACIOS ( DON CARLO )

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